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Una breve storia di Sword of Sodan - il primo vero grande gioco danese

palle@gamereactor.it (Palle Havshøi-Jensen) — Thu, 09 Apr 2026 13:00:00 +0200

Il gioco d'azione hack-and-slash Sword of Sodan è stato pubblicato per la prima volta su Commodore Amiga 38 anni fa e può probabilmente essere descritto come il primo vero grande gioco uscito dalla Danimarca. Dietro il gioco c'erano tre ragazzi danesi che, insieme, fondarono Discovery Software. Gli uomini dietro la programmazione erano Søren Grønbech (programmatore), Torben Bakager (designer) e Julian Lefay (compositore).

Screenshot da MobyGames.

Sword of Sodan era sotto molti aspetti piuttosto diverso da altri giochi simili dell'epoca, ma uno degli aspetti che la stragrande maggioranza di chi lo ha provato ricorderà è stata la sua grafica davvero rivoluzionaria. Può sembrare un po' banale, ma presentava sprite dei personaggi enormi, ben animati e ben progettati, che contrastavano nettamente con i piccoli personaggi visti in altri giochi del 1988, come Contra, Super Mario Bros. 2 e Barbarian 2. Sword of Sodan presentava personaggi che raggiungevano fino al 50-80% dell'altezza dello schermo, qualcosa mai visto prima, e questo contribuì a dare al gioco un'atmosfera quasi cinematografica per l'epoca.

Il gioco è stato pubblicato per la prima volta su Commodore Amiga e, dopo il lancio, è rimasto nella maggior parte delle classifiche di vendita nella top 10 per i successivi sei mesi, vendendo circa 55.000 copie, una cifra impressionante, soprattutto per un gioco disponibile su una singola piattaforma. Il gioco ha inoltre ricevuto un premio "Arcade Game of the Year" al "Software Oscar 1988" dalla rivista Commodore. La partita fu quindi un enorme successo.

Screenshot da MobyGames.
Screenshot da MobyGames.

Tuttavia, il cielo non era il limite per i tre ragazzi dietro il gioco, e Grønbech e Bakager dichiararono in un'intervista che, pur ricevendo lo stipendio dall'editore Innerprise Software mentre lavoravano al gioco, non avevano mai visto la percentuale di vendite promessa loro e quindi non avevano davvero percepito i benefici del successo del gioco.

Due anni dopo, i diritti di Sword of Sodan furono venduti a Innerprise Software negli Stati Uniti, che avevano in programma di portare il gioco di successo su varie piattaforme; questo portò, tra le altre cose, a una versione fortemente ridotta per la Sega Genesis. Erano spariti i grandi e distintivi sprite (erano più grandi della maggior parte degli altri giochi, ma un po' più piccoli rispetto all'Amiga), la grafica era stata generalmente notevolmente ridotta e erano state apportate diverse modifiche al gameplay. Tra le altre cose, i nemici ora attaccavano da entrambi i lati dello schermo (e non solo da destra o frontale), rendendo il gioco incredibilmente e frustrantemente difficile, e gli 11 livelli dell'originale erano stati ridotti a 8. Alcuni erano stati completamente rimossi, mentre altri erano stati combinati in nuovi livelli.

La versione Sega Genesis è stata pubblicata da Electronic Arts negli Stati Uniti e in Europa, e da Sega in Giappone, ed è stata definita da diverse riviste come uno dei peggiori giochi di tutti i tempi. Il porting non ha funzionato affatto, e diversi media e comunità di videogiochi hanno detto, tra le altre cose, sulla versione Genesis: "È stato davvero una schifezza. Faceva schifo in modo tale che non puoi fare a meno di guardarlo e chiederti perché gli sviluppatori abbiano pensato anche solo per un secondo che potesse essere almeno un gioco accettabile, figuriamoci buono." Nel 1993, il gioco fu nuovamente portato da Bethesda Softworks su Apple Macintosh System 7 (noto anche come Mac OS 7). Non ci sono molte informazioni verificabili su questa versione, ma si dice che fosse più in linea con l'edizione Amiga, anche se il suono era più limitato.

Screenshot da MobyGames.
Screenshot da MobyGames.

Mentre tutto questo accadeva, Grønbech e Grønbech si spostavano un po' tra vari lavori, dato che la Spada di Sodan era stata una cosa positiva per loro. Bakager era un designer molto richiesto e si occupò di vari progetti per diverse aziende, mentre Grønbech fu coinvolto, tra le altre cose, nella programmazione della mascotte sullo schermo Hugo, che alcuni forse ricordano dai primi anni di TV2.

Il terzo membro, Lefay, si era trasferito negli Stati Uniti e aveva iniziato a lavorare per Bethesda Softworks come sviluppatore, diventando infine Chief Engineer con la responsabilità dell'intero sviluppo software dell'azienda. Ha lavorato a titoli come Dragon's Lair, The Elder Scrolls, The Terminator e Wayne Gretzky Hockey, ma purtroppo Lefay (nato Benni Jensen) è morto di cancro nell'estate del 2025 all'età di 59 anni.

Dopo un po', Grønbech e Bakager, ormai sulla ventina, si riunirono per lavorare al inevitabile sequel, ovvero Sword of Sodan 2. Non è chiaro se la posizione di Lefay in Bethesda negli Stati Uniti abbia avuto a che fare con questo, ma Bethesda Softworks era dietro il finanziamento del gioco e l'azienda intendeva usarlo come trampolino di lancio verso il mercato scandinavo. Di conseguenza, Grønbech e Bakager rimasero in Danimarca, invece di essere portati negli Stati Uniti, mentre lavoravano a Spada di Sodan 2. Così si sedettero in una villa a Brønshøj, appena fuori Copenaghen, mentre lavoravano duramente al seguito del loro grande successo, ma purtroppo il gioco non fu mai finito. Discovery Software fallì e quella fu la fine della storia di Sword of Sodan.

O almeno così si pensa. Dopo molti anni di silenzio, Sword of Sodan 2 è stato annunciato silenziosamente lo scorso autunno dallo studio italiano Smallthing Studios ed è in arrivo su console e PC. In un'intervista con IGN Italia, hanno dichiarato di aver acquistato direttamente i diritti di Sword of Sodan da Electronic Arts e che ora avrebbero sviluppato "un sequel ufficiale dell'originale del 1988".

È stato rilasciato solo uno screenshot di Sword of Sodan 2, e indovinate un po', sono spariti i personaggi grandi e, con essi, ciò che rendeva l'originale così distintivo e unico. Sembra più una nuova versione di Golden Axe che di Sword of Sodan, ma ovviamente è troppo presto per giudicare un gioco basandosi su uno screenshot. Non c'è ancora una data di uscita per Sword of Sodan 2.

Sword of Sodan fu probabilmente il primo grande successo internazionale del mondo danese nel mondo del videogioco. È stato creato da tre ragazzi dell'area di Copenaghen, e tutti e tre, sia prima che dopo Sword of Sodan, hanno lavorato a giochi come The Vikings (Commodore 64), Hybris (Amiga), Dragon's Lair (PC), Arkanoid (Mac), The Elder Scrolls (PC) e diversi giochi di Hugo.

Da allora, ci sono state diverse altre storie di successo danesi, tra cui IO Interactive, Playdead, Ghost Ship Games, SYBO Games, Geometric Interactive, Triband e molte altre, ma Discovery Software, con sede in una casa a Brønshøj, è stata tra le prime.

Droide astromeccanico Lego Star Wars 75452 BB-8

conny@gamereactor.it (Conny Andersson) — Thu, 09 Apr 2026 09:00:00 +0200

Ci sono stati, ovviamente, alcune cose positive in Star Wars: Episodi VII-IX. Uno di questi era sicuramente il piccolo droide rotondo nuovo chiamato BB-8. Certo, non è esattamente R2-D2. Ma il design è davvero ben fatto, e ora che è apparso in forma Lego, ero soprattutto curioso di vedere come Lego, che dopotutto è sinonimo di mattoni quadrati, potesse creare la sua figura rotonda.

La soluzione e quindi il risultato sono molto riusciti, secondo me. L'ingegno di costruire due metà che poi vengono sovrapposte e bloccate in posizione crea tecniche costruttive interessanti. Anche se le quattro piccole piastre di copertura rotonde con montanti esposti sembrano una soluzione temporanea un po' troppo semplice, l'impressione generale resta buona una volta tutto finito.

C'è, ovviamente, un set Lego BB-8 esistente. La versione molto più a blocchi, con il numero #75187, che ha anche poco più del doppio dei pezzi rispetto a questa. Non mi piace particolarmente quel tipo di design dove si vedono subito tutti i 'montanti', ma anche quella versione è bella e riesce a creare il corpo rotondo in modo interessante.

Il vecchio modello a sinistra e quello nuovo (che ho costruito io) a destra.

Se guardi la costruzione da lontano, il corpo, che è per lo più bianco con qualche dettaglio arancione, potrebbe non sembrare molto divertente da assemblare. Ma chiunque abbia mai costruito qualcosa con i Lego sa che la superficie è solo la punta dell'iceberg. Sono rimasto davvero sorpreso da quanto fosse intricata questa costruzione. I piccoli telai che assembli per formare le due due metà del droide sono davvero ingegnosi nel loro design. La seconda borsa, che forma il telaio, non è esattamente tecnicamente difficile ma ha comunque alcuni elementi divertenti, come le ruote che permettono alla testa di muoversi quando la rotoli. Poi costruisci l'altra metà e infine la piccola testa, che ovviamente contribuisce molto alla personalità del droide.

Uno dei dischi rotondi più grandi sul davanti può anche essere aperto per rivelare un artiglio e una piccola fiamma, nel caso, ad esempio, si voglia ricreare la scena del 'pollice in su' di BB-8 con Finn. Cercalo su Google se non sai a quale mi riferisco.

Uno fatto di Lego e uno in plastica radiocomandato.

Come puoi vedere sopra, ho scattato una foto con un modello radiocomandato che avevo di essa, e infatti la forma del corpo toglie un po' la rotondità stessa. Forse avrebbero potuto renderla un po' più uniformemente sferica invece di fingere la forma con qualche soluzione creativa. Ad esempio, montando piastre di copertura lisce sopra i dischi rotondi più piccoli che ora hanno sporgenze visibili. O pezzi semicircolari. Ma nel complesso, come ho detto prima, penso che funzioni nel suo insieme.

BB-8 inclina la testa di lato quando la rotoli in avanti o indietro.

L'unica vera critica che ho è che forse la testa avrebbe potuto essere resa un po' più mobile. Sul vero droide, la testa rotola in tutte le direzioni sul corpo a forma di palla, mentre nella versione Lego gira solo a destra o a sinistra. Forse il meccanismo qui avrebbe potuto essere un po' più sofisticato, così che la testa potesse inclinarsi in avanti e indietro, più simile a una parte separata piuttosto che completamente fissa e limitata a girarla durante la guida.

569 pezzi sono, ovviamente, una passeggiata da assemblare, e il prezzo è un po' alto per questo numero di pezzi. Questo vale però per la maggior parte dei set Lego di Star Wars, che costano molto di più rispetto al set standard, con poche eccezioni. Ma se sei un fan di Star Wars in generale, naturalmente vorrai collezionare ogni singolo droide là fuori. Quindi, da parte mia, ovviamente lo metterò accanto agli altri che ho raccolto, e starà benissimo lì sullo scaffale, completo di piccola targa informativa.

La nostra classifica definitiva dell'Universo Assoluto DC dopo 18 mesi

ben@gamereactor.it (Ben Lyons) — Wed, 08 Apr 2026 11:00:00 +0200

Mentre la Marvel ha avuto il sopravvento sulla DC nel settore del cinema e della TV, nel mondo dei fumetti è la DC a prendere ultimamente le decisioni migliori e più riuscite. Il colosso dell'intrattenimento ha recentemente riportato la sua etichetta Vertigo, più orientata ai più maturi, oltre ad aver dato il via a una nuova serie chiave con Batman, scritta da Matt Fraction, che è già stata un enorme successo. Ma forse il lavoro più notevole e riuscito di DC negli ultimi tempi è il lancio dell'universo Absolute, che offre una nuova prospettiva su molti degli eroi e villain più iconici del marchio.

Absolute è iniziato ufficialmente 18 mesi fa, quando il DC All In Special è arrivato all'inizio di ottobre 2024, collegando questo nuovo universo a quello precedente, e da qui si è ampliato notevolmente in una serie di storie uniche basate sui principali membri della Justice League. Naturalmente, Batman ha dato il via alla scena, ma da allora ci sono stati presentati Absolute Superman, Wonder Woman, Flash, Green Lantern e Martian Manhunter, con piani per estendersi a Freccia Verde e Catwoman rispettivamente a maggio e giugno 2026.

La maggior parte di questo universo di Absolute è divisa tra le cinque icone della Justice League, dato che la storia di Martian Manhunter è una miniserie, così come il piano per gli archi di Freccia Verde e Catwoman. C'è stata anche una storia one-shot di Absolute Evil incentrata sui villain e un breve collegamento per Absolute Batman chiamato Ark M Special, quindi come puoi vedere, l'universo è già piuttosto ampio.

Ora che sono passati 18 mesi e molti di questi progetti Absolute hanno avuto tutto il tempo per ambientarsi e crescere, ho pensato che fosse il momento di classificare davvero ciò che è stato proposto finora, guardando in particolare alle storie di Batman, Superman, Wonder Woman, Flash, Green Lantern e Martian Manhunter, dato che ci sono molti numeri di ciascuno in giro al momento della stesura. Ecco quindi la mia classifica definitiva dell'universo Assoluto dal peggiore al migliore (anche se nessuna di queste storie è brutta, qualcuno deve comunque essere il 'perdente'...).

6. Lanterna Verde Assoluta

Il motivo per cui Absolute Green Lantern viene relegato in fondo alla lista è semplicemente perché questa storia richiede troppo tempo a trovare il suo equilibrio e anche perché manca alcune delle evoluzioni dei personaggi più contorte e strane che troviamo nelle altre storie di Absolute. Poiché la stessa natura della serie Absolute è offrire interpretazioni uniche e fresche di eroi e narrazioni consolidate, quella delineata in questa storia di Green Lantern non può elevare questa serie oltre i suoi connazionali. Ha un interessante aggancio che reinventa tutta la dinamica di potere del Corpo delle Lanterne, ma manca della forza e della natura mostruosa e fantastica che si trovano altrove, ecco perché Green Lantern è sesto posto.

5. Assoluto Lampo

Come Green Lantern, anche Absolute Flash è una storia piuttosto ottima, ma inciampa in modo molto simile. Troviamo una storia che (ironicamente) non si accende come i suoi concorrenti e che manca notevolmente delle brutte e mostruose contorsioni dei villain come nelle altre serie. È un viaggio interessante e interessante, ma rispetto ad alcuni dei grandi titoli in arrivo, Absolute Flash semplicemente non riesce a tenere il passo, almeno a questo punto della sua storia e sviluppo più ampio.

4. Vera Wonder Woman

In realtà ho molta simpatia per Wonder Woman e adoro il personaggio, ed è per questo che mi spezza un po' il cuore vedere la Principessa di Themiscyra così in basso. Il motivo per cui Absolute Wonder Woman scende al quarto posto è semplicemente perché questa storia inizia piuttosto forte e da allora ha faticato a mantenere quel livello di emozione. I primi numeri che presentavano Diana come un prodotto dell'oltretomba e non dell'Olimpo, prima di vedere l'iconica guerriera amazzonica affrontare il Tetracidio, una bestia che farebbe tremare qualsiasi uomo dalla paura, sono stati un ottimo modo per iniziare questa serie. Tuttavia, da questo periodo, i numeri sono diventati meno catastrofici e hanno fornito una narrazione che non ha la stessa potenza di colpo caso per numero di quella che stiamo arrivando.

3. Cacciatore Assoluto di Marziano

Ok, questa è quasi una pausa, un ripasso sulla formula che ci aspettiamo dalla serie Absolute. Absolute Martian Manhunter è di gran lunga la più unica di queste storie, poiché offre una narrazione più artistica e creativa che reimmagina l'eroe in modo più astratto. È meno ricco d'azione rispetto agli altri di questa lista, ma è anche il più insolito, un perfetto ripulimento di palette sotto forma di una storia compatta con colpi di scena significativi e sviluppi oscuri e strani. È un'espressione comica in grande forma.

2. Superman assoluto

Quando penso all'universo di Absolute e a come contorce al meglio il più ampio mondo DC, sia questa storia che le avventure del Crociato Incappucciato mi colpiscono. Stiamo parlando di storie di origine alterate, riconoscibili ma uniche, abbinate a archi narrativi faticosi e villain bestiali che fanno sembrare Doomsday minuscolo e insignificante. Absolute Superman è una storia avvincente e intensa, ricca di dolore al cuore, tradimento, perdita e battaglie che scuotono il mondo. È quasi tutto ciò che si potrebbe desiderare da una storia di Man of Steel.

1. Batman assoluto

E come sorpresa di nessuno, in cima a questa lista c'è Absolute Batman. Nessuna serie rappresenta meglio il formato Absolute come le ultime avventure di Bats, che vede il famoso protettore di Gotham reinventato come un gigantesco, che guida una ruspa, brandisce un'ascia e combatte cattivi mostruosamente contorti strappati direttamente dai tuoi incubi. Questa serie è straziante, violenta, terrificante e crudele. È un massacro. Che si tratti di vedere un Batman alto due metri affrontare dei teppisti spietati, un spaventoso Mister Freeze, sopravvivere a torture abissale, un Bane grande quanto uno stadio, o anche un Joker che somiglia di più a un demone, questa storia ha tutto. È davvero una serie a fumetti da non perdere.

Qual è la tua opinione sull'universo Assoluto? Come classificheresti queste sei storie e quale arco di Absolute è il tuo preferito finora?

L'ondata di giochi in arrivo in stile Mass Effect mostra cosa i giocatori hanno perso per troppo tempo

alex@gamereactor.it (Alex Hopley) — Mon, 06 Apr 2026 12:00:00 +0200

Se c'è una cosa che penso racchiuda la sensazione di cui i giocatori hanno bisogno per immergersi in una nuova uscita, è la connessione. Le persone si connettono ai videogiochi in tanti modi diversi. Alcuni hanno bisogno di un gameplay ricco, altri di una narrazione profonda. La maggior parte apprezza una combinazione di entrambi, ma desidera anche qualcosa che risulti accessibile. Niente meccaniche troppo complesse da tavolo né mondi aperti eccessivamente grandi. Personaggi secondari che ti fanno sentire come se stessi avventurandoti con persone reali, e un protagonista di cui sei il padrone. Molte di queste cose si trovano in massa nei giochi di Mass Effect.

Attingere al nucleo RPG in stile space opera di Mass Effect sembra un'opportunità che gli sviluppatori hanno mancato da tempo. Non sono un fan di copiare direttamente altri franchise, essendo parte di una tendenza a sfruttare il successo di qualcun altro, ma ormai siamo quasi dieci anni senza un gioco di Mass Effect, con l'ultimo molto criticato al lancio. C'è spazio e spazio per tanti nuovi nomi che ci danno un equipaggio improvvisato con cui poter unirci mentre cerchiamo di salvare almeno una parte della galassia.

Star Wars Zero Company, The Expanse: Osiris Reborn, ed Exodus. IP già affermate, una nuova, e tantissime meccaniche di gioco, ambizioni e budget diversi. Eppure, c'è una cosa che li unisce tutti. Ognuno di loro è stato paragonato a Mass Effect, e hanno accettato quei paragoni. L'era dei Soulslike è finita, ed è il momento di un Mass Effect? Probabilmente no, ma se anche solo uno di questi giochi è abbastanza valido da ricordarci i nostri tempi a esplorare la Normandia, sarà un ottimo segno per il futuro degli RPG di fantascienza in generale.

Come ho detto all'inizio, la capacità di un gioco di connettersi con il suo pubblico è il fattore chiave per avere successo nel mercato odierno. I giocatori più giovani tendono a connettersi tra loro attraverso esperienze multiplayer, ma con il passare delle lobby di CoD e delle stagioni di Fortnite, i migliori del mondo preferirebbero rilassarsi con un'esperienza che possano vivere al proprio ritmo, bilanciandola con un lavoro e una vita familiare impegnativa. È qui che un gioco che offre un'esperienza come Mass Effect può davvero brillare. Creare un legame simile con i compagni, i personaggi e il mondo come nei classici BioWare precedenti può lasciare un'impressione duratura che ti rimane impressa, e potrebbe far dire al pubblico tra dieci o quindici anni "ehi, questo gioco è come Exodus."

Non so se la tempesta perfetta di Mass Effect possa essere ricreata. Ha offerto un universo originale e vasto, con una lore profonda e un cast di personaggi secondari davvero indimenticabili. Potrebbe non sembrare troppo difficile da fare, e si spera di non esserlo, ma siamo dove siamo con lo sviluppo di videogiochi oggi, dove è del tutto possibile che i compagni IA diventeranno la norma tra un paio d'anni. Almeno, i tre giochi sopra menzionati non opteranno per questo (anche se Owlcat usa GenAI per The Expanse: Osiris Reborn ). La creazione di un mondo originale potrebbe già screditare Star Wars: Zero Company e The Expanse: Osiris Reborn come vere versioni simili a Mass Effect, ma il primo sembra sviluppare una piccola parte di un universo e di una storia più ampia, proprio come ha fatto Warhammer 40.000: Rogue Trader, mentre il secondo proviene da un universo che sì, ha molto materiale di partenza, ma può comunque essere introdotto a un vasto e nuovo pubblico. Quello che trovo attira di più le persone a paragonare un gioco a Mass Effect, piuttosto che al suo mondo originale, sono i compagni di gioco e i sistemi che li circondano.

Le connessioni, se devo ripeterlo, sono una parte fondamentale per rendere un gioco, specialmente un RPG, memorabile. Con chi è meglio creare quei legami, se non con i compagni? Baldur's Gate III lo dimostrò, proprio come aveva fatto Mass Effect prima. La missione suicida di Mass Effect 2 (che, tra l'altro, è la migliore missione di tutto il mondo dei videogiochi), non funziona senza una squadra che non vuoi davvero far morire, pur sapendo che potresti perderli tutti. Se Star Wars Zero Company, The Expanse: Osiris Reborn ed Exodus hanno qualcosa su cui concentrarsi, è questo. Il gameplay ripetitivo o una trama principale leggermente lenta possono essere dimenticati se c'è un grande personaggio al tuo fianco. Ricordo più battute di Garrus, Tali, Liara, persino Miranda, che della stessa Comandante Shepard nella serie Mass Effect, ed è proprio qui che dobbiamo vedere questi prossimi giochi avere davvero successo per poter rivendicare adeguatamente i paragoni con Mass Effect.

Questo si estende tanto al design quanto alle personalità dei personaggi. Non potevo dire di essere entusiasta di vedere Exodus rivelare i suoi compagni, almeno tre dei quali indossavano la stessa imitazione della tuta stilloff per la loro "armatura" e avevano sguardi piuttosto vuoti. Posso occuparmi almeno di un Jacob o di un James, ma per favore non fare un intero elenco di loro. Per fortuna, c'è un polpo amichevole che ti aiuterà in combattimento, quindi almeno c'è già un barlume di salsa da trovare. Potrebbe farmi sembrare uno degli anti-woke, ogni donna deve sembrare una protagonista di Stellar Blade online, ma direi anche che non c'è nulla di male a rendere i compagni fisicamente attraenti, dato che lo saranno anche a livello di personalità. Basta non puntare a un look Concord, e andrà tutto bene. Owlcat lo capisce, a quanto pare, come Larian ha fatto con Baldur's Gate III. Rendi tutti ugualmente attraenti, e sei a posto. Tranne che per il Polpo, sto bene senza poter fare un romance con il Polpo, grazie Archetype.

Non mi soffermerò a lungo sul design dei compagni, ma quando le persone cercano la connessione e l'evasione che questi personaggi possono offrire, aiuta a volte che possano approfondire il personaggio attraverso cose come il romanticismo. Avowed, per esempio, non ha colpito il bersaglio con tutti che sono solo amici e non ci sono mai opzioni per qualcosa di più. Non è necessario, ovviamente, ma alla gente piace essere strana con gli alieni. Anche Mass Effect è un esempio lampante. Star Wars Zero Company probabilmente non avrà legami del genere, ma con il suo sistema di morte permanente, sono molto più entusiasta di affezionarmi ai miei compagni di squadra finti e poi piangerli per settimane dopo una missione andata male.

Dove i Soulslike cercavano di infilarsi in un genere già occupato da uno sviluppatore che pubblicava regolarmente classici di sempre, i film alla Mass Effect arrivano proprio in un momento in cui abbiamo disperatamente bisogno di una avventura spaziale. Guardians of the Galaxy si è avvicinato abbastanza, così come Baldur's Gate III, a ricreare mondi e personaggi altrettanto coinvolgenti, ma per un motivo o per un altro non hanno soddisfatto esattamente quel desiderio di Mass Effect. Speriamo che almeno uno di questi giochi possa, anche solo per dimostrare che sì, editori, amiamo gli RPG che ci permettono di costruire legami con personaggi tridimensionali e interessanti.

A Leap of Fail, Expanding Arkham e Supernatural San Andreas: ecco alcune delle Easter Egg preferite di Gamereactor

gr@gamereactor.it (GR Staff) — Sun, 05 Apr 2026 11:00:00 +0200

Ancora una volta, è tempo di Pasqua. Sebbene questa festività sia nota per i suoi legami religiosi, è diventata anche un periodo per celebrare l'inizio della primavera e concedersi abbondanti uova al cioccolato. Parlando di uova, come abbiamo fatto l'anno scorso, segneremo questo periodo dell'anno mettendo ancora una volta in evidenza una collezione di Easter egg nei videogiochi che continuano a colpirci.

Ben: The Witcher 2: Il salto del fallimento di Assassins of Kings

Anche se ero tentato di tornare semplicemente nel mondo di Call of Duty Zombies e mettere in evidenza un altro degli Easter egg epici e senza tempo della modalità, ho pensato che quest'anno sarebbe stato piacevole apportare un cambiamento marginale. Ecco perché stiamo scambiando i non-morti con assassini, rivolgendoci al riferimento a Assassin's Creed in The Witcher 2: Assassins of Kings. Vicino all'inizio del gioco, durante l'assalto, Geralt trova un individuo curiosamente vestito che chiaramente è caduto da una grande altezza. Vicino alla ballerina durante l'assedio, probabilmente noterai una persona vestita con una veste bianca e appiattita a terra vicino a un mucchio di paglia. C'è anche una torre posizionata in modo curioso dietro l'individuo, evidentemente a segno che qualcuno ha fatto un salto di fede ma ovviamente non ha creduto abbastanza. Una lunga caduta e una fermata improvvisa, e mentre Geralt dice avvicinandoti al cadavere schiacciato, "immagino che non impareranno mai."

Puoi vedere il Salto del Fallimento catturato dallo YouTuber Moziz qui sotto.

https://www.youtube.com/watch?v=1Om0UpfQc0Q

Alex: San Andreas soprannaturale in Grand Theft Auto V

Grand Theft Auto V è un gioco enorme, pieno di Easter egg. Alcuni li troverai da soli. Altri ci hanno messo mesi prima che qualcuno li notasse, e richiedono una rapida ricerca su Google solo per essere sicuri di trovarli la prossima volta che decidi di scatenare le strade come Trevor, Franklin e Michael. Stiamo combinando due Easter egg in uno, dando un'occhiata sia all'alieno congelato che alle apparizioni di Bigfoot che si trovano in Grand Theft Auto V. L'alieno congelato appare all'inizio del gioco, quando stai combattendo per uscire da una rapina in banca finita male nei panni di Michael. Mentre allontani l'auto, gira a destra e devia fuori strada mentre ti avvicini a un ponte con un fiume sotto. Direttamente sotto il ponte di ponte, puoi trovare un cadavere alieno congelato. Abbastanza interessante, eh. Il secondo evento soprannaturale avviene più tardi, interpretando ancora una volta Michael nella missione Predator. Lì, userai un fucile con mirino termico per eliminare i fratelli O'Neil. Se zoomi nell'area della missione in basso a destra, vedrai per un attimo il contorno termico di bigfoot. Assicurati di avere la macchina fotografica pronta, perché Bigfoot scompare poco dopo.

Dai un'occhiata ai video di Easter egg nei video YouTube di Typical Gamer e GTA Series qui sotto:

https://www.youtube.com/watch?v=TNcwPfYW83Y

https://www.youtube.com/watch?v=gMW0tvp9ucY

Magnus: Scoprire i piani di costruzione di Arkham City in Batman: Arkham Asylum

Batman: Arkham Asylum era zeppo di messaggi nascosti, profondi tagli di lore e riferimenti allettanti, motivo per cui io e mio fratello abbiamo passato settimana dopo settimana a esplorare ogni singola sezione del labirinto manicomio, entusiasti di scoprire cosa si nascondeva dietro l'angolo successivo. Ricordo quella mattina di sabato, un po' in hangover, che guardavo nell'ufficio di Quincy Sharp e mi imbattevo nei progetti di quello che sarebbe poi diventato il progetto di Arkham City. Rocksteady avrebbe rivelato formalmente il sequel poco dopo, ma già allora imbattersi in un caso legato al futuro del franchise era sorprendente. Anche se il 2009 non è stato analogico in alcun modo, la notizia di tali scoperte non si è diffusa nemmeno lontanamente velocemente come oggi, quindi questa è stata, credici o no, una sorpresa completa, e essendo i fan di Batman che siamo, l'entusiasmo che entrambi abbiamo provato quella mattina era palpabile.

Alex: Accarezzare un Tyranid in Warhammer 40.000: Space Marine II

I Tiranidi sono una delle più grandi piaghe della galassia nell'universo di Warhammer 40.000. Ce ne sono infiniti, e anche se possono sembrare un po' carini nella loro forma da tavolo in miniatura, come nel lore saranno tutt'altro che un animale coccolone. Passerai ore a schiacciarli in polvere di insetti in Warhammer 40,000: Space Marine II, ma nella prima missione puoi trovarne uno che non ha intenzione di farti del male e che può essere effettivamente accarezzato. Su Avarax, arriva al punto in cui puoi chiamare l'ascensore tramite una console, poi attiva una seconda console e aspetta la coda audio, il che significa che ora hai generato nove Tyranidi da trovare nella prossima parte della missione. Se li elimini tutti, troverai un amichevole hormagaunt sdraiato in un corridoio, libero di essere accarezzato a piacimento.

Guarda il video qui sotto per scoprire come trovare tutti e nove i Tyranids, grazie alla YouTuber Kimber Secundus:

https://www.youtube.com/watch?v=6_A-IDZBSGU

I migliori protagonisti videoludicici degli anni 2020 (finora)

alex@gamereactor.it (Alex Hopley) — Sat, 04 Apr 2026 13:00:00 +0200

Se guardi a cosa rende un grande gioco, il mondo, le meccaniche di gioco, la grafica e le trame hanno un ruolo importante, ma tutto sembra che si incastri quando il protagonista – il personaggio al centro dell'intera esperienza – appare sviluppato e vivo. Negli anni 2020 abbiamo avuto alcuni giochi di rilievo, con protagonisti altrettanto impressionanti al centro. Allora, elenchiamone alcuni, va bene?

Questa lista copre solo i personaggi apparsi per la prima volta in forma videoludica negli anni 2020. Mi dispiace, Cal Kestis, Kratos adulto, Aloy e Henry di Skalitz, qui non sarete inclusi, nonostante siate grandi personaggi a modo loro.

L'Impulso Oscuro - Baldur's Gate III

Potrebbe sembrare un po' banale inserire un personaggio su cui il giocatore ha così tanto controllo in un posto di questa lista, ma rispetto alla vera tabula rasa dell'Avventuriero o di Tav, il Dark Urge/Durge è un personaggio più completo e dettagliato, completo di un passato oscuro e profondi legami con il mondo e gli antagonisti. Una volta che hai giocato come Dark Urge, è davvero difficile tornare indietro, e molto di questo è dovuto alla storia predefinita che erediti una volta che inizi a creare questo personaggio. Puoi far apparire l'Impulso Oscuro come preferisci, e renderlo malvagio o redimibile quanto vuoi, ma una volta conclusa la campagna in Baldur's Gate III, una grande parte del motivo per cui la ricorderai sono quelle scene specifiche del personaggio che hai nei panni del Durge. Sembra che dovrebbe essere tra i più grandi personaggi creabili dell'epoca di BioWare, perché ti permette davvero di lasciare la tua impronta nel mondo, pur essendo una parte consolidata di esso.

Andreas Maler - Pentiment

Un altro personaggio su cui il giocatore ha una discreta influenza, Andreas Maler si distingue ancora di gran lunga sulla maggior parte dei personaggi che incontrerai in un RPG o in un videogioco, a dire il vero. È il fulcro di Pentiment, un veicolo perfetto attraverso cui il giocatore può vivere il mondo, dato che la piccola città di Tassing è nuova per lui quanto lo è per noi. Imparare sulla gente della città, le implicazioni più ampie dei progressi tecnologici e sociali nella Germania del XVI secolo, oltre a risolvere alcuni omicidi complessi, tutto si unisce per creare una storia che non dimenticherai facilmente, guidata da un personaggio che appare come una delle persone più tridimensionali che gli esperti di RPG di Obsidian abbiano mai creato.

Jin Sakai - Fantasma di Tsushima

Mi piace Atsu, davvero, ma l'uomo che ha dato il via a tutta questa storia dei fantasmi è difficile da superare. La storia di vendetta di Jin Sakai è una che abbiamo già visto spesso nei giochi precedenti, se si riduce la storia al suo livello più basilare. Tuttavia, seguendo Jin attraverso il Giappone che deve abbandonare chi era per diventare qualcos'altro per il bene del suo popolo e del suo paese. Jin appare all'inizio come un eroe piuttosto insipido e piuttosto regolare, ma man mano che passi più ore a esplorare la storia nei suoi panni, sveli gli strati del suo personaggio e trovi qualcosa di incredibilmente coinvolgente all'interno. C'è un motivo se tanti fan volevano che tornasse per il sequel, e non è solo sessismo.

Saga Anderson - Alan Wake 2

È difficile essere il nuovo in un mondo e un contesto già definiti. Anche se l'ultimo gioco di Alan Wake era arrivato più di un decennio prima dell'uscita del sequel, il gioco porta comunque il nome dell'autore immaginario, e quindi c'era il timore che Saga potesse essere un'aggiunta poco gradita. Chi ha giocato sa che questa è ben lontana dalla verità. Il coinvolgimento di Saga nella storia di Alan Wake 2 non solo sembra necessario, ma anche gradito. Nel corso della narrazione, scopriamo di più su Saga, che deve adattarsi rapidamente a essere gettata nelle profondità di una storia soprannaturale che certamente sembra al di fuori delle sue competenze. Alla fine, però, vediamo che ha capito la storia tanto quanto Alan, portando a essere lei a decidere tutto.

Astro Bot - Astro Bot

Dove finora le altre voci di questa lista sono state giudicate per il loro uso come strumenti narrativi coinvolgenti, Astro Bot fa qui il suo ingresso come una delle prime nuove creazioni di mascotte di successo nei videogiochi da tempo. Astro Bot sembra sempre stato qui, ma non mostra ancora segni di ruggine o invecchiamento. È un compagno adorabile e amichevole che, per caso, è anche il protagonista di uno dei migliori platform 3D di sempre. Vai a capire. Le avventure di Astro Bot continuano a impressionarci ogni volta che arrivano sui nostri schermi, e anche se la prossima volta che lo vediamo non ci lascerà a bocca aperta, è impossibile immaginare un futuro in cui non amiamo questo design del personaggio.

Volontà - Metafora: ReFantazio

Puoi chiamare questo tizio come vuoi, ma il nome canonico è Will, almeno nella localizzazione inglese, ed è quello che stiamo mantenendo. Appena sconfitto da Astro Bot ai Game Awards 2024, Metaphor: ReFantazio si è rivelato un eccellente RPG e un bellissimo accompagnamento fantasy per l'amato franchise Persona di Atlus. Ferocemente leale, sempre disposto a fare il passo in più, e a volte innocente fino all'eccesso, Will si sentiva meno una tabula rasa o un eroe generico rispetto a molti dei suoi colleghi JRPG. Ha ancora elementi di quei personaggi, eppure la sua storia unica e la sua visione della vita e degli eventi di Metaphor: ReFantazio mi hanno tenuto interessato per le decine di ore che il gioco inserisce nella sua storia principale. Come sempre, i personaggi secondari hanno aiutato molto, ma non avrei voluto giocare come uno di loro invece che con Will.

Grace Ashcroft - Resident Evil Requiem

Una recente e molto meritevole in questa lista, Grace Ashcroft è scivolata senza sforzo nel franchise di Resident Evil come un vecchio paio di guanti. Era allettante inserire qui la versione invecchiata e tosta di Leon Kennedy, e sebbene sia certamente una parte importante di ciò che rende grande Resident Evil Requiem, il gioco non sarebbe così straordinario senza Grace. Una grande interpretazione di Angela Sant'Albano dà vita a Grace, mostrandola prima mentre affronta la comprensibile paura e il terrore che sicuramente si proverebbe se ti trovassi in uno scenario alla Resident Evil. Poi, mentre si adatta insieme alla storia del gioco, vediamo l'arco narrativo di Grace completarsi. Speriamo però che questa non sia l'ultima volta che la vediamo in Resident Evil, visto che ha già fatto successo ai fan.

Mae e Cody - Ci Vogliono Due

Gli studi Hazelight offrono magia cooperativa, questo è chiaro, ma le narrazioni degli sviluppatori a volte sono un po' prevedibili. Non c'è nulla di male in questo. Non tutti i giochi hanno bisogno di una sceneggiatura da premio Oscar, e anche se It Takes Two ha forse la storia più prevedibile di tutte, è comunque estremamente godibile grazie agli umani trasformati in bambole che possiamo interpretare. Mae e Cody non hanno paura di infastidirti un po' nel gioco, eppure rimangono una coppia sana e simpatica anche quando combattono al loro massimo dei momenti. Forse non stiamo costruendo un franchise attorno a loro, soprattutto visto che il film It Takes Two sembra in pausa, ma sono abbastanza memorabili da restare.

Melinoë - Ade II

Zagreo o Melinoë, onestamente potresti mettere in questa situazione uno dei figli combinaguai di Ade, ma il pregiudizio di recente recente mi spinge più verso la dea degli incubi e della follia. Zagreus è un protagonista subito simpatico, ma si potrebbe sostenere che la sua posta in gioco sia piuttosto bassa, mentre Melinoë deve affrontare molto di più. C'è molta pressione sulle sue spalle per introdurre il giocatore a questa nuova narrazione più cupa e cercare di essere il punto di riferimento quando non riusciremo più a parlare con le persone che conosciamo e amiamo dal primo gioco. Supergiant ha fatto un lavoro incredibile rendendo entrambi i protagonisti molto simpatici, ma durante il periodo con cui ho lavorato al sequel mi sono ritrovato a tifare sempre più per Melinoë.

Maelle - Clair Obscur: Spedizione 33

Un'altra aggiunta relativamente recente, ma qui stiamo parlando dei giochi degli ultimi cinque anni e piccolo. Se non hai giocato a Clair Obscur: Expedition 33, o anche se non hai ancora raggiunto i titoli di coda, potresti pensare che Gustave o Verso siano i protagonisti del gioco. Se hai superato tutto, però, saprai che Maelle è il nostro vero protagonista. E che personaggio è. Non entreremo in spoiler dettagliati, ma i colpi di scena della storia principale ruotano tutti attorno a Maelle, e alla fine ero così coinvolto nel suo viaggio che ho scelto il finale che sapevo sembrasse il "peggiore" semplicemente perché credevo si adattasse meglio al suo arco narrativo. Clair Obscur: Expedition 33 può essere tutta dedicata a chi viene dopo, ma non invidio chiunque debba seguire il lavoro di Jennifer Svedberg-Yen e Jennifer English nel dare vita a questo personaggio.

V - Cyberpunk 2077

Vi svelo un piccolo segreto per concludere questa lista: ho adorato Cyberpunk 2077 quando è uscito. Certo, era piena di bug. Certo, forse non aveva tutte le libertà open-world di un'esperienza sandbox come GTA, ma le ossa che mostrava erano incredibilmente solide. CD Projekt Red aveva ancora una volta stupito con i suoi personaggi e il suo lavoro narrativo, con V al centro. V può essere una moltitudine di personaggi diversi in Cyberpunk 2077, ma la magia deriva dal fatto che tutti sembrano validi e profondamente godibili. Che tu giochi come Valerie o Vincent, che tu sia un Corpo o un Nomad, V sembra un protagonista quasi perfetto, perché mentre tu come giocatore ti senti libero di determinare i momenti importanti e i dettagli di background per loro, hai anche la sensazione che tu stia entrando in un personaggio predefinito. Hanno un ruolo attivo nel mondo, invece di limitarsi a far accadere il mondo intorno a loro. Questo è ciò che porta un protagonista al livello successivo, ed è ciò che CD Projekt Red ha raggiunto in Cyberpunk 2077, fin dall'inizio.

Prevediamo di cosa parlerà The Super Mario Bros. Movie 3 (e quale sarà il titolo)

javier@gamereactor.it (Javier Escribano) — Thu, 02 Apr 2026 16:00:00 +0200

The Super Mario Galaxy Movie Now e The Super Mario Bros. Movie nel 2023 presentano una grande quantità di riferimenti a 40 anni di storia dei giochi Mario, da brevi cameo a grandi scene e punti di trama adattati più o meno fedelmente dai giochi. È certo che ci saranno altri film lungo il percorso: nulla di confermato al momento, ma ci aspettiamo che sequel e spin-off escano ogni due o tre anni, come nel franchise dei Minions.

E questo ci ha fatto pensare: dove andrà la serie di film dopo? Molte cose dell'universo Mario sono già state trattate, ma ci sono ancora molte cose da vedere nei film. Qui prevediamo le premesse, i personaggi e le location più probabili che ci aspettiamo di vedere in The Super Mario Bros. Movie 3... A partire dal titolo.

Perché, dopo Super Mario Bros. e Super Mario Galaxy, come si chiamerà il prossimo film? Queste sono le nostre previsioni... Ma ovviamente, non leggere oltre se non avete visto il film. GRANDI SPOILER IN ARRIVO.

Insisto, GRANDI SPOILER DA The Super Mario Galaxy Movie.

The Super Mario Odyssey Movie

Il primo film prende il nome da Super Mario Bros., che è il nome colloquiale della serie ma anche il titolo del primo gioco ufficiale, uscito nel 1985. Se avessimo dovuto adattare ogni era principale dei giochi di Mario, il passo logico successivo sarebbe stato The Super Mario World movie , basato sul gioco del 1991. Invece, Illumination è entrato direttamente in Galaxy, basato sui giochi Wii del 2007-2010, probabilmente il punto culminante della serie Mario dal punto di vista narrativo e del worldbuilding.

Questo ci fa pensare che il nome più logico per il terzo film sia The Super Mario Odyssey film. Tuttavia, questo rappresenta una vera sfida, dato che la maggior parte delle parti migliori del gioco Switch del 2017 sono già presenti nei due film precedenti: il matrimonio di Peach e Bowser, Tostarena e il Regno della Sabbia, il dinosauro, il Drago Rovinato, persino le parti di Brooklyn del primo film sembravano New Donk City.

Fare un film Mario Odyssey senza la parte del matrimonio, che è già stata fatta, sarebbe un po' inutile. Potrebbero concentrarsi su Cappy e sua sorella Tiara, e sull'avere i Broodals come nuovi villain. Ma onestamente, quei personaggi non erano particolarmente memorabili. Allo stesso tempo, la capacità di Mario di trasformarsi in nemici e animali era una meccanica di gioco estremamente interessante, ma non ha molto senso narrativamente essere una parte importante del film...

The Super Mario Land movie

Un problema importante che la serie di film ha a lungo termine è la mancanza di buoni cattivi, cosa che influisce anche sui film di Sonic. Bowser (e Robotnik) sono fantastici, ma useranno sempre lo stesso cattivo?

L'universo di Mario non ha molti villain oltre a Bowser (e Donkey Kong, che non conta visto che non è più davvero un cattivo). C'è un'eccezione. Oppure due, Wario e Waluigi, probabilmente i personaggi più importanti di Mario che non sono ancora apparsi nei film. Abbiamo visto Daisy nella scena post-crediti di Galaxy, che porta a... Super Mario Land.

La principessa dai capelli rossi (accennata anche quando Luigi chiede a Mario se Peach ha un'amica) ha debuttato in Super Mario Land, il 1989. Wario ha debuttato in Super Mario Land 2 (1992). Abbastanza materiale da ambientare il terzo film nel bizzarro regno di Sarasaland, che potrebbe portare a cameo davvero profondi.

Il grande problema è che 'The Super Mario Land movie ' non suona nemmeno lontanamente epico come The Super Mario Galaxy Movie, il che renderebbe la fine della trilogia molto meno allettante dal punto di vista commerciale. Ed è questo il problema di questa serie di film: niente è più grande di Galaxy, tranne Odyssey, e come abbiamo detto, la maggior parte di ciò che abbiamo visto in quel gioco è già stato adattato...

The Untitled Super Mario 3D Game releasing in 2027 movie

Beh, potrebbe esserci qualcosa di più grande di Galaxy e Odyssey... il prossimo gioco dell'universo Mario, fortemente vociferizzato per uscire nel 2027 come primo vero successore di Mario Odyssey. Ci aspettiamo che sia qualcosa di completamente nuovo (non Galaxy 3 o Odyssey 2), e se uscirà nel 2027, sarebbe possibile che un film uscito nel 2028 o 2029 porti il suo nome e prenda ispirazione diretta da qualunque cosa stia cucinando il team di Yoshiaki Koizumi in questo momento.

Dato il rapporto stretto tra Nintendo e Illumination, l'idea che sia il gioco che il film vengano sviluppati in parallelo non è inconcepibile, anche se non siamo sicuri che sarebbe la scelta giusta: porterebbe molte persone a pensare che il gioco sia un adattamento del film, il che potrebbe svalutare il prodotto originale di Nintendo nel suo complesso. E ci sono altre opzioni più interessanti, come...

The Super Mario Sunshine Movie

Questo classico per GameCube del 2002 è senza dubbio uno dei giochi di Mario con un mondo e una storia più distinguibili, e Isle Delfino sarebbe assolutamente splendido. Potrebbe anche portare a un tempo di qualità tanto necessario tra i personaggi mentre vanno in vacanza: la relazione tra Mario e Peach potrebbe essere esplorata adeguatamente, prima che Bowser Jr. diventi il cattivo principale questa volta.

Il problema è che Super Mario Sunshine è un gioco molto di nicchia (per quanto possa esserlo un gioco Mario) e, ancora una volta, meno commerciabile di Galaxy (anche se direi che è più entusiasmante di un semplice 'Land '). Se fatto bene, potrebbe essere un film con molta personalità, e una buona scusa per uscire in estate invece che in primavera.

The Super Mario 3D World + Bowser's Fury movie

Un altro titolo relativamente oscuro, essendo un bonus aggiuntivo per un gioco più grande, Bowser's Fury ha davvero un buon potenziale per una storia interessante. In questo gioco, Bowser Jr. si allea con Mario per fermare un Bowser furioso, che è diventato un mostro gigante, prima che Mario si trasformi in un gatto gigante. Sarebbe una scusa molto valida per avere di nuovo Bowser come principale antagonista e creerebbe una dinamica interessante tra Mario, Bowser Jr. e Bowser, una delle cose migliori del film Galaxy.

Il problema è che... Galaxy film ha già fatto qualcosa di simile, con Mario che si allea con Bowser, e Mario che salva Bowser Jr. dal drago gigante creato da Bowser. Inoltre, non ci sono molti personaggi secondari per sviluppare la promessa di avere Daisy come nuovo personaggio principale.

The Super Mario Bros. Wonder Movie

Uscito nel 2023, Wonder è l'ultimo gioco principale di Mario, il che sarebbe quindi un'opzione commercialmente valida per intitolare il film. E ora nella versione Switch 2 ci sono anche Daisy e persino Rosalina. Il problema è che il gioco, pur essendo divertente, è estremamente basilare dal punto di vista della storia e il mondo non è troppo interessante.

Ciò che potrebbe essere divertente dal punto di vista cinematografico, però, sarebbe vedere gli effetti meravigliosi sullo schermo, magari giocando con stili di animazione diversi, una miscela di colori, effetti speciali e nuovi numeri musicali. Sarebbe stata un'occasione per Illumination di scatenarsi... ma diciamolo, questo studio non è Sony o DreamWorks, che sono molto più disposti a correre rischi dal punto di vista visivo.

Potrebbe però essere una buona porta d'ingresso per introdurre i Koopalings, che quasi certamente faranno il loro debutto cinematografico prima o poi, forse come fratelli o cugini di Bowser Jr. I koopalings sono le star della nuova edizione Switch 2 del gioco, così più giocatori li conosceranno prima del prossimo film...

Spin-off

Forse il prossimo film di Mario non è un sequel... ma uno spin-off. In effetti, sarebbe un ottimo modo per tenerci intrattenuti, approfondire i singoli personaggi prima che una storia più significativa possa essere raccontata nella Parte 3 della saga Mario. Queste sono le idee spin-off più probabili:

Luigi's Mansion : Charlie Day avrebbe recitato in uno spin-off che avrebbe comunque permesso a Mario, Peach, Toad e alla maggior parte dei personaggi dell'universo di apparire, rendendolo quasi un sequel, ma mettendo l'attenzione su Luigi. Rilascialo ad Halloween, metti qualche piccolo spavo per i bambini, e potrebbe diventare un successo...

Star Fox: Un film di Star Fox con Glen Powell è quasi scontato, soprattutto dopo le voci su non uno, ma due giochi nuovi di una serie relativamente poco conosciuta che usciranno presto per Switch 2. I personaggi hanno anche un enorme potenziale per un film pieno di epiche battaglie spaziali ma incentrato sull'amicizia e la cameratterità.

Princess Peach Showtime: È chiaro che Nintendo e Illumination vogliono rendere Peach più di una damigella in pericolo, quindi darle un film tutto suo sarebbe un'idea interessante. Il gioco del 2024 in cui Peach si traveste in tutte quelle diverse opere teatrali potrebbe essere interessante da adattare, ma ci aspetteremmo qualcosa di completamente nuovo per Anya Taylor-Joy.

Yoshi's Island: L'origine dei fratelli Mario, proveniente dal mondo reale, significa che Yoshi's Island non potrebbe essere adattata in un film. Inoltre, la scena dei bambini in Galaxy era già un grande Easter egg, quindi possiamo considerare Yoshi's Island coperto. Tuttavia, un altro tipo di storia incentrata su Yoshi di Donald Glover potrebbe comunque accadere, e potrebbe anche avere Bowser Jr. come cattivo, visto che appare anche nel prossimo gioco Yoshi e il Libro Misterioso.

Donkey Kong Country: Lo spin-off più probabile è ancora uno incentrato su Donkey Kong di Seth Rogen, assente nel film di Mario Galaxy. Con un rinnovato interesse per il personaggio dopo Donkey Kong Bananza, potrebbe presentare molti membri della famiglia Kong e anche reintrodurre Pauline nell'universo dei film Mario, dopo il suo breve cameo nel primo film.

Alla fine, anche se ci sono tantissime possibilità per i sequel, temiamo che Nintendo e Illumination possano essersi precipitati a affrettare la storia di Mario Galaxy già nel secondo film, in un film che, si potrebbe dire, non rende giustizia al gioco. L'hype per il film Galaxy è stato immenso, ma riusciranno a mantenerlo per il terzo, quarto o quinto film, avendo già sprecato uno dei loro migliori proiettili?

Dovremo aspettare e vedere... Nel frattempo, queste sono le nostre migliori ipotesi su cosa tratterà il prossimo film nell'universo di Super Mario (e su come si chiamerà). Sei d'accordo con le nostre previsioni? Pensi che abbiamo fatto bene? O avete altre idee? Fatecelo sapere!

La motivazione a favore di buoni porting rispetto a più remake

alex@gamereactor.it (Alex Hopley) — Thu, 02 Apr 2026 14:00:00 +0200

C'è una citazione che spesso mi passa per la mente ogni volta che penso all'industria dei videogiochi nel suo insieme, e viene da un certo Ben Starr. Sono un grande fan di Mr. Starr e non ho nulla di male da dire su di lui, ma ai Golden Joystick Awards 2024 ha detto: "È assolutamente criminale che non abbiamo una versione ufficiale di Bloodborne che giri a 60 fotogrammi al secondo."

Criminale? Davvero, Ben? Ci sono assassini che camminano per strada. Il presidente degli Stati Uniti in carica viene nominato più volte nei fascicoli Epstein che Dio o Gesù nella Bibbia. Capisco, ognuno di noi ha la propria definizione di criminale. Mi piacerebbe raccogliere persone senza consapevolezza spaziale, quelle che lasciano i carrelli della spesa all'aperto e gli ignoranti che non trovano il segnale mentre guidano, e semplicemente lanciarle via al sole. Capisco anche la frustrazione di non avere il tuo vecchio gioco preferito buono come lo era tanti anni fa quando ci hai giocato la prima volta. Tuttavia, quando la community chiede a gran voce remake, credo che ciò di cui abbiamo davvero bisogno sia un buon porting per la stragrande maggioranza di questi titoli. La stessa grafica, gameplay e persino prestazioni in alcuni casi, solo giocabili su più di una vecchia console. Come abbiamo visto con 3DS e Wii U, è fin troppo facile che i giochi bloccati su una sola piattaforma scompaiano per sempre.

Non è per rinnegare completamente i remake. No, penso che ci siano dei remake fantastici in giro. Capcom fa un lavoro brillante nel portare le paure del franchise di Resident Evil agli standard moderni, per esempio. Penso anche che un remaster possa essere un buon compromesso qui, come The Elder Scrolls IV: Oblivion Remastered, ma oggi le acque tra un remaster e un remake sono diventate così confuse che diventa difficile definire davvero cosa li separi. I porting e il lavoro di ottimizzazione, invece, spesso sembrano lasciati da parte. È meno emozionante avere semplicemente lo stesso vecchio gioco che ti viene restituito, ma potrebbe essere un'opzione migliore per molti sviluppatori e titoli. A volte sembra che GOG sia l'unico grande nome che mantiene disponibili i vecchi giochi per PC senza rivoluzionare completamente l'esperienza per un remake.

I remake sono divertenti, sono appariscenti, ma costano anche molto tempo e soldi. Dai un'occhiata al remake di Star Wars: Knights of the Old Republic come esempio lampante. Non si tratta solo di prendere codice vecchio e farlo sembrare nuovo e lucido. In sostanza stai creando un nuovo gioco con un'impresa di quelle dimensioni, anche se hai una solida base su cui costruire. In un'epoca in cui i budget nello sviluppo AAA stanno aumentando a grande escala, sembra che sia meglio risparmiare i tuoi centesimi dove puoi e investire i fondi per il rifacimento in qualcos'altro. Per quanto riguarda il tempo risparmiato, anche se il porting non è qualcosa che puoi semplicemente schioccare le dita e fare, portare i vecchi giochi così come sono su nuove piattaforme, con piccoli aggiornamenti, è molto più semplice che creare praticamente una nuova esperienza AAA con tutte le funzionalità che oggi la gente si aspetta nei loro giochi.

Tornando ad esempio a Bloodborne, sappiamo che se dovesse essere rifatto, FromSoftware sarebbe lo studio giusto. Tuttavia, FromSoftware, come immagino farebbero molti altri studi, preferisce invece lavorare su qualcos'altro. I remake possono essere certificati morti tanto quanto qualsiasi uscita videoludica, dato che hai già una fanbase integrata e non devi introdurre loro una nuova IP. È facile capire perché molti studi li fanno. Tuttavia, è possibile che ci stiamo perdendo progetti da sogno e universi nuovi ed entusiasmanti se gli sviluppatori dedicassero solo il loro tempo a lavorare su un remake. Immagina, ad esempio, se Baldur's Gate III non uscisse perché Larian stava lavorando al remake di Baldur's Gate II. È un'ipotesi, quindi non è l'argomento più forte nel caso anti-remake, ma considerando quanto il calendario delle uscite mainstream possa essere focalizzato sui remake, non mi sorprenderebbe se ci siamo persi alcune opere originali interessanti col passare degli anni.

Penso anche che ci sia qualcosa da dire sul fatto che i giocatori possano comunque giocare a molti dei giochi per cui vogliono i remake. Come già detto, GOG è un posto dove puoi prendere giochi come The Elder Scrolls III: Morrowind, Vampire: The Masquerade - Bloodlines, Dragon Age: Origins, Dino Crisis e tanti altri giochi e semplicemente premere play. Certo, hanno le loro stranezze e mostrano la loro età più di un gioco di cinque o dieci anni, ma man mano che il gaming si espande di anno in anno, sembra che cose come la grafica e uno standard visivo universalmente accettato vengano abbandonati. Ci si aspetta un certo livello di qualità da un'esperienza AAA, ma quando giochi come Slay the Spire 2 raggiungono centinaia di migliaia di giocatori, inizio a pensare che probabilmente tutti potremmo sopportare di nuovo la grafica e le prestazioni dei primi anni 2000, se fosse necessario. Non volendo perdere anni della mia vita aspettando il remake di Knights of the Old Republic, ho semplicemente preso la versione mobile e ho giocato su un tablet. È stato fantastico. Ho iniziato Dragon Age per la prima volta. Mostra la sua età, ma anche le rocce. Sminuire immediatamente un vecchio gioco per motivi grafici o prestazioni sembra diventare piuttosto superato, e un'opinione è difesa solo dagli account più fedeli di ragebait su Twitter, che guardano qualsiasi cosa sia 2D o con uno stile visivo diverso dal realismo e lo chiamano spazzatura.

Anche se per qualche motivo l'idea di giocare a un vecchio gioco com'era, con piena funzionalità tramite un nuovo porting, ti fa venire il mal lo stomaco, ci sono ancora molti giochi disponibili che sono molto più belli e non hanno davvero bisogno di un remake. Puoi giocare a Bloodborne purché possieda una PS4 o PS5. Certo, il framerate non è a 60fps, il che potrebbe far esplodere Ben Starr, ma resta comunque un gioco fantastico che non ha bisogno di un remake. Vedere remake di titoli vecchi di dieci anni o in alcuni casi anche più giovani mostra alcune delle peggiori tendenze del gaming moderno. È avidità aziendale e diritto dei consumatori, se si riduce la domanda di remake costanti fino al nucleo. Più porting potrebbero comunque includere entrambe queste cose, ma comporterebbero una frazione del costo sia in termini di denaro che di tempo.

I remake sono più belli, funzionano meglio. Puoi rendere un gioco il sogno che doveva essere vent'anni fa. Tuttavia, un porting può comunque introdurre una nuova fanbase a un titolo vecchio e amato, pur prestandogli un po' di attenzione per assicurarsi che funzioni bene su una macchina moderna. Il problema dei remake è che vendono l'idea che abbiamo costantemente bisogno di qualcosa di nuovo. È comprensibile, ovviamente. Se ci hai pensato, probabilmente hai già abbastanza giochi da giocare e rigiocare per riempire dieci vite, quindi l'industria deve venderci questa idea affinché continui.

Quando penso ai migliori giochi della mia giovinezza, non penso a loro che abbiano ricevuto un restyling lucido alla DLSS 5, desidero solo che siano giocabili su un PC moderno senza pregare che qualche modder eroico li abbia resi compatibili con i sistemi attuali. Se fossimo stati un po' più onesti con noi stessi, e non ci fossimo precipitati a rifare appena vedessimo clip di un vecchio gioco che ancora regge sotto molti aspetti, penso che alla fine avremmo molti più porting e una maggiore conservazione dei vecchi giochi a lungo termine.

Parlando di lunghezza, IA, Story-Link e fazioni con Tides of Tomorrow sviluppatore Digixart

ben@gamereactor.it (Ben Lyons) — Thu, 02 Apr 2026 10:00:00 +0200

Dopo aver trascorso alcuni anni a far crescere ed espandere il mondo di Road 96, lo sviluppatore Digixart sta andando in un'altra direzione per il suo prossimo titolo noto come Tides of Tomorrow. Mantenendo un approccio ricco di narrazione che pone un'enfasi fondamentale sul processo decisionale e sulla creazione di una storia basata sulle scelte che si fanno, questo progetto lascia la strada aperta per prendere invece il lancio in alto mare.

Descritto come un'avventura 'plasticpunk' in cui i giocatori incontreranno personaggi stravaganti e interagiranno con loro per plasmare sia la propria storia sia le narrazioni degli altri giocatori, con il lancio sempre più vicino e previsto per il 22 aprile, abbiamo avuto l'opportunità di parlare con Digixart per scoprire qualcosa in più su questo ambizioso e atteso progetto.

Potete vedere l'intervista completa con il direttore del gioco Adrien Poncet qui sotto, dove discutiamo del recente ritardo, di come la funzione Story-Link influenzerà il gameplay, della posizione dello studio sull'intelligenza artificiale, della durata generale di Tides of Tomorrow e altro ancora.

Gamereactor: In che modo il recente ritardo vi ha permesso di migliorare e potenziare Tides of Tomorrow ?

Poncet: Siamo riusciti a migliorare molte cose! Ci ha dato più tempo per migliorare la lucidità e la stabilità del gioco, per testare meglio gli scenari Story-Link e per migliorare l'equilibrio economico (che in realtà influenza la storia e le scelte che i giocatori faranno, dato che la scarsità delle risorse è uno dei temi principali del gioco).

Dato che siamo persone pazze che cercano sempre di fare il meglio possibile, ci ha anche dato il tempo di aggiungere qualche cutscene al gioco, aggiungere un gameplay extra da barca e rielaborare il design di alcuni personaggi principali, come Nahe, che abbiamo ritenuto non abbastanza iconico.

Gamereactor: Come bilanciate il dare ai giocatori la libertà evitando che rovinino la partita di un altro giocatore in anticipo tramite il Collegamento della Storia?

Poncet: Abbiamo visto molti giocatori preoccuparsi per questo! In realtà, la maggior parte degli scenari legati alla funzione Story-Link sono realizzati a mano. È una rete complessa di possibilità, ma con il contributo di designer e scrittore al centro. Così potremmo assicurarci che anche i giocatori che scelgono la strada del "combinaguai" generassero scenari interessanti e divertenti per i futuri giocatori che li seguiranno. Se il giocatore precedente è stato uno, ti dà la possibilità di sistemare le cose e uscire come la persona migliore. Inoltre, abbiamo trovato un equilibrio per assicurarci che tu possa ancora controllare il tuo destino.

Se devo dirla semplicemente: l'altro giocatore influenzerà principalmente il tuo viaggio, non la tua destinazione.

Gamereactor: Quanto sono grandi le rispettive isole e quanto possiamo aspettarci che l'esplorazione influenzi il tempo che trascorri su ciascuna isola?

Poncet: Le isole sono piuttosto grandi! Puoi aspettarti di passare il doppio del tempo sulla maggior parte delle isole se decidi di esplorare tutto e parlare con tutti. Tuttavia, la maggior parte delle esplorazioni è opzionale: il percorso critico su ogni isola è sempre guidato dalla storia, con ramificazioni a seconda delle tue scelte narrative, non di come esplori la location.

Gamereactor: Quanto è abbondante la medicina per combattere la plastemia? I giocatori saranno costretti a scegliere tra salvare gli NPC e se stessi?

Poncet: Come ho già detto, le risorse giocano un ruolo fondamentale nel gioco e nella narrazione. La medicina è piuttosto rara e diventa ancora più rara man mano che avanzi nella storia. Puoi comprarlo, rubarlo, trovarlo esplorando o ottenerlo tramite eventi narrativi. Poi sta a te decidere cosa farne. Ne avrai bisogno per la tua sopravvivenza, ma se ne hai di più, accumulerai tutto per te per sicurezza? Ne lasci un po' per altri giocatori o per gli NPC? E cosa succede se non ne prendi abbastanza per te? Ci sono dilemmi morali difficili e grandi conseguenze davanti a sé!

Gamereactor: Riesci ad attaccarti alle fazioni del gioco, o sei più un avventuriero solitario durante la storia?

Poncet: Il giocatore incarna un Tidewalker, parte di una misteriosa comunità che si dice provenga dal "vecchio mondo". Puoi decidere di giocare come avventuriero solitario o di stringere legami forti con PNG e altri giocatori. Ognuna delle fazioni ha un rapporto diverso con i Tidewalkers, che può evolversi in base alle tue scelte e alle azioni dei giocatori precedenti.

Troverai potenziali amici e alleati in tutte le fazioni (i Reclamatori, i Malandrini e i Mistici), ma starà a te decidere se essere d'accordo con loro o sfidarli. Puoi provare a unire tutti o rovinare per sempre il destino di una fazione! Gli epiloghi del gioco hanno parti dedicate a ciascuna delle fazioni.

Gamereactor: Qual è l'approccio di Digixart all'utilizzo dell'intelligenza artificiale nei suoi progetti? Hai una serie di linee guida che segui?

Poncet: Abbiamo molte questioni etiche con l'IA. I nostri giochi non contengono alcuna IA generativa nel prodotto finale. Usiamo un po' di IA come strumento di produzione, non per l'arte (mai!) ma soprattutto per il supporto alla programmazione o per automatizzare compiti che richiedono molto tempo come l'analisi dei dati. Abbiamo anche usato la tecnologia di sintesi vocale per far dire agli NPC le nostre battute di dialogo mentre iteravamo sulla storia, prima di sostituirla con veri doppiatori!

Gamereactor: Quanto pensi che durerà una partita di Tides of Tomorrow ?

Poncet: Una partita dura tra le 10 e le 15 ore, a seconda di quanto esplori e di quanti livelli giochi (molti sono opzionali). Se hai meno tempo e vuoi vivere la storia principale, puoi completare il gioco piuttosto rapidamente. Ma se vuoi immergerti a fondo nel mondo del gioco, scoprire tutti i segreti e leggere ogni documento ispezionabile, avrai molto da godere!

Gamereactor: Hai pensato di portare il gioco su Nintendo Switch 1 o 2?

Poncet: Il gioco è graficamente più ambizioso rispetto al nostro precedente Road 96. Usiamo anche Unreal Engine 5 con Lumen e Nanite, che non sono facilmente compatibili con Nintendo Switch. Quindi per ora ci siamo concentrati su PS5 e Xbox Series.

Gamereactor: Qual è una parte di Tides of Tomorrow di cui pensi che la gente non parli abbastanza?

Poncet: Parliamo molto della funzione Story-Link perché è la principale "novità" che il gioco offre. Penso che non parliamo abbastanza della metafora reale dell'inquinamento oceanico che cerchiamo di rappresentare nel gioco - perché la società in generale non ne parla abbastanza!

Mi piacerebbe anche vedere più discussioni sui nostri personaggi. Potrebbe essere difficile conoscerli prima che il gioco sia uscito, ma personalmente trovo la maggior parte dei personaggi principali molto interessanti. Abbiamo anche una galleria di eccentrici personaggi secondari che incontrerai durante il tuo viaggio: qualcuno che vive in un bidone della spazzatura, un tipo strano di nome BOMBI che passa la vita a creare BOMBE in cima a una torre in rovina, due fratelli che dividono il loro regno-barca in due e si attaccano a vicenda da allora... e molti altri. Li chiamo i "plasticpunk weirdos" ed è sempre un piacere incontrarne uno. Ma dovrai scoprirli nel gioco!

Grazie a Digixart e Poncet per aver dedicato del tempo a rispondere alle nostre domande. Tides of Tomorrow è previsto che uscirà su PC, PS5 e Xbox Series X/S il 22 aprile, quindi restate sintonizzati per ulteriori coperture sul gioco.

I migliori cameo e i più grandi dispersi in The Super Mario Galaxy Movie

david@gamereactor.it (David Caballero) — Wed, 01 Apr 2026 12:01:54 +0200

Ora è nelle sale e puoi leggere la nostra recensione di The Super Mario Galaxy Movie su Gamereactor. Naturalmente, questo sequel è un altro turbine di riferimenti e riferimenti ai 40 anni di videogiochi di Super Mario e ad altri personaggi strettamente correlati, quindi ecco il nostro riepilogo dei cameo più brillanti (se mi permettete il gioco di parole) e delle assenze in questo nuovo blockbuster animato.

Ovviamente, vi consigliamo di continuare a leggere solo se avete già visto il film, dato che stiamo entrando in territorio spoiler, ma ecco la nostra lista di cameo e elementi preferiti che ci siamo persi, molti dei quali saranno sicuramente riservati per futuri capitoli o spin-off come l'ovvio con Donkey Kong.

I migliori cameo in The Super Mario Galaxy Movie

Fox McCloud. I fan lo avevano già notato (o Nintendo aveva fatto uscire la volpe dal sacco) e poi è stato ufficializzato. Lui è IL CAMEO di questo film. Il suo design, le sue linee e il suo atteggiamento, le sue animazioni, quell'Arwing che ora ha quattro sedi... persino la sequenza anime che introduce la sua storia e i suoi compagni come Slippy Toad si è rivelata perfetta per Nintendo: una promozione ideale per un nuovo gioco di Star Fox e forse per qualche contenuto animato sotto forma di film o serie autonoma. Dopotutto, è un'altra delle creazioni preferite di Miyamoto

Daisy. Era ora. Un preferito tra noi che gioca a certi giochi di Mario Tennis e una leggenda di Super Mario Land. È protagonista nella scena post-post-credits (la seconda) e non sappiamo cosa stia combinando, ma è finita per restare. Naturalmente, e salvo un'altra sorpresa canonica, non è la sorella di Peach, ma la principessa del Regno di Sarasaland. L'amico che Luigi voleva che Mario gli presentasse?

Bowser Secco. Lo sapevamo tutti dal momento in cui Bowser iniziò a camminare sul ponte levatoio, ma questo non lo rendeva meno piacevole. E non importava nemmeno che avessimo riso quando è successo ai Dry Bones sulle montagne russe di lava. La leggendaria trasformazione da New! Super Mario Bros. portato sul grande schermo, e una nuova interpretazione del miglior personaggio dei film, Jack Black.

Signor Gioco e Guardia. Nel primo capitolo c'erano già sagome e cenni, ma qui abbiamo un'apparizione inaspettata, quasi sotto forma di uno sfidante di Super Smash Bros. Luigi non sa dipingere, eppure inventa questa fantastica creatura retrò per dare una bella scossa ai cattivi.

L'ombrello di Peach. OK, non è un personaggio, ma è un'icona, e in questo caso è un vero regalo di compleanno da parte di Mario, dato con tutto l'amore e l'intenzione. E la Principessa Toadstool la mette sicuramente a buon uso subito!

I Pikmin. Un'altra fuga deliberata, ma anche uno dei cameo meglio piazzati, dopo la statua sul tavolo dei ricchi Castellano nel primo film. Allora dov'è Olimar?

R.O.B.. È una delle gag migliori del film, che rende omaggio al burocrate pigro di Zootropolis. Il giocattolo Robotic Operating Buddy che ha venduto tante console NES negli Stati Uniti e che in seguito è diventato un personaggio videoludico è così retrò che la semplice torsione della vita per dare istruzioni a Peach e Toad gli richiede un po' di tempo. È uno dei pochi momenti di pausa del film, e funziona.

I fratelli Hammer. Non per l'aspetto in sé, cosa prevedibile, ma per il formato. Quando 'Re' Mario e Luigi si ritrovano a capo del Regno dei Funghi, devono completare una serie di commissioni sotto forma di missioni sulla mappa, accompagnate dagli effetti speciali 'stai per morire' di Mario 64. In questa galleria di cenni, riferimenti e potenziamenti, i fratelli Martello ti colpiscono due volte nel cuore.

Il drago di Super Mario Odyssey. Drago Rovinato, boss del Regno Rovinato, Signore del Fulmine, Erede di Isildur, fa un cameo molto elegante in una delle migliori scene del film: la battaglia finale tra Bowser/Dry Bowser-Bowser Jr. e Mario-Luigi-Yoshi. La trasformazione è tanto impressionante quanto drammatica, ed è uno dei pochi riferimenti ben realizzati all'odissea dell'idraulico.

Il cane dei Castellano. Era già diventato un personaggio nell'universo di Mario, dopo il suo ruolo molto simile a Illumination nel primo film e il suo legame con Luigi. Qui ha un momento nel viaggio di Yoshi a New York, ma dicono anche che assomiglia a un certo personaggio e rivelano il nome della ricca famiglia.

Ukiki la scimmia. Più che il suo aspetto, ci piace come entra in scena, apparendo molto carino ma poi trasformandosi nel piccolo furfante scivoloso e irritante che ricordiamo da Yoshi's Island e Super Mario 64.

Verruca, uccellino e topo. Da non confondere con 'Bowser'. Sapevamo già che i cattivi assolutamente malvagi e mafiosi di Super Mario Bros. 2 - il gioco Mario Bros. più 'falso' – sarebbero stati lì. E lo adoriamo, perché proprio quanto fosse strano, diverso e incredibilmente adatto a quattro personaggi quel titolo, merita questo riconoscimento canonico.

I Pianta, la Regina Ape e gli abitanti del Regno della Sabbia. Tostiani, Moe-Eyes e altre creature provenienti dall'universo di Mario si fanno strada sullo schermo tra la successione di Regni e Galassie. Va bene che abbiano messo in risalto la Regina Ape con la sua attrice di spicco e un momento dedicato, ma con così tanti riferimenti e potenziamenti, sentiamo che è uno spreco non aver visto l'adorabile Mario dell'Ape.

Fuochi d'artificio potenziati. Funghi, fiore di fuoco, stella... I fuochi d'artificio accompagnano le celebrazioni del Regno dei Funghi dal primo gioco 40 anni fa, ma in più di un titolo (ad esempio, Super Mario Bros. 3, Super Mario RPG e Super Mario 3D World) sono apparsi sotto forma di oggetti potenziamenti. Questo riferimento è molto presente alla festa di compleanno di Peach in questo gioco. A proposito, non perderti il nostro TOP: I migliori fuochi d'artificio nei videogiochi.

Da non perdere: il film Galaxy si limita all'Excitebike che Mario e Luigi stanno giocando nella loro stanza e a poco altro, quindi puoi guardare indietro a tutti i giochi 8-bit presenti in Super Mario Bros. Il film

I principali assenti in The Super Mario Galaxy Movie

Donkey Kong. È un mito, una leggenda, colui che ha iniziato tutto. Ma non si presenta. Anche i Luma lo venerano e lo imitano, ma lui è scomparso. Beh, ha un piccolo cameo nei ricordi di Yoshi il turista, ma nient'altro. Sicuramente è impegnato a 'girare' il suo film, ma il vuoto lasciato dalla sua personalità bestiale è fin troppo evidente.

Toadette. Se tre anni fa era già la seconda più ricercata, questa volta non poteva occupare nessun altro posto. Continuiamo a vedere Toad di tutti gli stili, età e colori, ma nessun segno del ~~miglior Mario Kart racger~~, il tanto amato fungo rosa con due codine.

Wario e Waluigi. C'era un indizio, ma era un depistaggio. La trama non ha mai toccato le buffonate di questi due, anche se l'ambientazione del Casino avrebbe potuto avere un accenno a Waluigi e al suo flipper, e Wart avrebbe potuto facilmente assumere il goloso Wario. Sarà interessante vederli come antagonisti diversi in futuro.

Il potenziamento vita extra (fungo 1-UP). Ci aspettiamo che riporti in vita qualcuno morto di cui non sapevamo che ne avesse mangiato uno nei film futuri. Vuoi scommettere? In questa occasione, il suo suono inconfondibile si sente solo poco prima dell'inizio del film, dopo che i Minions hanno orchestrato la melodia di Donkey Kong, insieme al logo Nintendo (da 39 a 40 vite per Super Mario).

Chalres Martinet. Quindi, dai due ruoli (Giuseppe e il padre di Mario) alla voce più leggendaria dell'idraulico nel primo film e non un solo momento nel secondo? E chi diceva sempre "Super Mario Galaxyy yahoo" in casa tua? Peccato che il miglior cameo di tre anni fa debba finire questa volta in quest'altra top list.

Quali sono stati i tuoi cameo preferiti e quali elementi ti sei perso dopo aver visto The Super Mario Galaxy Movie ? Lascia un commento.

Tempo davanti allo schermo - aprile 2026

ben@gamereactor.it (Ben Lyons) — Wed, 01 Apr 2026 09:00:00 +0200

La primavera è ormai ormai arrivata e, anche se potresti aspettarti di affrontare il grande mondo cattivo e di passare sempre più tempo all'aperto, la maggior parte dei film e delle serie TV che arrivano nei cinema e sui servizi di streaming farà del suo meglio per convincerti del contrario. Questo aprile è zeppo di film e TV imperdibili, e come al solito abbiamo raccolto il meglio del meglio per l'episodio di questo mese di Screen Time.

Come sempre, abbiamo basato le nostre scelte su un calendario di uscite nel Regno Unito, quindi assicurati di controllare localmente informazioni e elenchi accurati.

Il film Super Mario Galaxy - 1 aprile

A dare il via all'episodio potrebbe essere uno dei film più importanti dell'anno. Dopo l'eccezionale sforzo di The Super Mario Bros. Movie, Illumination e Nintendo tornano per un sequel cosmico che porterà il cast carismatico tra le stelle per un'avventura galattica. The Super Mario Galaxy Movie cerca di lasciare il Regno dei Funghi introducendo una miriade di altri personaggi leggendari del più ampio mondo di Mario, offrendo infine un'avventura che i fan dei videogiochi non vorranno perdersi.

Il Dramma - 3 aprile

Robert Pattinson e Zendaya sono due delle più grandi star del cinema al mondo attuali, quindi naturalmente vedere la coppia collaborare per un film prodotto da A24 merita di essere messo in risalto. Il dramma segue una coppia felicemente fidanzata la cui settimana di matrimonio va a rotoli quando viene svelato un oscuro segreto e la loro relazione viene davvero messa alla prova...

Fuze - 3 aprile

Cerchi un'azione più diretta? Se sì, Fuze è il posto dove dovresti concentrarti sulla tua attenzione. Questo è un film che mostra come una squadra d'élite di criminali completa un colpo leggendario usando una bomba inesplosa della Seconda Guerra Mondiale come esca. Con Aaron Taylor-Johnson, Theo James, Sam Worthington e Gugu Mbatha-Raw nel cast, aspettatevi un film davvero stellare.

Star Wars: Maul - Signore dell'Ombra [Disney+] - 6 aprile

Il tuo preferito Signore dei Sith diventato boss del crimine tornerà questo aprile per la sua spin-off dedicata a una serie animata di Star Wars. Maul - Shadow Lord esplora gli eventi della vita di Darth Maul dopo le Guerre dei Cloni e vede come ricostruisce il suo impero criminale su un pianeta che non ha ancora sentito la presa e la pressione opprimente dell'Impero.

The Boys: Stagione 5 [Prime Video] - 8 aprile

Tutto si riduce a questo. Dopo quattro stagioni di violenza mozzafiato, è finalmente il momento che The Boys giunga alla sua conclusione, tutto sotto forma di un capitolo finale dedicato che vede Billy Butcher e la sua banda affrontare Homelander e Vought per quello che sarà senza dubbio un finale sanguinoso, contorto e in qualche modo esilarante.

Ready or Not 2: Here I Come - 10 aprile

Samara Weaving sembra proprio non riuscire a trovare una pausa. Dopo essere sopravvissuta ai brutali eventi di Ready or Not, ora l'attrice è di nuovo in fuga nel ruolo di Grace, in un sequel dedicato che la vede braccata da quattro famiglie rivali che si contendono un trono ormai vacante. Lei e sua sorella, interpretata da Kathryn Newton, riusciranno a vivere per raccontare la storia?

Esito [Apple TV] - 10 aprile

Ci sono alcuni motivi chiave per dedicare un po' di tempo ad Apple TV questo mese e un esempio è vedere l'ultimo lavoro alla regia di Jonah Hill. L'iconico attore comico è tornato al posto della regia (e davanti alla telecamera) per il film noto come Outcome, un progetto che segue Reef Hawk di Keanu Reeves, un ex star di Hollywood che cerca di tornare sotto i riflettori dopo cinque anni lontani a lottare contro una dipendenza da droghe paralizzante e segreta.

Sottotono - 10 aprile

A24 ha un aprile intenso davanti a sé, con un altro progetto horror imperdibile della casa di produzione. Undertone è una storia avvincente e inquietante su una conduttrice di podcast che inaspettatamente accoglie qualcosa di più oscuro e contorto nella sua vita, ascoltando registrazioni orribili come parte della sua serie di gialli e omicidi in corso.

Euphoria: Stagione 3 [HBO Max] - 13 aprile

Abbiamo dovuto aspettare più del previsto, ma finalmente Euphoria tornerà sugli schermi televisivi questo aprile per il terzo capitolo della storia più ampia. Questa serie drammatica si allontana dal caos del liceo per rappresentare il cast come giovani adulti che affrontano tutte le tensioni e le pressioni che questo periodo d'età comporta, con Zendaya, Sydney Sweeney, Hunter Schafer, Jacob Elordi e altri ancora che tornano per questa nuova serie di episodi.

Margo ha problemi di soldi: Stagione 1 [Apple TV] - 15 aprile

Una delle altre grandi novità su Apple TV di aprile è la nuova serie commedia-drammatica Margo's Got Money Troubles. Questa serie mette Elle Fanning nel ruolo principale e la vede interpretare una giovane madre che, nel tentativo di affrontare crescenti difficoltà finanziarie, si rivolge a OnlyFans, seguendo i consigli del padre del wrestling professionistico per sfruttare al meglio la piattaforma.

Beef: Stagione 2 [Netflix] - 16 aprile

Come al solito, Netflix ha qualche successo da mettere in evidenza ad aprile, e un esempio è il ritorno della serie comica Beef. Allontanandosi dalla guerra tra Steven Yeun e Ali Wong, questa seconda stagione ruota attorno alla giovane coppia di Charles Melton e Cailee Spaeny mentre superano la vittoria di una lite inquietante tra Oscar Isaac e la coppia marito e moglie di Carey Mulligan.

La Mummia di Lee Cronin - 17 aprile

Un altro film per gli appassionati dell'horror là fuori. Lee Cronin di Evil Dead Rise è di nuovo al posto del regista per un altro lavoro raccapricciante e contorto che ruota attorno a una figlia perduta da tempo che ritorna come qualcos'altro... La Mummia di Lee Cronin è una storia che si addentra nel mito della mummificazione e mostra come una famiglia sia tormentata da quella che un tempo era la loro bellissima figlia.

Stranger Things: Racconti dal '85 [Netflix] - 23 aprile

La storia principale di Stranger Things può essere giunta al suo termine, ma ci sono ancora motivi per tornare a Hawkins per avventure più soprannaturali e insolite. Un esempio è la serie animata Stranger Things: Tales from '85, un'avventura più isolata che testimonia come Eleven e la sua banda affrontarono un mistero paranormale che minacciava la città nell'inverno del 1985, quando erano molto più giovani.

Michael - 24 aprile

Conosci l'uomo, conosci la sua musica, ma conosci davvero la sua storia? Se la giuria è ancora indecisa su quest'ultimo punto, non vorrai perderti Michael, il docu-drama di Antoine Fuqua che approfondisce la vita di Michael Jackson e cerca di raccontare come un giovane musicista di talento sia diventato il Re del Pop e abbia presto affrontato tutte le complicazioni che la fama globale porta.

Apex [Netflix] - 24 aprile

Il penultimo progetto Netflix che metteremo in evidenza questo aprile è Apex, un thriller d'azione che segue Sasha, personaggio di Charlize Theron, una dipendente dall'adrenalina, che durante un tentativo di conquistare un fiume brutale si ritrova a lottare per la sopravvivenza oltre ciò che la natura può offrire. Con Taron Egerton ed Eric Bana nel cast, aspettatevi un film che incarna davvero il mantra della caccia o di essere cacciati.

Uomo in fiamme: Stagione 1 [Netflix] - 30 aprile

L'ultima produzione Netflix e l'ultimo capitolo di Screen Time di aprile vede Yahya Abdul-Mateen II protagonista di un nuovo adattamento della storia di Man on Fire. Basato su un romanzo che ha anche ispirato il film di Denzel Washington del 2004, Man on Fire segue un ex mercenario che intraprende una missione di vendetta mentre contemporaneamente protegge la figlia di un collega morto.

Un altro enorme davvero. Come sempre, tra un mese potrai unirti a noi per scoprire cosa ha da offrire maggio 2026 agli spettatori e agli utenti dei servizi di streaming.

Giochi da cercare - aprile 2026

ben@gamereactor.it (Ben Lyons) — Mon, 30 Mar 2026 11:00:00 +0200

È stato un inizio d'anno da ricordare, dato che da quando è arrivato il nuovo anno abbiamo assistito a una marea di lanci di giochi entusiasmanti e importanti. A tal proposito, aprile non rallenta nemmeno per un secondo, dato che stiamo entrando forse nel miglior mese del 2026 finora. Sì, sarà un buon gioco, quindi non perdiamo altro tempo e iniziamo i Giochi da Cercare di questo mese.

Darwin's Paradox (PC, PS5, Xbox Series, Switch 2) - 2 aprile

Per cominciare, abbiamo un gioco d'azione e avventura con protagonista un adorabile polpo. Darwin's Paradox di ZDT Studio è un videogioco impegnativo e focalizzato sulla furtività in cui i giocatori devono guidare una piccola creatura marina fino alla sicurezza dell'oceano, evitando pericoli industriali e predatori feroci lungo il percorso. Con un formato 2D e side-scrolling, aspettatevi platform creativi e tensione mozzafiato in questo promettente indie.

L'Occultista (PC, PS5, Xbox Series) - 8 aprile

Successivamente, abbiamo un tipo di gioco molto diverso, dato che The Occultist di Daloar è un thriller narrativo in prima persona che segue un investigatore paranormale che viaggia su un'isola britannica abbandonata nel tentativo di scoprire la verità dietro la scomparsa del padre. Naturalmente, o meglio soprannaturale, c'è molto di più in quest'isola di quanto si potrebbe pensare, portando a un'avventura oscura, contorta e inquietante.

Samson (PC) - 8 aprile

I team di Liquid Swords sono pronti a presentare il loro primo progetto, dato che questo aprile vedrà l'arrivo di Samson. Questa è una storia dura e cupa che segue un uomo mentre cerca di mettere insieme abbastanza soldi per pagare alcuni individui pericolosi che tengono in ostaggio sua sorella. Questo porta a ogni tipo di caos in un mondo urbano dove la soluzione migliore è che Sansone affronti qualsiasi cosa gli si metta sulla strada.

Sostituito (PC, Xbox One, Xbox Series) - 14 aprile

Abbiamo già assistito a qualche avventura indie e AA entusiasmante e ora andiamo oltre per mettere in luce Replaced. Proveniente da Sad Cat Studios, Replaced è un action platform 2.5D che segue un'IA intrappolata in un corpo umano, che cerca di fuggire da una città catastrofica e contorta dove le vite vengono scambiate come moneta. Ambientato in un'America alternativa degli anni '80, aspettati vicoli illuminati dal neon, aree industriali e un'atmosfera cyberpunk cupa.

Mouse: P.I. In affitto (PC, PS5, Xbox Series, Switch 2) - 16 aprile

Ti stai godendo finora questo aprile senza AAA? Buone notizie: ora è il momento che Fumi Games rubi la scena, dato che Mouse: P.I. For Hire è il prossimo nella nostra lista. Il mozzafiato sparatutto d'azione in bianco e nero con tubi di gomma è quasi arrivato, portando combattimenti bombastici, una colonna sonora d'altri tempi e un caso sconcertante da risolvere, rendendo l'ennesimo indie imperdibile questo aprile.

Cthulhu: L'Abisso Cosmico (PC, PS5, Xbox Series) - 16 aprile

Tornando al mondo dello sviluppo AA, questa volta Big Bad Wolf prende i riflettori per presentare Cthulhu: The Cosmic Abyss, un gioco d'avventura atmosferico e oscuro che segue un uomo mentre cerca di svelare i misteri degli abissi, bloccato su una stazione mineraria nel profondo dell'abisso del Pacifico. Con un tema lovecraftiano, questo progetto d'avventura vedrà i giocatori affrontare orrori antichi e confrontarsi con ciò che è reale e ciò che non è reale.

Tomodachi Life: Vivere il Sogno (Switch, Switch 2) - 16 aprile

Non abbiamo mai fatto un mese tutto indie o AA su GTLF ed è qui che il tentativo di aprile si conclude, perché ora è il momento che Nintendo arrivi e mostri l'esclusiva per Switch 1 e 2, Tomodachi Life: Living the Dream. Forse abbiamo appena avuto Pokémon Pokopia, ma chiaramente Nintendo pensa che abbiamo bisogno di più simulazione della vita nelle nostre vite, ed è proprio questo che stiamo ottenendo con questa avventura incentrata sui Mii.

Pragmata (PC, PS5, Xbox Series, Switch 2) - 17 aprile

Capcom ha già avuto un inizio d'anno eccezionale con Resident Evil Requiem e spera di riuscire a replicare anche solo un minimo di questo con il prossimo Pragmata. Considerato l'ultima nuova IP del titano giapponese, questo gioco d'azione ha un tema fantascientifico e mostra come un eroe umano e un androide compagno cercano di sopravvivere e progredire attraverso una stazione di ricerca lunare dove si nascondono ogni tipo di mostro robotico.

Tides of Tomorrow (PC, PS5, Xbox Series) - 22 aprile

È ora di tornare per un po' al segmento AA, dato che il creatore di Road 96, Digixart, si sta preparando per presentare Tides of Tomorrow. Questo è un gioco d'avventura ricco di narrazione che ha un grande focus sulla comunità, dove le scelte che fai non influenzano solo la tua esperienza, ma possono anche influenzare gli altri. Ambientato in un mondo plasticpunk, l'obiettivo sarà diventare un Tidewalker che cerca di sopravvivere in un mondo allagato.

Masters of Albion (PC) - 22 aprile

Che lo ami o lo odi, Peter Molyneux è uno dei nomi più conosciuti nel mondo dello sviluppo videoludico, e questo aprile, l'ex boss dei Lionhead e creatore di Fable torna per quella che considera la sua opera magna. Masters of Albion è il nome di questa simulazione di gioco divina che mira a dare ai giocatori il completo controllo divino su un mondo dove puoi costruire ciò che vuoi, uccidere chi vuoi, spostare ciò che vuoi, ovunque tu voglia.

Kiln (PC, PS5, Xbox Series) - 23 aprile

Sono passati circa sei mesi dall'ultima apparizione di Double Fine con il colorato gioco d'avventura Keeper e già lo sviluppatore di Psychonauts è tornato con un altro gioco. Questa è però una cosa molto diversa, dato che Kiln è un gioco di picchiadura per feste, un progetto in cui i giocatori affrontano diversi tipi di ceramiche e poi si sfidano in modalità diverse con amici e contro una squadra rivale. Tutto sembra quasi il più Double Fine che un gioco può essere, vero?

Aphelion (PC, PS5, Xbox Series) - 28 aprile

Non hai ancora avuto abbastanza giochi d'azione e avventura questo mese? Bene, perché ora tocca a Don't Nod, con lo sviluppatore francese pronto a presentare Aphelion al mondo. Questa è una storia che segue una coppia di astronauti che hanno intrapreso la missione di enorme importanza di esplorare e esplorare un nono pianeta lontano ai margini del sistema solare, con la speranza che il mondo gelido possa servire da rifugio sicuro per l'umanità che cerca di sfuggire a una Terra morente.

Diablo IV: Lord of Hatred (PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series) - 28 aprile

È quasi ora che la saga dell'Odio giunga alla sua conclusione, poiché l'espansione Lord of Hatred di Diablo IV arriverà alla fine di aprile e cercherà di vedere come l'umanità porterà finalmente la battaglia contro Mephisto, con il destino di Sanctuary in gioco. Portando ufficialmente anche la classe Warlock e il Paladino, questa espansione introduce una nuova regione da esplorare, tantissime nuove attività, funzionalità rielaborate e un sacco di bottino da cacciare.

Saros (PS5) - 30 aprile

Dopo aver lasciato il mondo senza parole qualche anno fa con l'eccellente Returnal, la squadra finlandese di Housemarque tornerà questo aprile con l'attesa Saros. Progettato anch'esso come un gioco d'azione e avventura fantascientifica, l'idea sarà di indossare la tuta da protagonista, interpretato da Rahul Kohli, e poi correre a capofitto in un mondo all'ombra di un'eclissi nel tentativo di scoprire i segreti inquietanti della terra e affrontare i suoi abitanti ostili.

Invincible VS (PC, PS5, Xbox Series) - 30 aprile

Infine, abbiamo un altro gioco di battaglia a coppie per i fan del picchiaduro là fuori. Quarter Up ha collaborato con Robert Kirkman, creatore di Invincible, per creare un gioco di combattimento 2D straziante e intenso che mette squadre di eroi e villain l'uno contro l'altro in luoghi iconici e in una storia costruita appositamente per questo progetto.

Wow, che sfigato. Inutile dire che dovrebbe esserci qualcosa per tutti questo aprile, ma se già state tenendo d'occhio l'orizzonte, torneremo tra qualche settimana per vedere cosa riserva maggio 2026 agli appassionati di videogiochi.

Le tendenze recenti che il gaming dovrebbe lasciare alle spalle

alex@gamereactor.it (Alex Hopley) — Sun, 29 Mar 2026 13:00:00 +0200

Non parlerò del servizio live in questo articolo. Non lo sono. Sappiamo tutti perché molti giocatori lo odiano, eppure se vedi un successo come ARC Raiders, non saresti cieco a non capire perché sviluppatori e publisher continuino a rischiare, sognando i loro 15 milioni di copie vendute e il loro costante numero di 100k+ giocatori. Quel cavallo è stato malmenato a morte e, anche se potremmo vedere Concord 3 prima di Grand Theft Auto VI, ci sono molte altre tendenze emerse nel gaming negli ultimi anni che dovremmo lasciare morire. Dalle cattiva pratica nello sviluppo al bisogno stesso dei giocatori di imparare a comportarsi, ecco alcune delle peggiori tendenze nei giochi degli ultimi anni che dobbiamo lasciare indietro.

Inseguendo il drago

Non parlerò ancora del live-service qui, perché anche se gli occhi di certi publisher possono diventare segni di dollaro quando sognano un nuovo sparatutto eroico di successo, molti giochi oggi spendono innumerevoli dollari in marketing per dirti che sono come un altro gioco che ha stabilito un precedente per un genere. Non è necessariamente un'opinione controversa, ma penso sia quasi imbarazzante quanti giochi siano stati chiamati Soulslike nel corso degli anni, mostrando con orgoglio il fatto che cercano di essere come gli RPG di FromSoftware, ma sapendo che non sono altrettanto validi.

Questa idea di inseguire e cercare di emulare il successo di un prodotto migliore raramente funziona. Se gli ultimi anni nel mondo dei videogiochi hanno dimostrato qualcosa, è che gli sviluppatori lavorano meglio quando si concentrano non sul lavoro di un altro grande studio, ma su un gioco che li appassiona. Clair Obscur: Expedition 33 è stato ispirato a Sekiro, ma non lo vedi ambientarsi in un giapponese, aggiungendo furtività e una scimmia gigante che ti lancia addosso il proprio letame. Essere ispirati va bene; Oggi è quasi impossibile creare qualcosa di completamente nuovo, ma i disperati tentativi di approfittare del successo degli altri dovrebbero finire.

Creare capi difficili senza capire perché funzionano

Questo si estende anche a molte altre meccaniche, ma lo sento più urgentemente quando vedo un gioco che non dovrebbe lanciarmi contro "Mallowbold il Re Infedele del Fuoco, della Morte e della Sofferenza" quando altrimenti ho avuto difficoltà a picchiare nemici normali. Questo è meno un motivo di critica sulla difficoltà, perché anche se sto diventando troppo vecchio e ho troppo poco tempo per passare ore a sbattere la testa contro un boss, capisco comunque lo scopo e la motivazione dietro la creazione di incontri difficili e piacevoli.

Il problema nasce con i boss e altre meccaniche inserite in un gioco senza questo scopo. Senza la logica che ti fa capire perché stai venendo maltrattato e ti fa venire voglia di continuare a perseverare. FromSoftware non sempre fa bene il design dei boss, come dimostrano boss come Fire Giant e Radahn pre-patch, quindi è strano vedere tipi simili di combattimenti aggiunti nei giochi perché gli sviluppatori pensano che i giocatori li apprezzeranno, piuttosto che vederli come un dispositivo narrativo e di gameplay che eleva l'esperienza. Certo, vuoi qualcosa nel tuo gioco che piaccia ai giocatori, ma non dovresti trasformare il tuo gioco in un denso porridge di funzionalità amate, perché per impressionare tutti, non compiaci nessuno.

Pensare in grande è sempre meglio

Questa era una tendenza più forte negli anni 2010 rispetto a oggi, ma vediamo ancora giochi che ti mostrano una mappa enorme, o anche una galassia enorme (Starfield, coff), e dicono "ehi, non vedi l'ora di passare ore a perderti in questo pezzo brutto?" Poi chiedi cosa c'è nel mondo, e loro ti fissano come in quel fotogramma di Brendan Fraser in The Whale. Non servono 100 ore di gioco, né una mappa che impiega 5 di quelle ore per essere attraversata a piedi, per creare un grande gioco. Molti giochi hanno mappe, mondi e storie enormi, dando ai giocatori la sensazione di ottenere più del loro denaro, ma penso che se ti entusiasmi quando vedi marketing che è solo "mappa grande", ti stai perdendo qualcosa.

I giochi sono più costosi che mai oggi, quindi può sembrare un po' offensivo spendere 80$ per un'esperienza di dieci ore, ma allo stesso tempo deve esserci una via di mezzo. Lo stiamo vedendo realizzare in alcuni punti, ma voglio un settore in cui non si tratta della dimensione della mappa, ma di come la si usa.

Farmare ingaggiamento/esca di rabbia

È un mondo negativo, vero? Questo articolo è piuttosto negativo, se ci pensi. Posso però sopportare di guardare cattive pratiche o qualche marketing denigrato ai giorni nostri. Quello che non sopporto è la quantità di discorsi in malafede, disinformazione e rifiuto di comprendere le emozioni e il pensiero umano più basilari nel clima videoludico odierno. Dagli anni anti-woke alle battaglie costantemente combattute contro scrittori, influencer e media, sembra che nessuno abbia preso fiato da troppo tempo. Ehi, ti ricordi quella volta che il tuo gioco preferito non ha vinto il GOTY? Hai anche notato che il mondo non è davvero crollato in quel momento? Non dovrei essere paternalistico, e non lo farò di nuovo, ma sembra che sia più facile che mai per le persone agitarsi per cose che in realtà non contano.

Questa negatività si è diffusa anche agli sviluppatori ora, dove ci sono giochi e studi che non nominerò che si promuovono sul fatto che sì, stanno aggiungendo armature per il seno, o donne medievali con trucco moderno, o qualsiasi cosa che cerca di "colpire" l'industria più ampia. Il problema è che l'industria è così vasta che puoi davvero giocare ai giochi che vuoi per sempre e non rimanere mai senza titoli. Se lo scopo è fare una dichiarazione, invece di fare arte, allora stai solo facendo quello che dici che facciano tutti gli altri.

Programmi incredibilmente lunghi e inutili

Da britannico, i Game Awards possono essere difficili da guardare. Devi restare sveglio troppo tardi, e ogni anno sempre più serve a cercare di caricarti per gli anni a venire, piuttosto che celebrare l'anno che è semplicemente passato. Siamo dove siamo ora, ma se il signor Keighley, il signor PlayStation, il signor Xbox o il signor Nintendo potessero ridurre anche solo il 10 percento degli show che fanno, potrebbe renderli un po' più emozionanti.

Oppure fare quello che Xbox ha fatto con i suoi Developer Directs. Mostro alcuni sviluppatori in dettaglio, così ricordate tutto ciò che avete visto. Altrimenti, le persone si iscrivono a una diretta, vedono o non vedono il gioco che vogliono passare in un turbine di così tante partite che sembra che la memoria venga cancellata, e poi vanno avanti, aspettando il prossimo.

Ignorare certi generi perché non vendono

Questo sembra che stia per sparire, grazie ai recenti successi in alcuni generi un tempo di nicchia. È facile, se guardi le statistiche generali dei giochi più venduti, dire che alla gente piacciono solo sparatutto, giochi sportivi e Minecraft. Ti perderesti una grande parte di giocatori che non solo sono disposti a comprare un gioco di un genere che non vedono da anni, ma che poi restano con lo sviluppatore che ha riportato il loro tipo di gioco preferito nel mainstream.

Dispatch e Baldur's Gate III sono esempi straordinari, ma la domanda di remake e remaster di vecchi classici dovrebbe mostrarci che i giocatori non solo vogliono i giochi che hanno già giocato, ma anche nuovi titoli che possano creare una sensazione simile. Nota che ho detto simile, non uguale, per non controbattere il mio primo punto. La cosa importante di entrambi questi esempi è che si sono basati molto sui generi da cui sono stati ispirati.

HBO Max è stato lanciato nel Regno Unito: cosa sapere e aspettarsi dal servizio

ben@gamereactor.it (Ben Lyons) — Fri, 27 Mar 2026 15:00:00 +0100

Come va il tuo conto in banca? Come trovi la gamma infinita di servizi in abbonamento disponibili oggi? Spero che tu stia ancora resistendo, dato che ora un altro grande servizio è stato lanciato nel Regno Unito, ovvero HBO Max. I fan britannici conosceranno gran parte di ciò che questo servizio offre grazie al collegamento tra HBO e Sky/Now, che rimane in vigore poiché il nuovo servizio è accessibile anche tramite queste piattaforme esistenti. Il debutto però apre la strada a una serie di concerti che arrivano nel Regno Unito, sia per la prima volta sia nel modo più accessibile che siano mai stati.

Detto questo, abbiamo evidenziato alcune aggiunte che potresti voler dare un'occhiata ora che HBO Max è arrivato su suolo britannico.

The Pitt

Chi ama le serie drammatiche ospedaliere e mediche non vorrà perdersi questa serie, che segue lo staff del Trauma Medical Centre di Pittsburgh. Aspettatevi caos e turbolenza, mentre il personale medico qualificato lavora instancabilmente 24 ore su 24 per salvare vite in un pronto soccorso sottofinanziato.

Rooster

Steve Carrell torna alla commedia televisiva in questa acclamata serie che segue un autore che viaggia in un campus universitario per affrontare il complicato rapporto che ha con sua figlia. Considerato arguto e ben scritto, è perfetto per chi cerca una serie comica più raffinata.

Harley Quinn

Gran parte di ciò che DC ha pubblicato negli ultimi anni è stato ampiamente e facilmente accessibile nel Regno Unito, ma la serie animata di Harley Quinn è una delle poche eccezioni. Per fortuna, ora tutte e cinque le stagioni della serie inventate fino a quel momento sono accessibili, il che significa che puoi recuperare le buffonate di Harley e Poison Ivy.

Aquilone

Una serie spin-off basata sulla serie di Harley Quinn sopra citata. Nessuna di queste serie fa parte del più ampio Universo DC che sta nascendo progressivamente, ma se ti piace questo mondo e i personaggi eccentrici che offre, dovresti comunque dare un'occhiata a questa serie assurda.

Il ritorno

Lisa Kudrow è tornata in uno dei suoi ruoli televisivi più popolari assumendo il ruolo dell'attrice di serie B Valerie nella serie comica The Comeback. Questa non è una serie nuova, dato che tendiamo ad avere una stagione di questa serie ogni decennio circa, con la prima nel 2005, la seconda stagione nel 2014 e ora la terza stagione quest'anno. Quindi, se ti piace il tipo di umorismo stravagante dei Friends Legends, non perderti questo.

DTF St. Louis

Jason Bateman, Linda Cardellini e David Harbour. Con tre nomi importanti come questi legati a una serie TV, probabilmente non serve dire molto altro per convincerti a dare un'occhiata al progetto. Ma se lo fai, questa serie è descritta come una commedia nera che esplora un triangolo amoroso tra adulti che affrontano crisi di mezza età e come uno di loro finisca presto per morire...

Oltre a queste serie che potrebbero meritare la tua attenzione, va anche ricordato che HBO Max è ora l'unica location per la copertura di TNT Sports, con queste che includono quanto segue:

Premier League (calcio)

FA Cup - Calcio maschile e femminile

Champions League (calcio)

Europa League (calcio)

Conference League (football)

Serie A (calcio)

LIV Golf

Gallagher Premiership (Rugby)

MotoGP

Ciclismo

Campionato del Mondo FIM Superbike

Snooker

Cricket

Sport Invernali

Allo stesso modo, HBO Max è il punto di riferimento per le prime streaming delle offerte cinematografiche Warner Bros., il che significa che puoi guardare film recenti come Sinners, Superman, One Battle After Another, A Minecraft Movie e altri. Molti includono persino versioni ASL, che in precedenza non erano disponibili su Sky o Now.

Inoltre, HBO Max sarà l'unica casa della prossima serie TV di Harry Potter, che uscirà a dicembre e che intende adattare La Pietra Filosofale per questa prima stagione. Lo stesso vale anche per i prossimi progetti televisivi dell'Universo DC, come Lanterns quando debutterà più avanti quest'anno.

Tenendo tutto questo a mente, prenderai un abbonamento HBO Max?

Discutiamo di lunghezza, difficoltà, IA e altro ancora con lo sviluppatore Super Meat Boy 3D Sluggerfly

ben@gamereactor.it (Ben Lyons) — Thu, 26 Mar 2026 20:00:00 +0100

Il ragazzo è tornato. A seguito di Super Meat Boy Forever nel 2020, è il momento che il simpatico cubo di carne sia nuovamente il protagonista di un videogioco, tutto sotto forma di Super Meat Boy 3D. Arrivando su PC, PS5, Xbox Series X/S e Nintendo Switch 2, con il lancio alle porte abbiamo avuto l'opportunità di parlare con il CEO e co-fondatore dello sviluppatore Sluggerfly, Dominik Plaßmann, per rispondere ad alcune domande scottanti su questo platform tridimensionale e impegnativo.

Prima di andare avanti, un grande grazie a Plaßmann di Sluggerfly per aver trovato il tempo di rispondere alle nostre domande.

Gamereactor: Quanti 'mondi' avete in serbo per Super Meat Boy 3D e quanto tempo ci vuole di solito per completare il gioco? Ci sono motivi per cui i giocatori dovrebbero tornare ai livelli dopo averli completati?

Plaßmann: "Abbiamo 5 mondi nel gioco, e ognuno di essi presenta anche una versione più difficile di ogni livello del Mondo Oscuro. Inoltre, ogni livello contiene un collezionabile nascosto e un tempo specifico necessario per completarlo al 100%. Per questo motivo, molti giocatori probabilmente non completeranno tutte le sfide al primo incursione. Anche dopo aver finito tutto, può comunque essere molto gratificante migliorare i tempi di completamento. Con il passaggio al 3D, ci sono anche molte scorciatoie e salti da scoprire, il che rende il rigioco dei livelli particolarmente interessante per i giocatori che amano ottimizzare i loro percorsi."

Gamereactor: I fan amano fare speedrun ai giochi di Super Meat Boy, quindi quanto velocemente avete visto finora il gioco essere completato e quanto pensi possa essere superato dai veri esperti?

Plaßmann: "Ad essere onesti, non vogliamo ancora rovinare nessun momento specifico. Siamo diventati piuttosto abili nel gioco, e alcuni dei nostri tester ci hanno dedicato molto tempo, quindi abbiamo un'idea approssimativa di cosa aspettarci, almeno prima che i giocatori inizino a rompere completamente i livelli:D. Una partita veloce è sicuramente possibile, ma fare una speedrun completa al 100% richiederà molto più tempo e una vera dedizione."

Gamereactor: I giochi Super Meat Boy sono notoriamente progettati per essere difficili da superare, quindi come si inserisce questo nella tua filosofia su difficoltà e design? Consideri giocatori più casual, o Super Meat Boy 3D è pensato, in modo appropriato, per chi ama principalmente una sfida?

Plaßmann: "Fin dall'inizio, sapevamo che il gioco non sarebbe stato per tutti, e va bene così. La sfida è una parte fondamentale di ciò che definisce Super Meat Boy, ed era molto importante per noi preservare quell'identità. Detto ciò, puntiamo comunque a trovare un equilibrio rendendo i primi livelli accessibili per la maggior parte dei giocatori. Man mano che il gioco avanza, la difficoltà aumenta decisamente. Tuttavia, la maggior parte dei giocatori dovrebbe comunque riuscire a completare una partita completa e raggiungere il boss finale, dato che le sfide più difficili sono opzionali e non obbligatorie per vedere il finale."

Gamereactor: In che modo il passaggio completamente al 3D cambia radicalmente il modo in cui affrontate la realizzazione di un gioco Super Meat Boy? Per chi ha vissuto Super Meat Boy solo in due dimensioni, come resetterà questa evoluzione il paradigma delle aspettative?

Plaßmann: "L'approccio centrale non è davvero cambiato. Nel suo cuore, rimane un gioco basato su movimenti precisi e frenetici, morti frequenti e respawn istantani. Ciò che la terza dimensione aggiunge è un nuovo livello di complessità al percorso. Abbiamo dovuto ripensare parecchio il level design, soprattutto con un angolo di telecamera fisso, per assicurarci che tutto sembrasse giusto. Ma nel complesso, crediamo fermamente che il classico feeling da Super Meat Boy sia ancora molto intatto."

Gamereactor: Qual è la tua posizione sull'uso dell'IA nello sviluppo di giochi?

Plaßmann: "Vediamo l'IA come uno strumento che può essere utile in certi ambiti, ma non qualcosa che dovrebbe essere usato su tutti i fronti. Ad esempio, non includeremmo asset generati dall'IA nei nostri giochi."

Gamereactor: Con il lancio previsto per varie piattaforme, sarà supportata qualche forma di cross-save/cross-progression per il gioco?

Plaßmann: "Questo non è previsto al momento."

Gamereactor: Qual è una parte di Super Meat Boy 3D di cui pensi che più persone dovrebbero parlare?

Plaßmann: "Ad essere onesti, la maggior parte degli aspetti chiave del gioco sono già in discussione, il che dimostra che i giocatori capiscono davvero cosa rappresenta Super Meat Boy. Dal nostro punto di vista come sviluppatori, l'importanza storica di Super Meat Boy come uno dei titoli indie che ha contribuito a modellare e affermare la scena indie è qualcosa di cui siamo molto consapevoli, ma naturalmente è qualcosa che ha più peso per noi che per la maggior parte dei giocatori."

Ancora una volta, grazie a Plaßmann per aver dedicato del tempo a rispondere alle nostre domande. Potrai giocare presto a Super Meat Boy 3D su PC, PS5, Xbox Series X/S e Switch 2.

Opinione: The Crimson Crossroads - Una delle uscite AAA più confuse e bizzarre nella storia dei videogiochi

alberto@gamereactor.it (Alberto Garrido) — Wed, 25 Mar 2026 15:00:00 +0100

Crimson Desert, uno dei giochi più attesi degli ultimi anni, è finalmente arrivato. Il 19 marzo alle 23:00 CET, in un orario piuttosto insolito e obbligatorio su tutte le piattaforme, Pearl Abyss ha finalmente aperto le porte del suo vasto mondo aperto di Pywel, permettendo ai giocatori di esplorarlo nei panni di Kliff, il protagonista principale. Tuttavia, quando arrivò quell'ora, le prime recensioni da parte della stampa e dei critici erano già state pubblicate da un giorno intero, compresa la mia, e già dimostravano che questo non era il titolo che avrebbe cambiato tutto nel genere. O almeno, così sembrava cinque giorni fa, al momento della stesura.

Ma non andiamo troppo avanti. Ora che tutti gli embargo e gli impegni sono scaduti, permettetemi di parlare un po' del processo di recensione del gioco. Senza entrare troppo nei dettagli, posso dirti che avevo poco meno di due settimane per giocare al gioco per la mia recensione. Sarebbe durato qualche giorno in più, ma una patch pre-lancio della versione stampa (la prima di diverse) mi ha costretto a cancellare i file di salvataggio e ricominciare da zero. Nonostante questo ostacolo, il periodo di revisione sarebbe stato sufficiente e confortevole per la maggior parte dei giochi... ma totalmente insufficiente per la portata di questo. Inoltre, essere il primo a mettere piede in un mondo nuovo — e in cui c'è a malapena il contesto per comprenderne i misteri o ciò che ti viene richiesto per progredire — è stato un processo piuttosto impegnativo, sia in termini di tempo che di pazienza.

Potresti essere interessato: Crimson Desert: Consigli e trucchi per iniziare il tuo viaggio a Pywel

Fortunatamente, tutti noi tester europei eravamo in contatto tra noi e con i membri di Pearl Abyss tramite un canale privato, dove evidenziammo sia le questioni più urgenti del gioco sia offrivamo consigli su come continuare a progredire e completare la storia. Devo dire che questo canale, oltre a essere un punto d'incontro per i giocatori coinvolti nel processo di recensione, ha anche servito da banco di prova per molti degli aggiustamenti che stanno arrivando (e arriveranno) nel gioco. Più che critici, eravamo tester del gioco, ed è per questo che credo che ora, cinque giorni dopo, la maggior parte delle recensioni di lancio del gioco, compresa la mia, siano diventate obsolete.

Con problemi risolti riguardo ai controlli, all'interazione con gli oggetti, all'equilibrio nei combattimenti contro i boss, una riprogettazione del sistema di stoccaggio e una massiccia espansione dell'inventario del personaggio (per me, il miglioramento principale dell'esperienza), e l'aggiunta di una serie di punti di viaggio rapido, l'esperienza attuale è diametralmente diversa da quella vista durante il processo di recensione. E tutti questi problemi sono stati corretti nel corso di tre aggiornamenti durante il primo weekend del gioco. Incredibile... E molto strana.

Quello che mi fa torcere il naso verso questi cambiamenti — sia chiaro, importanti e più che graditi — è come abbiano potuto essere implementati così rapidamente nel gioco senza capire se ciò influisse davvero sull'esperienza complessiva. È come se Pearl Abyss avesse detto: "Giusto, siamo d'accordo con tutte le critiche, con tutti i feedback; Ti daremo subito tutto quello che vuoi." Nessuno se n'era accorto prima? Non suggerisce forse una certa mancanza di direzione nel gioco? Perché se inizi ad aggiungere punti di teletrasporto dove prima non ce n'erano, gran parte di quell'esplorazione—che era uno dei pilastri del gioco prima del lancio—si sfoca. Ad esempio, al campo della Gilda dei Mercanti Goldleaf ci sono due Nexus dell'Abisso separati da 200 gradini. È un'aggiunta frettolosa e goffa.

Il problema della mancanza di direzione, tra l'altro, è stato recentemente portato all'attenzione pubblica, a seguito di una presunta fuga di conversazioni e commenti da parte di membri attuali ed ex membri del team di sviluppo Crimson Desert, in cui parlavano di una cultura dello sviluppo di 'tossicità positiva', in cui nessuno sottolineava la mancanza di direzione o i problemi strutturali che il gioco stava accumulando. Questo, senza ancora una conferma ufficiale (e il post rimosso da Reddit), sarebbe supportato dalla palese mancanza di coerenza nella storia del gioco, uno dei suoi punti deboli, perché sarebbe stato aggiunto all'ultimo minuto. Potrebbe anche essere collegato alla mancanza di un piano di lavoro, avendo dovuto effettuare un rapido esercizio di controllo danni dopo che asset creati dalla GenAI sono stati scoperti nel gioco, ma in questo caso darò loro il beneficio del dubbio e supporrò che fosse una goccia nell'oceano che è il loro gigantesco mondo aperto.

Non mi lamento che Pearl Abyss sia andato così in fretta da rendere obsolete tutte le recensioni di lancio Crimson Desert, ed è proprio quello che è successo. Al contrario, accoglio con favore il fatto che abbiano reagito (così) rapidamente e affrontato le questioni più urgenti per la comunità in crescita del gioco, che ora supera i tre milioni di giocatori.

Ora è un candidato al GOTY? Secondo me, no. È un'esperienza migliore, senza dubbio, ma non un videogioco migliore. Ora è molto meno duro per i nuovi giocatori, e la curva di difficoltà è stata visibilmente attenuata, ma soffre ancora di una disconnessione troppo grande tra le varie parti.

E ora arriva il mio ultimo pensiero, motivo per cui ho intitolato questo articolo 'Il Crocevia Cremisi'. Una parte di me è contenta che il feedback diretto sia arrivato così rapidamente alle scrivanie degli sviluppatori. Nel clima attuale, è un caso unico di reazione positiva, e forse è per questo che resto a vedere dove vuole andare Kliff in questo Pywel in continuo cambiamento. Ma ho anche alcune preoccupazioni, perché se questo gioco - che ora sta facendo di tutto per accontentare i fan, rilasciando patch quasi quotidianamente con cambiamenti nel gameplay e vedendo le sue vendite schizzare alle stelle - raggiunge davvero la soglia del successo... Come influenzerà lo sviluppo futuro dei titoli single-player nello stesso genere? Altri team con budget più piccoli, o addirittura simili, seguiranno la loro roadmap per i propri titoli? Suppongo che presto, forse una volta terminato il trimestre finanziario e la polvere si sarà posata, vedremo se questo potrebbe essere un modello da replicare in futuro.

Saturday Night Live UK: C'è molto da migliorare, ma è comunque un'aggiunta gradita alla televisione notturna

ben@gamereactor.it (Ben Lyons) — Tue, 24 Mar 2026 14:00:00 +0100

Anche se non sarei stato e non sono stato critico in modo pregiudizievole durante qualsiasi reportage abbia fatto sul tentativo di Saturday Night Live di entrare nella scena comica britannica con il suo sforzo SNL UK, al di fuori del giornalismo sono stato molto, molto scettico su questo sforzo. Anzi, arriverei a dire che non ero affatto sicuro che sarebbe stato un successo.

La ragione di questa convinzione è semplicemente che esiste un divario piuttosto grande tra l'umorismo britannico e quello americano, in particolare quello stand-up e quello di sketch comedy. Noi britannici non abbiamo lo stesso amore per la commedia di sketch più eccentrica, vivace e un po' infantile di cui show come SNL prosperano nel mercato americano. Allo stesso modo, e probabilmente in parte a causa del complesso di superiorità legato alla cultura britannica, ci piace un umorismo più intellettuale e arguto, ancora più secco, il che è probabilmente una delle ragioni principali per cui c'è una differenza significativa tra la prima e la seconda stagione della versione americana di The Office.

Non dirò che uno stile di umorismo sia migliore dell'altro, solo che c'è una chiara divisione tra ciò che i fan britannici e americani apprezzano. Con questo in mente, non ho mai visto SNL UK avere successo. Ho visto molte volte la versione americana di SNL e, anche se ci sono momenti che spiccano, molti non si collegano al mio stile di comicità. Eppure ecco Sky e il creatore di SNL, Lorne Michaels, che cercano di dire a tutti che funzionerà e che dovremmo sintonizzarci per 75 minuti divertenti e divertenti di televisione. Certo...

Ma ecco un'altra cosa che probabilmente il pubblico televisivo britannico dimentica; La televisione notturna è attualmente francamente pessima. L'asticella per far sì che SNL UK abbia anche solo un minimo successo è la più bassa di sempre. Non stiamo parlando di una scena in cui vecchi classici dorati come Only Fools and Horses e Fawlty Towers sono nel loro periodo migliore, né di un periodo in cui successi moderni come The Thick of It, The IT Crowd o Peep Show richiedono l'attenzione degli spettatori. SNL UK compete con i cosiddetti 'comedy' stanchi e desolati come Mrs. Brown's Boys, qualunque talk show, gioco o reality show conducano Romesh Ranganathan o Rob Beckett, o repliche di icone affermate. Se mai c'è stato un momento in cui SNL può venire nel Regno Unito, un momento in cui abbiamo disperatamente bisogno di una commedia televisiva notturna con appuntamento a fine settimana, questo è quello. E sapete una cosa, nonostante tutta la mia esitazione e pregiudizio, sono contento che sia arrivato SNL UK.

Non ti dirò che il primo spettacolo è stato un successo clamoroso, perché non lo è stato, ma c'è sicuramente del potenziale qui che può essere esplorato ulteriormente. Il cast assemblato ha qualità su cui può fare affidamento, il modo in cui è strutturato il bacino idrografico britannico (non legato a un fuso orario di tre ore indietro come negli Stati Uniti) lo rende ancora più maturo e grezzo, e un focus sull'avere uno stile britannico e non essere una traduzione americana del formato SNL gioca tutto a suo favore. Abbiamo potuto vedere frecciatine politiche brutalmente oneste, alcune parodie e interpretazioni eccellenti, e un Weekend Update in cui Paddy Young e Ania Magliano hanno prosperato e hanno svolto battute che ti fanno davvero ridere a crepapelle. Non sorprende che questa parte più simile alla stand-up sia stata la prima pagina dello show, dato che forse è l'area di SNL USA che meglio si connette con un pubblico non americano.

Allo stesso modo, Tina Fey è stata una scelta straordinaria come prima ospite. Certo, sarebbe stato bello avere una grande star britannica a tagliare il nastro metaforico, ma come ha detto Fey nel suo monologo esilarante e onesto, "nessuno di voi lo farebbe." Fey ha portato esperienza e classe e ha gestito il compito in modo brillante, continuando a dimostrare quanto possa essere efficace nella comicità, indipendentemente dalla regione. Ah, e dopo questo monologo con uno sketch a tema nonce è un modo sicuro per attirare i fan della comicità britannica, quindi il merito è anche a chi ha preso quella decisione.

Ma di nuovo, non è stato tutto rose e fiori e per ogni scelta e schizzo eccellente è stato altrettanto scarso. Quasi tutti gli altri sketch lasciavano un sapore piuttosto insoddisfatto in bocca, che si trattasse del codardo Keir Starmer, dell'Ultima Cena di David Attenborough, della parodia della piccola catena di Hamnet, del pezzo di successo su Paddington Bear e così via. Molti di questi avevano ottimi elementi e battute divertenti, ma duravano troppo, si prolungavano e risultavano semplicemente stanchi e un po' noiosi. Se mai, lo show potrebbe trarre beneficio da essere più breve di 15 minuti e avere sketch più concisi e realizzati in modo più efficace.

Inoltre, non dimentichiamoci della performance musicale... Se Fey era una scelta di primo piano come conduttrice inaugurale, Wet Leg era tutt'altro che il caso per l'ospite musicale, offrendo una performance priva di potenza e di una personalità memorabile che questo primo spettacolo doveva davvero possedere. Tutta la performance mi ha fatto pensare "ragazzi, le piace proprio strisciare per terra... "

I cameo caratteristici almeno hanno raggiunto il successo e il contatto con i fan, portando nuovi talenti emergenti come Nicola Coughlan e Rege-Jean Page e abbinandoli a superstar globali come Michael Cera e icone britanniche come Graham Norton.

Quindi c'è sicuramente molto da migliorare, ma in realtà sono impaziente di averne di più, dato che preferisco SNL UK rispetto a quasi tutti gli altri programmi stanchi e desolati che attualmente riempiono la finestra "notturna" del sabato sera. Certo, finché SNL UK continuerà a essere una cosa a sé e se mai si avvicinerà ancora di più a questo. Se SNL UK può essere solo una frazione di ciò che Mitchell e Webb, Armstrong e Miller, Fry e Laurie, la lista continua, può essere, allora sarà un elemento fermo gradito dell'intrattenimento notturno sul suolo britannico.

Lego The Legend of Zelda 77093 Ocarina of Time - La Battaglia Finale

conny@gamereactor.it (Conny Andersson) — Tue, 24 Mar 2026 12:00:00 +0100

Sarò onesto fin dall'inizio e dirò subito che nessuno dei due set Lego dei giochi di Zelda usciti mi ha particolarmente colpito personalmente o mi ha fatto prendere subito il portafoglio. Il che, ovviamente, è un vero peccato. Dato che il franchise di Zelda è la mia serie di giochi preferita in assoluto, si potrebbe naturalmente pensare che colga al volo l'occasione di costruire entrambi questi set che sono stati rilasciati. Ma non è stato così. Per fortuna, sono abbastanza fortunato da poter recensire Lego - e alla fine, per fortuna, c'erano ancora molti dettagli su questo set che mi sono piaciuti, e il processo di costruzione in sé è stato divertente, come di solito accade con i Lego.

La costruzione inizia con la piccola piattaforma su cui si svolgerà la scena.

Uno di questi potrebbe essere un po' piccolo; ma le minifigure di Link, Zelda e Ganondorf sono assolutamente incantevole. Quindi, inizieremo con questi tre, e mi piacciono davvero. La stampa è splendida, i dettagli sono fantastici e da soli sono un'ottima aggiunta alla collezione di qualsiasi appassionato di Lego. Ora, tre minifigure da sole non rendono il prezzo degno di essere - ma questo set, come suggerisce il nome, ricrea la battaglia finale del fantastico Zelda: Ocarina of Time, e questo di per sé è davvero, davvero fantastico. Una scena classica che rende l'esposizione elegante quando, una volta costruita, finisce finalmente sulla libreria.

Questo set comprende 1.003 pezzi. Otto sacchi, metà delle quali servono a costruire la base stessa e ciò che vi si trova sopra, mentre l'altra metà serve a costruire il mostro simile a un cinghiale che conosciamo come Ganon. In realtà non succede molto in termini di dettagli sulla base. Costruisci la base, metti una torre semi-rovinata che funge anche da supporto per i portatori trasparenti, permettendo a Link e Navi di fluttuare nell'aria.

Tre (o meglio quattro, inclusa Navi) bellissime minifigure

Per il resto, il set consiste in alcune altre piccole rovine di castello dove puoi collocare la minifigure di Zelda, e una rovina con una piccola funzione dove puoi nasconderti e evocare Ganondorf. Personalmente, però, l'ho posizionato proprio davanti alla base perché volevo che fosse visibile. Un piccolo supporto con una Triforce davanti è stato assemblato, e alcune fiamme sul retro sono tra le decorazioni. Nel complesso, è piuttosto scarno, anche se la scena stessa è piuttosto efficace.

Perché, dopotutto, è quel mostro chiamato Ganon l'attrazione principale qui. Dopotutto, è lui a costituire metà delle borse e occupa quasi metà dello spazio sull'esposizione stessa. In realtà era lui quello che prima non ero sicuro di più – ma devo dire che le articolazioni delle sue gambe, braccia e testa – così come le spade massicce – creano una scena drammatica quando viene posizionato. In realtà ha un aspetto piuttosto interessante come 'istantanea' del gioco - il che significa che, come modello espositivo sulla libreria, rappresenta anche un'aggiunta elegante allo spazio.

Il prodotto finito è bellissimo quando è esposto sullo scaffale.

Il processo di costruzione vero e proprio comporta un bel po' di lavoro minuoso. Qui non ci sono molti pezzi grandi, a parte alcuni per la base e qualche 'mattone' per la torre in rovina. Per il resto, è tutto molto piccolo. Non ci sono particolari difficoltà tecniche, solo molti piccoli pezzi in generale. Tuttavia, qui non ci sono passaggi particolarmente ripetitivi, tranne forse le fiamme disposte in fila sullo sfondo - ma anche queste non sono particolarmente numerose o ripetitive da inserire. Un'altra cosa da menzionare è che in questo set non ci sono affatto adesivi, il che è sempre (sempre!) un vantaggio.

Quello che trovo più deludente della costruzione è probabilmente il fatto che sembra un po' piatta e bassa. Sarebbe stato semplicemente bello avere un po' di altezza. Una torre con scale che salivano, oppure alcune colonne per creare altezza e rendere tutto un po' più drammatico e impressionante. Allo stesso tempo, Lego riguarda sempre un compromesso tra prezzo e numero di pezzi, e espandere la base stessa o il suo contenuto significherebbe automaticamente un prezzo significativamente più alto. Ma certo, è principalmente la base che penso avrebbe potuto essere un po' più entusiasmante qui.

Ci saranno molti Nintendo Lego, e spero davvero che ce ne saranno altri in futuro.

Tutto sommato, sono ancora abbastanza soddisfatto quando lo metto insieme a tutti gli altri miei set Nintendo Lego. Se fossi molto più giovane, probabilmente penserei che questo sia un set da gioco piuttosto divertente, perché puoi creare scene interessanti con le minifigure. Quindi, anche se non sono rimasto particolarmente colpito né ho sentito un impulso immediato di comprarlo quando l'ho visto per la prima volta alla presentazione, è un po' come mi sono sentito con la mia ultima recensione Lego di Fylke - è semplicemente più bello nella vita reale di quanto pensassi dalle foto precedenti. Per quanto riguarda il processo di costruzione in sé, non ho lamentele negative dirette. Non è una delle preferite né per aspetto né per quanto sia stato divertente assemblarlo - ma è, dopotutto, Lego, ed è sempre una delle cose più divertenti al mondo con cui smanettare.

Bilancio del 2026: Guardando indietro ai giochi meglio valutati finora

magnus@gamereactor.it (Magnus Groth-Andersen) — Tue, 24 Mar 2026 09:00:00 +0100

Siamo ben consapevoli che è un po' presto per parlare del Game of the Year alla fine di marzo. Ma invece di buttarsi a capofitto, c'è forse una certa eleganza nel fare il punto man mano che andiamo avanti.

È esattamente quello che vogliamo fare qui, mettendo in evidenza anche i giochi che finora hanno avuto i migliori risultati su Gamereactor. Di seguito troverai una selezione - principalmente i paragrafi finali delle recensioni rilevanti - dei giochi che consideriamo i nostri preferiti in questo momento.

Il campo cambierà naturalmente con il progredire dell'anno – infatti, ci stiamo puntando – ma la domanda è se riusciremo già a individuare alcune partite di cui parleremo entro la fine di novembre, quando inizieranno le discussioni più critiche.

Quindi sentiamoci: qual è il tuo gioco preferito del 2026 finora?

Resident Evil Requiem

Punteggio: 9/10

Estratto dalla recensione:

"Indipendentemente da dove ti trovi su questo spettro, indipendentemente da quanto tu possa essere pignolo riguardo alla formula di Resident Evil, è molto, molto chiaro che Resident Evil Requiem è un gioco horror brillante e memorabile, un capitolo recente ben costruito che renderà i fan impazienti di scoprire tutto ciò che Capcom ha in serbo per la prossima avventura. È solo febbraio e abbiamo già un paio di eccellenti giochi horror da apprezzare, e con l'ultima proposta di Capcom, è molto probabile che parleremo ancora dell'avventura di Grace e Leon più avanti quest'anno, quando inizierà il ciclo dei premi, perché è un titolo meraviglioso e che non dovresti e non puoi perderti. Bravo, Capcom, bravo."

Pokémon Pokopia

Punteggio: 9/10

Estratto dalla recensione:

"Nel complesso, ho passato un periodo molto piacevole a Pokopia, che non smette mai di darmi nuove cose da fare. Le condizioni di vita dei Pokémon devono essere migliorate, gli oggetti devono essere costruiti e le proprietà devono essere pianificate. Probabilmente abbiamo tutti vissuto quel tipo di gioco in cui ripeti il mantra "Lo farò anch'io" più e più volte finché non alzi lo sguardo e ti rendi conto che sono le cinque del mattino e non hai chiuso occhio. Questa è la mia esperienza con Pokopia in poche parole, e sento già il bisogno di tornare a giocare. Se Nintendo continuerà a sperimentare con i Pokémon in questo modo, il futuro del marchio sembra molto promettente!"

Reanimal

Punteggio: 9/10

Estratto dalla recensione:

"È meraviglioso mentre accade, e fortunatamente l'esperienza mi è rimasta impressa mentre continuavo a riflettere sul simbolismo e su come tutto si fosse incastrato nei giorni successivi alla fine. Ora ho una teoria chiara e non vedo l'ora di parlare con voi sia dei dettagli che del quadro generale quando giocherai all'ultimo gioco di Tarsier. E tutti voi che avete anche solo un minimo amore per Little Nightmares, i platform cinematografici o semplicemente l'horror in generale dovreste farlo, perché Reanimal è già un candidato al titolo di miglior gioco horror del 2026. E mi ha persino fatto ridere come un idiota."

Mio: Ricordi in Orbita

Punteggio: 9/10

Estratto dalla recensione:

"Se vuoi provare un Metroidvania con un livello di difficoltà leggermente più indulgente, senza essere facile in alcun modo, ti consiglio vivamente di dare un'occhiata a Mio: Memories of Orbit. Il gioco è venduto a un prezzo molto ragionevole di £15 e sarà disponibile anche su Game Pass il giorno dell'uscita, quindi è difficile trovare una scusa per non dare una possibilità a questo gioco."

World of Warcraft: Midnight

Punteggio: 9/10

Estratto dalla recensione:

"Quindi, nel complesso, Midnight è un'espansione molto solida. Salire di livello rimane entusiasmante, l'acquisizione dell'equipaggiamento risulta meno noiosa e Blizzard capisce chiaramente cosa rende il gioco efficace. È di nuovo World of Warcraft al suo meglio."

Cairn

Punteggio: 8/10

Estratto dalla recensione:

"Mi sono divertito con Cairn, davvero. Vorrei però che Aava avesse rivelato un po' di più il suo personaggio. Tornando al modo in cui il gioco la posiziona, si parla molto di lei e, anche se questo è sottile e sottolineato, avrebbe potuto essere utile per lei rivelare un po' di più di sé. Detto ciò, non è esattamente un personaggio superficiale, e Cairn non è una storia dimenticabile sull'orgoglio personale, l'ambizione tossica e la capacità di identificare cattive motivazioni in sé stessi e negli altri."

Romeo è un uomo morto

Punteggio: 8/10

Estratto dalla recensione:

"Se, come me, siete inspiegabilmente attratti dal cervello folle di Goichi "Suda51" Suda, allora dovreste assolutamente giocare a Romeo is a Dead Man, perché non c'è niente di simile quando si tratta di esperienza di gioco complessiva. Il gioco può essere completato in 12-15 ore, a seconda di quanto sei scrupoloso e del livello di difficoltà a cui giochi. Romeo is a Dead Man è probabilmente un buon punto di partenza se vuoi assaggiare il mondo contorto di quest'uomo – non perché non sia folle e assurdo, perché lo è – ma perché è il gioco più digeribile e funzionante che abbia mai creato."

Mewgenics

Punteggio: 8/10

Estratto dalla recensione:

"Il nome letterale del gioco - a parte il gioco di parole sul gusto discutibile - deriva dall'allevamento di gatti. Questo include animazioni cartoonesche ma esplicite, che possono essere disattivate dal menu Impostazioni. Puoi provare a influenzare chi si bacia con chi, ma il risultato finale è sempre un gioco di fortuna. Se tutto va bene, il gattino eredita le migliori qualità dei genitori e quindi può battere avversari più difficili. Questa è una delle parti più innovative di questo gioco insolito che altrove può sembrare un po' monotone e tradizionale, anche se la quantità di contenuti corrisponde bene al prezzo accessibile."

Attraccato

Punteggio: 8/10

Estratto dalla recensione:

"In prima persona, tutto diventa molto più impegnativo, ma anche più realistico, ovviamente, ma devo ammettere che preferisco vedere le macchine da prospettive diverse dall'esterno. Soprattutto, è la sensazione di divertirsi quando sono seduto nella cabina di una macchina che è la cosa più importante qui. Docked può essere essenzialmente tutto incentrato sul movimento di oggetti pesanti, ma lo fa in modo brillante, e sedersi dietro un joystick su una qualsiasi delle macchine è, come sappiamo da una vecchia leggenda di internet, ciò che ti dà energia. Quindi, trovo difficile immaginare come questo tipo di simulatore possa essere realizzato in modo più divertente di quanto Docked riesca effettivamente a fare. Nonostante ci siano alcune parti non sviluppate e il gioco soffra un po' del fatto che il loro titolo precedente, Roadcraft, è migliore sotto quasi ogni aspetto. Se ti sono piaciuti i giochi precedenti dello sviluppatore, questo è sicuramente qualcosa che dovresti provare."

Deserto Cremisi

Punteggio: 8/10

Estratto dalla recensione:

"Troppi fili in sospeso che non rovinano l'esperienza o non mi fanno venire voglia di smettere di giocare, ma di certo non lo elevano a contendente per il titolo di Gioco dell'Anno. Il Deserto Cremisi può essere un luogo dove puoi perderti per mesi come giocatore, ma non aspettarti che tutte quelle ore vengano dedicate a un'avventura arricchente in un mondo che, ripeto, è meraviglioso. Posso trascurare alcuni problemi tecnici data la portata del progetto e perché potrebbero essere risolti con una patch, ma ci sono semplicemente troppi conflitti di design tra tutti i sistemi che operano contemporaneamente per poterlo definire un 'capolavoro'. Se riesci semplicemente a convivere con questo e goderti il viaggio, anche senza necessariamente capire dove ti porti, allora questo mondo aperto vale la pena di essere provato."

Esoteric Ebb

Punteggio: 9/10

Estratto dalla recensione:

"Amavo ancora giocare come Il Chierico e squarciare Tolstad con il mio folletto preferito elegantemente vestito al mio fianco. Esoteric Ebb è semplicemente un adorabile RPG che mette l'agenzia del giocatore al centro della situazione. Il suo mondo è fantasticamente immersivo, profondo e ti invita a restare un po' con una grafica affascinante, personaggi e una lore così dettagliati che accetterei volentieri un altro o due giochi ambientati in questo mondo. Se vuoi tirare qualche dado, combattere qualche scheletro e provare a flirtare con ogni creatura che batte il cuore, allora ti divertirai un mondo con Esoteric Ebb. Il piacere di un giocatore da tavolo."

Parlando dei più grandi polpi videoludici con il direttore artistico e il direttore del gameplay per Darwin's Paradox!

alex@gamereactor.it (Alex Hopley) — Mon, 23 Mar 2026 13:00:00 +0100

La scena moderna del platform con mascotte potrebbe essere presa dai nomi di un tempo. Mario, Kirby, Sonic e simili, ma c'è sempre spazio per un nuovo nome, e ci piacerebbe che fosse Darwin il polpo. Darwin's Paradox! sta arrivando tra poche settimane e, in vista del lancio del gioco il 2 aprile, abbiamo parlato con il direttore artistico Mikael "Mika" Tanguy e il direttore del gameplay Gilles Aujard dello studio ZDT riguardo a Darwin in persona, alle meccaniche del gioco, a quanto tempo ci vuole per completarlo e altro ancora. Buona lettura!

D: Darwin's Paradox! sembra diverso da tutto ciò che abbiamo visto nel gaming negli ultimi anni. Cosa ti ha attratto del concetto delle avventure di un polpo?

Mika: L'idea di un polpo come protagonista è nata da un sogno che ho fatto più di dieci anni fa—un polpo perso in un mondo industriale, che usa le sue abilità naturali per sopravvivere. I polpi sono creature affascinanti: intelligenti, adattabili e piene di personalità. Possono mimetizzarsi, infilarsi in spazi minuscoli e persino risolvere enigmi—qualità che li rendono perfetti per un gioco che fonde stealth, platform e narrazione. Volevamo creare qualcosa di fresco, giocoso e coinvolgente emotivamente, e un polpo ci ha dato la libertà di esplorare meccaniche e temi che sembravano davvero unici.

Gilles: Un polpo non è solo un personaggio; è una rivoluzione nel gameplay. La sua biologia ci ha permesso di reimmaginare lo stealth e il platforming in modi che risultano organici e intuitivi. Le abilità di Darwin—come arrampicarsi a 360 gradi, usare l'inchiostro in modo difensivo e mimetizzarsi—sono tutte radicate nel comportamento reale del polpo, ma le abbiamo amplificate per creare qualcosa di cartoonesco, divertente e sorprendente. È raro trovare un protagonista che detti così perfettamente il design del gioco, e Darwin ha fatto proprio questo.

D: Cosa può dire del personaggio di Darwin? Che tipo di polpo controlliamo nel gioco?

Mika: Darwin è un'Octopoedia ceruleanus—una specie immaginaria che abbiamo creato per riflettere la sua intelligenza, adattabilità e fascino. Non è un eroe tipico; È vulnerabile, intelligente e pieno di personalità. Visivamente è espressivo e caricaturale, ma i suoi movimenti e le sue abilità sono radicati nel realismo. È un sopravvissuto, che usa la sua intelligenza e i suoi talenti naturali per muoversi in un mondo che gli è ostile. I giocatori si connetteranno con la sua resilienza e il suo umorismo, che lo rendono facile identificarsi nonostante sia un polpo!

Gilles: Darwin è un supereroe naturale. Non è un soldato né un guerriero—è un piccolo polpo ingegnoso che prospera superando i nemici in astuzia. Le sue abilità sembrano istintive, ma aprono possibilità creative per il gameplay. Che stia arrampicandosi sui muri, spruzzando inchiostro per distrarre i nemici o mimetizzandosi per nascondersi, ogni azione è legata al suo personaggio. È un eroe che incarna l'adattabilità, ed è proprio questo che lo rende così divertente da interpretare.

D: Nella demo era chiaro che Darwin aveva molti poteri, come il mimetismo. Quali altre abilità possiamo sbloccare?

Gilles: Le abilità di Darwin si evolvono man mano che i giocatori progrediscono. Oltre al mimetismo, può usare l'inchiostro in modi creativi—come creare una cortina di fumo per ripararsi dai nemici o accecare telecamere di sicurezza. I suoi tentacoli gli permettono di arrampicarsi su qualsiasi superficie, di infilarsi in spazi stretti e persino di manipolare oggetti nell'ambiente. Abbiamo progettato queste abilità per farle sembrare organiche e versatili, così i giocatori possono sperimentare e trovare nuove soluzioni a enigmi e sfide stealth. Ogni abilità si collega al personaggio di Darwin e ai temi del gioco di adattabilità e resilienza. Volevamo che ogni abilità sembrasse un'estensione naturale di chi è Darwin.

D: Ho anche notato che un costume che indossa Darwin è un omaggio a un certo maestro della furtività. Ci sono molti costumi da equipaggiare nel gioco?

Mika: Sì! La demo presentava una skin speciale "Sneaky Snake" come omaggio divertente alla nostra collaborazione con Metal Gear Solid, e quel costume sarà disponibile nel gioco completo. I giocatori che preordineranno il gioco riceveranno anche due skin bonus esclusive, create come ringraziamento speciale per i primi sostenitori. Abbiamo incluso anche altri costumi che riflettono la personalità di Darwin e l'umorismo del gioco. Questi outfit non sono solo cosmetici: sono un modo per celebrare il percorso di Darwin e dare ai giocatori la possibilità di personalizzare la propria esperienza. Aspettatevi un mix di design giocosi, nostalgici e persino assurdi!

Gilles: I costumi sono il nostro modo di aggiungere un livello di divertimento e creatività al gioco. Sono un omaggio ai generi e ai personaggi che ci hanno ispirato, ma riflettono anche l'adattabilità di Darwin.

D: Darwin's Paradox è un'avventura che sembra perfetta per un film d'animazione, ma spero che duri più di un'ora e 30 minuti. Quanto dura approssimativamente una partita al gioco?

Gilles: Una tipica partita di Darwin's Paradox! richiederà circa 5-7 ore, a seconda di quanto tempo i giocatori passano a esplorare, risolvere enigmi e scoprire segreti. Il gioco è progettato per essere rigiocabile, con aree nascoste e collezionabili che incoraggiano i giocatori a rivisitare i livelli. Volevamo creare un'esperienza che sembrasse cinematografica ma che offrisse la profondità e la sfida di un'avventura a tutti gli effetti.

Mika: Il ritmo è accuratamente costruito per bilanciare tensione, esplorazione e umorismo. Abbiamo strutturato il gioco in modo che i giocatori possano prendersi il loro tempo per immergersi nell'atmosfera o tuffarsi direttamente nell'azione. Il mondo è ricco di dettagli, e speriamo che i giocatori vogliano tornare per scoprire tutto ciò che il viaggio di Darwin ha da offrire.

D: Abbiamo visto parecchi polpi nel mondo dei videogiochi nel corso degli anni. Cosa pensi renda questo animale una scelta interessante per un protagonista?

Mika: I polpi sono intrinsecamente affascinanti—sono intelligenti, misteriosi e pieni di sorprese. La loro biologia si presta perfettamente al gameplay: mimetismo, difesa contro l'inchiostro, movimento agile e capacità di problem solving. Ma oltre alle meccaniche, i polpi hanno un fascino unico. Possono essere allo stesso tempo divertenti, inquietanti e teneri, il che ci lascia molto spazio per giocare con il tono e la narrazione. Darwin non è solo un personaggio; È un simbolo di resilienza e creatività, che lo rende speciale nel mondo dei videogiochi.

Gilles: Un protagonista polpo ci permette di esplorare i temi dell'adattamento e della sopravvivenza in modo fresco e organico. Le abilità di Darwin non sono solo strumenti—sono estensioni del suo carattere. I giocatori non controllano solo un eroe; Incarnano un polpo, con tutta la fluidità e l'ingegnosità che comporta. È una prospettiva rara nel gaming, ed è ciò che rende Darwin's Paradox! così speciale.

D: Il mondo sembra essere stato invaso dagli alieni nel Paradosso di Darwin. Gli esseri umani ne sono consapevoli, e spetta a Darwin salvare la Terra?

Mika: Gli alieni in Darwin's Paradox! rappresentano una minaccia esterna. Gli umani in questo mondo sono in gran parte ignari della vera natura degli alieni, poiché gli invasori operano dietro le quinte, manipolando industrie e ambienti. Il viaggio di Darwin non riguarda solo la fuga; si tratta di scoprire la verità e, a modo suo, di ostacolare i piani degli alieni. Pur non essendo un eroe convenzionale, le sue azioni influenzano e sfidano significativamente l'ordine stabilito.

Gilles: Il ruolo di Darwin riguarda più la sopravvivenza che il salvare il mondo in senso ampio. La sua storia è personale: è un estraneo che lotta per tornare a casa, e la sua lotta rispecchia il tema più ampio della capacità della natura di adattarsi e prosperare anche in condizioni ostili. Il gioco non mette il peso del mondo sui suoi tentacoli, ma il suo viaggio è una potente dichiarazione di ingegno e speranza.

D: Come prende Darwin's Paradox la formula classica del platform avventura e la porta nell'era moderna?

Gilles: Abbiamo preso gli elementi fondamentali dei platform classici—movimento preciso, enigmi ambientali ed esplorazione guidata dalla narrazione—e li abbiamo infusi con tecnologia moderna e sensibilità di design. Darwin's Paradox! usa Unreal Engine per creare un mondo che sembra vivo, con illuminazione dinamica, animazioni fluide e transizioni fluide tra gameplay e cinematic. Abbiamo anche dato molta importanza a rendere il gameplay organico e intuitivo, con ogni nuovo ambiente che introduce naturalmente nuove meccaniche durante l'avventura. Ogni evoluzione del gameplay è accuratamente intrecciata nel mondo e nella narrazione, assicurando che le nuove abilità e interazioni risultino sempre significative, giustificate e perfettamente collegate al percorso di Darwin. Il risultato è un gioco che onora il passato mentre spinge il genere avanti.

Mika: Visivamente, abbiamo mescolato fascino cartoonesco a profondità cinematografica, ispirati a classici come Looney Tunes e giochi moderni come Inside e Ori. La prospettiva 2.5D ci permette di controllare strettamente il ritmo e la narrazione, creando un'esperienza lineare ma immersiva. Abbiamo anche rimosso gli elementi tradizionali dell'interfaccia utente per approfondire l'immersione, così che i giocatori si sentano parte del mondo di Darwin piuttosto che semplicemente giocare.

D: Darwin e Steven il Gabbiano andranno mai d'accordo?

Mika: (ride) Steven il Gabbiano è il nemico di Darwin. Il loro rapporto è un misto di rivalità e divertimento comico. I giocatori dovranno vedere con i propri occhi come si sviluppa la loro storia!

Gilles: Steven è lì per aggiungere umorismo e contrasto al percorso di Darwin. Le loro interazioni sono caotiche, ma fanno parte di ciò che rende il mondo di Darwin's Paradox! così vibrante. Dovrai giocare per scoprire se vanno mai davvero d'accordo—ma aspettati molte risate lungo la strada!

Darwin's Paradox! uscirà il 2 aprile per Xbox Series X/S, PS5, PC e Nintendo Switch.

Top 10 copertine più sorprendenti per Sega Mega Drive

marcus@gamereactor.it (Marcus Persson) — Mon, 23 Mar 2026 09:00:00 +0100

Dopo aver coperto tutto, dal Super Nintendo al PC, è finalmente arrivato il momento del Mega Drive. No, di certo non abbiamo dimenticato la fama di Sega, lo stallone nero che dominava ampie fasce del mercato nei primi anni '90 e causava parecchi mal di testa a Nintendo, l'alternativa cool per tutti i mozzetti che non si preoccupavano di idraulici paffuti, dinosauri verdi affamati o mascotte curate.

E quel viaggio è iniziato proprio lì, sullo scaffale del negozio, con le copertine dei giochi. Forse la componente più importante di tutte, un'opera d'arte pensata per catturare la tua attenzione e convincerti delle incredibili avventure che ti attendono. È proprio qui che Sega è riuscita a creare qualcosa di completamente proprio, con un atteggiamento decisamente più duro e arrogante rispetto al Super Nintendo. No, stiamo parlando di copertine che si sono davvero esagerate, mescolando liberamente fumetti americani, anime giapponesi, illustrazioni fantasy classiche e pura estetica heavy metal.

Il risultato erano copertine che spesso assomigliavano più a poster di film o album che a scatole di gioco tradizionali. Basta guardare lo scaffale di un vecchio negozio di giocattoli del 1991, pieno di eroi a torso nudo, astronavi futuristiche, strade illuminate al neon e robot. Era drammatico, colorato e a volte quasi ridicolmente esagerato. Ma è proprio per questo che è così memorabile. Dipinta a mano e incredibilmente iconica, impregnata di un'atmosfera completamente diversa rispetto alle copertine digitali e sterili che vediamo spesso oggi.

No, stiamo parlando di personalità e anima. Le copertine del Mega Drive erano molto più di una semplice pubblicità; Erano magici, e qui ne sono dieci dei più belli in assoluto che hanno debuttato, senza un ordine particolare. Ecco qua.

Super Lama del Tuono

La copertina di Super Thunder Blade è un esempio da manuale di come il Mega Drive potesse vendere azione pura e incontaminata attraverso un'unica immagine. Qui veniamo catapultati direttamente in un inferno caotico che urla film d'azione. I parallelismi con Blue Thunder (il film, per esempio) sono inevitabili. Grattacieli, esplosioni e una prospettiva drammatica che fa sembrare l'elicottero corazzato sul punto di volare fuori dalla copertura. Inoltre, riescono, con una precisione quasi chirurgica, a catturare davvero quella sensazione arcade.

Toki che va a Sputare Scimmia

Il solo fatto che il titolo del gioco riesca a farne una battuta basta a suscitare il mio interesse. Ma il fatto è che Toki è anche una delle copertine più colorate e vivaci per la console. Una giungla piena di mostri e intrighi, viti tortuose e tutto immerso in un certo grottesco senso di gioia di vivere. Una copertura che riesce davvero a farti fermare e riflettere; Suscita curiosità e si distingue subito da quasi tutto il resto.

Ascia d'Oro

Qualcuno ha detto fantasy epico? Naturalmente, Golden Axe appartiene alla lista delle copertine più cool e stilate per console e, anche se i sequel non sono da meno, le illustrazioni che adornano il primissimo gioco sono pura perfezione. Muscoli gonfi, spade lucenti e bellezze formose. È impossibile guardare la copertina senza impazzire completamente di gioia; avrebbe potuto altrettanto facilmente essere la copertina di un album di Manowar o di qualche altra band contemporanea.

Truxton

Con una palette di colori estremamente intensa e una nave nemica gigantesca (o creatura?), questo mi fa sentire il nervo estetico a cuore. I toni blu intensi e scuri contro lo sfondo arancione infuocato, attraversati da raggi laser lampeggianti. Sì, lo prendo. Una composizione estremamente intelligente e ben bilanciata che funzionerebbe oggi altrettanto bene come allora. È una copertina che non solo è bella, ma crea davvero un'energia esplosiva e sembra davvero pericolosa.

Alisia Dragoon

Dove Golden Axe è epico, Alisia Dragoon è elegante. Molto più di molte altre copertine di Mega Drive, con l'eroina titolare al centro e il drago enorme dietro di lei. È chiaramente più morbido e leggermente meno esagerato, quasi cinematografico e onirico, con un omaggio all'anime e al manga giapponese. È potente quanto elegante tutto insieme. Ammetto che, da ragazzo, probabilmente non l'avrei mai imparata (le cotte da ragazze erano pericolose all'epoca), ma dagli occhi degli adulti, Alisia Dragoon è un gioiello di altissimo livello.

Due tipi rozzi

Se qualche copertina cattura l'estetica d'azione esagerata dei primi anni '90, è Two Crude Dudes. Nel mezzo di una città bombardata si trovano due eroi enormi e muscolosi, pronti a distruggere qualsiasi cosa si muova. Probabilmente i ragazzi più fighi di sempre, senza alcuna consapevolezza di sé o con un briciolo di sottigliezza, ed è proprio per questo che la copertina è così disperatamente affascinante. È un po' come se qualcuno avesse preso in egual misura Mad Max e Les Edwards, messo in un frullatore e andato a tutta velocità. Da ragazzo, saresti rimasto sbalordito da questo. Un perfetto esempio di come le cover dei Mega Drive spesso osassero essere esagerate, rumorose e assolutamente geniali.

Strade della Rabbia

Un altro classico di altissimo livello. Onestamente, c'è qualcosa di più iconico di questo sulla Mega Drive? Streets of Rage è l'essenza di tutto ciò che Sega rappresentava negli anni '90. Emozione, azione, passione e un sacco di spacchi. Tanta copertina da fumetto quanto copertina di gioco, con due (dei tre) eroi - Axel e Blaze - che affrontano la feccia della città, tra incendi, grattacieli e neon. Per qualche motivo, però, ad Adam non era permesso di esserci.

Quackshot con Paperino

Tra spade, mostri ed esplosioni, Quackshot appare e ci ricorda che anche la Disney può – e vuole – unirsi al divertimento. Ma questo non è il solito "noioso" Donald qui; no, invece eccolo un avventuriero spavaldo, perfettamente in linea con l'atteggiamento di Sega, completo di cappello da safari e uno sguardo determinato negli occhi. Fatti da parte, Indiana Jones. La copertina riesce anche a trovare un equilibrio tra adattamento ai bambini e stile. Risulta affascinante senza essere infantile ed è proprio per questo che resta una delle cover di Mega Drive più senza tempo.

Phantasy Star III: Generazioni di Destino

Qui abbiamo una copertina che ricordo chiaramente di aver attirato l'attenzione nei cataloghi di giocattoli dell'epoca. Un eroe solitario che affronta un nemico apparentemente travolgente in cima a una scala che sembra portare nel cielo stellato. C'è qualcosa di quasi malinconico nella scena, come se suggerisse un destino molto più grande di una semplice avventura e, onestamente, assomiglia quasi alla copertina di un romanzo piuttosto che a un videogioco. Memorabile ed epico, con un meraviglioso mistero e colori incredibilmente ben scelti. È un vantaggio che il gioco stesso sia semplicemente ridicolmente fantastico.

Street Fighter II: Edizione Campioni

Certo, la copertina di Street Fighter II per Super Nintendo ha il suo fascino ed è anche istantaneamente e ridicolmente iconica. Ma la versione Mega Drive è, per Giove, su un livello completamente diverso. Più affilato, più bello e carico di energia esplosiva. L'opera tende chiaramente verso uno stile più giapponese, e Bison, con le sue mani luminose sullo sfondo, appare meravigliosamente minaccioso, proprio come dovrebbe. Onestamente, potrebbe benissimo essere la copertina di Street Fighter più bella di sempre; È così bello.

Sì, la libreria di Mega Drive è piena di molte copertine fantastiche, e restringere la scelta a dieci non è stato, in realtà, un compito facile. Quindi vorrei comunque cogliere l'occasione per menzionare alcuni dei giochi che sono appena usciti dalla lista, tra cui Castle of Illusion Starring Mickey Mouse, Turbo Outrun, Gynoug e Sonic the Hedgehog 2. E senza dubbio mi sono perso almeno altrettanti altri, quindi lascio a voi, cari lettori, il compito di ricordarmelo.

In ogni caso, questo ci ricorda che la Mega Drive non era solo una console fantastica, ma ospitava anche alcune delle copertine di gioco più belle della storia. Cosa ne pensi?

Quali copertine mi sono perso e quali avresti voluto vedere menzionate nella lista?

Poppy Playtime Intervista: Toccando teorie dei fan, il film live-action, l'IA e i prossimi passi con MOB Entertainment

ben@gamereactor.it (Ben Lyons) — Sat, 21 Mar 2026 11:00:00 +0100

La storia di Poppy Playtime è giunta al termine. O forse...? Il Capitolo 5 è uscito recentemente su PC, con l'intenzione di arrivare anche sulle console in futuro. Tenendo conto di ciò, abbiamo avuto il lusso di poter parlare con lo sviluppatore MOB Entertainment, per avere uno sguardo su cosa accade dietro le quinte nella creazione di un capitolo Poppy Playtime, e allo stesso modo su cosa riservi il futuro della serie.

A tal fine, abbiamo posto alcune domande al direttore senior dello sviluppo creativo, George Krstic, dove abbiamo chiesto informazioni sul finale del Capitolo 5, teorie dei fan, il film live-action, l'uso dell'IA e l'elefante nella stanza finale su cosa ci aspetta per Poppy Playtime ?

Scopri tutto questo e altro ancora nell'intervista completa qui sotto, e se non l'hai già fatto, non perderti la nostra recensione dedicata al recente Capitolo 5 e anche la nostra pratica guida.

Sei sorpreso dall'enorme accoglienza continua a Poppy Playtime da parte dei fan di tutto il mondo?

Anche se non sono stato con Mob fin dall'inizio, posso dire senza ombra di dubbio che il team qui non è mai smesso di sorprendersi e grati per l'accoglienza dei fan con ogni uscita di capitolo. Anche ora, dopo cinque capitoli, ti chiedi se lo stesso livello di entusiasmo sarà lì, ma i nostri fan e la nostra community sono incredibili. E non è solo il numero di giocatori a sorprenderci — è la profondità dell'impegno. Teorie, analisi del lore, fan art, video di speculazione, tutto quanto. Fin dal Capitolo 1, Mob sperava solo che le persone si connettessero con il mondo di Poppy Playtime e con i suoi personaggi. Vederlo continuare a risuonare così tanto con i giocatori è incredibilmente umiliante e gratificante.

Poppy Playtime è stato un lavoro d'amore per anni, ma il finale che hai consegnato nel Capitolo 5 è sempre stato il finale previsto, o hai modificato e modificato la narrazione man mano che arrivava ogni capitolo?

Il Capitolo 5 prepara ancora di più, ma il percorso per arrivare a quel punto è stato, sì, certamente un lavoro d'amore. Internamente, la base per il finale è stata presente fin dall'inizio e ci siamo sempre concentrati su un quadro narrativo di base per il gioco. Ma come spesso accade nella maggior parte dei media, che siano videogiochi, film o televisione, il prodotto finale raramente è quello che è iniziato nello storyboard. I dettagli cambiano nel racconto, per così dire. In questo senso, molto si è evoluto. Man mano che costruisci capitoli e passi più tempo con i personaggi, trovi modi più ricchi di raccontare la storia.

Ci sono state teorie o opinioni dei fan che hanno cambiato la narrazione generale che volevate trasmettere?

Prestiamo attenzione alle teorie dei fan e ai contenuti speculativi perché sono un segno che le persone sono davvero coinvolte nel gioco (ed è divertente vedere cosa le persone fanno bene o sbagliano!), ma alla fine la narrazione per capitolo è guidata internamente in base a ciò che il team costruisce con meccaniche, personaggi e trama che lavorano a pari passo. Detto ciò, vedere come i fan interpretano certi dettagli può influenzare il modo in cui chiariamo o approfondiamo le idee in seguito.

Come ti sei trovato a dover costantemente superare te stesso con gli eventi di ogni Capitolo? Ci sono state idee che avete concepito ma che alla fine non sono diventate realtà a causa di quanto hanno spinto l'esperienza Poppy Playtime ?

C'è sicuramente pressione per alzare l'asticella ogni volta. Nel Capitolo 5, ad esempio, ci sono state alcune trame che hanno raggiunto il culmine dopo molta preparazione, e la pressione di farlo bene e sembrare un grande risultato per i giocatori è intensa. Iterare può essere una sfida, ma il nostro team qui a Mob è incredibile nel modo in cui è riuscito a raggiungere una tale coesione senza risultare ripetitivo.

Per quanto riguarda le idee abbandonate, ne abbiamo avute alcune forse troppo ambiziose per il momento, sia tecnicamente che tonalmente. A volte qualcosa è interessante isolatamente ma non serve la storia. Stiamo attenti a questo. Solo perché possiamo spingere oltre non significa che dovremmo sempre farlo. L'esperienza deve rimanere coesa.

Ora che la storia è giunta al termine, c'è un momento particolare che ti colpisce, una parte particolare a cui guardi con orgoglio?

Beh, il Capitolo 5 prepara ancora di più, quindi non metterci ancora il punto! Ma posso certamente dire che, sebbene ci siano molti momenti che mi sono colpiti durante i cicli di sviluppo e momenti di orgoglio con il team, a livello personale ricordo con affetto il mio tempo a giocare al Capitolo 1 per la primissima volta. Non dimenticherò mai il tipo particolare di paura che ho provato vedendo Huggy in piedi dietro di me all'improvviso e creando questa sensazione inquietante di una rovina imminente. Voglio dire, è un giocattolo! Non ti aspetti proprio queste sensazioni da qualcosa di tradizionalmente sicuro e sano. Ma ha dato il tono per tutta la serie, e ricordo come quel primo momento abbia davvero aperto la strada per me in termini di comprensione di cosa sia possibile con la premessa di un gioco del genere.

Quando possiamo aspettarci che arrivino le edizioni console per il Capitolo 5 e qual è il motivo per cui le versioni console impiegano più tempo prima del lancio?

Lo sviluppo su console richiede un po' più di tempo grazie ai processi di certificazione, all'ottimizzazione e al garantire che l'esperienza sia adatta su ogni piattaforma. Non è solo una porta dritta. Vogliamo che i giocatori su console ottengano lo stesso livello di rifinitura e prestazioni dei giocatori PC. Si tratta di controllo qualità. Condivideremo i dettagli una volta tutto organizzato, ma ci aspettiamo comunque un po' più avanti quest'anno.

Come procede lo sviluppo del film live-action Poppy Playtime ?

Stiamo lavorando a stretto contatto con il nostro partner Legendary Pictures e condivideremo ulteriori informazioni non appena queste informazioni saranno pronte.

Qual è la posizione di MOB Entertainment sull'IA?

Il nostro focus è sempre stato sulle persone dietro il lavoro. La creatività, la narrazione e la direzione artistica che plasmano i nostri giochi provengono dagli artisti, scrittori, designer e sviluppatori di talento del team di Mob.

Come molti studi, teniamo d'occhio le tecnologie e gli strumenti emergenti che possono supportare flussi di lavoro in aree come la ricerca o le attività amministrative. Ma quando si tratta del cuore creativo dei nostri giochi, dei personaggi, del worldbuilding e dell'esperienza del giocatore, quelle decisioni restano saldamente guidate dalla creatività umana e dall'immaginazione distorta del nostro team.

Cosa c'è il prossimo futuro per l'universo Poppy Playtime ? Hai idee aggiuntive da esplorare, spin-off che vorresti realizzare, qual è il piano?

Il mondo di Poppy Playtime è più grande di quanto una singola fabbrica possa contenere, ma al momento stiamo dedicando un po' di tempo a riflettere sul Capitolo 5, celebrare il lancio con la nostra community e davvero assicurarci che qualunque cosa venga dopo sia deliberata. Per noi, c'è sempre bisogno di una storia che valga la pena raccontare, e non solo perché c'è domanda. Ci interessa molto proteggere l'integrità dell'universo.

Grazie a George e MOB Entertainment per aver trovato il tempo di rispondere alle nostre domande. Come detto prima, da oggi puoi giocare tutti e cinque i capitoli di Poppy Playtime su PC, con il quinto capitolo che arriverà su console entro la fine dell'anno.

Mouse: P.I. For Hire - Discutere casi, tubi di gomma, IA e adattamenti con Fumi Games ' CEO

ben@gamereactor.it (Ben Lyons) — Fri, 20 Mar 2026 09:00:00 +0100

Abbiamo dovuto aspettare un po' più del previsto prima di poter passare a Mouse: P.I. For Hire, dato che il tanto atteso sparatutto indie di Fumi Games è stato recentemente rimandato e posticipato di un mese. Questo cambiamento di piani ci ha dato lo spazio per entrare nel gioco e vivere la prima esperienza pratica, qualcosa di cui abbiamo parlato molto nella nostra recente anteprima.

Sulla base di ciò, abbiamo anche avuto il lusso di poter lanciare qualche domanda al CEO e fondatore di Fumi Games, Mateusz Michalak, in un'intervista che potete leggere integralmente qui sotto, e che tocca la narrativa detective sconcertante, lo stile di animazione con tubi di gomma che ha un impatto impressionante, come lo sviluppatore affronta l'IA, come essa guarda agli adattamenti, e altro ancora.

Dai un'occhiata e non dimenticare che Mouse: P.I. For Hire ora uscirà su PC, PS5, Xbox Series X/S e Nintendo Switch 2 il 16 aprile.

L'accoglienza a Mouse: P.I. For Hire è stata immensa. Ti ha sorpreso questo?

Non avremmo mai potuto immaginare che Mouse: P.I. For Hire avrebbe ricevuto questo livello di attenzione. Il primissimo video che abbiamo pubblicato sul gioco su TikTok è esploso dal nulla, ed è stato un effetto valanga da quel momento in poi. Il nostro gioco ha generato oltre 1,3 milioni di wishlist, abbiamo ricevuto decine di milioni di visualizzazioni sui social media e siamo persino riusciti a ottenere un contratto editoriale. Non possiamo ringraziare tutti i nostri fan per il loro incredibile supporto!

C'è un mistero al centro di questo gioco, un caso che deve essere risolto. Quanta autonomia avrà il giocatore nel mettere insieme i pezzi del puzzle da solo e nel scoprire la verità dietro ogni caso di persona scomparsa?

Anche se ci sono alcuni casi in cui puoi esplorare certi livelli e affrontare casi specifici nell'ordine che preferisci, la storia in Mouse: P.I. For Hire è ancora relativamente lineare. Ma questo non significa che a volte non sia possibile trarre conclusioni sbagliate! Quando raccogliete prove e indizi per ogni caso, potreste pensare di conoscere le risposte e come finiranno esattamente le cose, ma potrebbero esserci alcuni colpi di scena lungo il percorso...

La versione di anteprima ci ha dato un assaggio interessante del mondo e di come ogni livello sia collegato tra loro. Dovremmo aspettarci di dover visitare ogni località, o alcuni livelli/aree sono riservati a missioni secondarie e compiti aggiuntivi?

La maggior parte dei livelli in Mouse: P.I. For Hire è necessario visitarli a un certo punto per completare la storia principale - quindi sì, aspettati di visitarli tutti! Anche se ci sono alcuni compiti aggiuntivi che si possono completare, di solito si svolgono nei livelli che già stai visitando, piuttosto che in luoghi nuovi e specifici.

È stato difficile adattare lo stile a tubo di gomma sia a un videogioco FPS sia a un'esperienza 3D?

È stata sicuramente una sfida utilizzare sprite di tubo di gomma 2D in uno spazio mondiale 3D! Ad esempio, per mostrare i nemici che camminano nel mondo, dobbiamo disegnare e animare lo stesso nemico molte volte e da prospettive diverse (cioè frontale, frontale sinistra, frontale destra, lato, dietro, ecc.). Come avrete visto anche nel gameplay, dobbiamo poi "legare" questi nemici al personaggio principale, Jack Pepper, così da vedere sempre un piano dell'arte 2D da una prospettiva visibile. E questo è solo il punto del ciuffo, per non parlare di tutte le sfide quando si crea un gioco in bianco e nero!

I diversi filtri visivi e impostazioni audio sembrano davvero una sorpresa. Quanto era importante mettere in risalto questi elementi e rendere adeguato omaggio allo stile artistico e all'estetica degli anni '30? Inoltre, hai un modo preferito di giocare usando questi filtri e impostazioni audio?

Queste caratteristiche sono state molto importanti per noi per molto tempo. Mouse: P.I. For Hire è ispirato ai classici cartoni animati degli anni '30 e ai film ispirati al noir, quindi volevamo fare del nostro meglio per restare fedeli all'epoca. È proprio per questo che abbiamo implementato impostazioni come cambiare l'intensità sia del grano della pellicola che della diffusione dell'interfaccia, e anche regolare il degrado dell'audio, così che le cose sembrino riprodotte su un disco in vinile o anche attraverso un cilindro di cera! Per noi personalmente, ci piace alzare questi effetti al massimo, così che il gioco abbia davvero l'aspetto e la sensazione dei vecchi cartoni animati che probabilmente avrebbero visto i nostri nonni.

Il gioco sembra molto più grande di quanto molti si aspetterebbero. Quindi, quanto tempo richiederà una partita di Mouse: P.I. For Hire, quanto tempo dovrebbero aspettarsi i giocatori di dedicarsi per vedere scorrere i titoli di coda?

Aspettati che una singola partita di Mouse: P.I. For Hire richieda da 12 a più di 20 ore per essere completata. Naturalmente, questo dipenderà da come giochi e da quanto cercherai in ogni angolo e fessura. Il gioco ha tanti segreti e collezionabili da scoprire - i giocatori davvero attenti ne trarranno il massimo vantaggio!

Qual è la posizione di Fumi Games sull'IA?

Mouse: P.I. For Hire è un gioco completamente fatto a mano, che offre un'esperienza unica che speriamo apprezzino ai giocatori!

Hai mai pensato ad altri modi per espandere il mondo Mouse: P.I. For Hire, magari con una vera serie animata? Cuphead ha portato a The Cuphead Show, ti interesserebbe esplorare qualcosa di simile?

Al momento, siamo molto concentrati su Mouse: P.I. For Hire come videogioco, per garantire che offra ai giocatori la migliore esperienza possibile al lancio. Quindi, per rispondere alla tua domanda, non abbiamo ancora avuto vere discussioni sulla realizzazione di una serie animata. Tuttavia, dovresti sicuramente tenere gli occhi aperti nelle prossime settimane, perché abbiamo alcune partnership davvero interessanti da annunciare e altre cose da svelare!

Qual è una parte di Mouse: P.I. For Hire che siete più entusiasti che i fan possano vivere di persona?

Non vediamo l'ora che i giocatori vedano che Mouse: P.I. For Hire è molto più di un semplice progetto artistico interessante. Oltre alle immagini in bianco e nero a forma di tubo di gomma, il gioco è anche uno sparatutto in prima persona ricco d'azione, zeppo di una storia poliziesca avvincente, cast eclettico di personaggi, ambienti vivaci, brani jazz originali e molto altro ancora. In definitiva, abbiamo cucinato qualcosa di davvero speciale e stiamo contando i giorni in cui i giocatori potranno vivere tutto il gioco da soli!

Grazie a Mateusz e Fumi Games. Restate sintonizzati per ulteriori aggiornamenti su Mouse: P.I. For Hire prima del suo debutto tra meno di un mese.

Il mondo dei videogiochi merita di meglio del restyling generico dell'IA di Nvidia

jonas@gamereactor.it (Jonas Mäki) — Thu, 19 Mar 2026 15:00:00 +0100

Probabilmente Nvidia aveva immaginato un momento trionfale quando, lunedì sera, ha annunciato con orgoglio il DLSS 5, accompagnato da un comunicato stampa che spiegava quanto sia significativo questo progetto. Il fondatore e CEO di Nvidia, Jensen Huang, ha detto, tra le altre cose, che "venticinque anni dopo che Nvidia ha inventato lo shader programmabile, stiamo rivoluzionando ancora una volta la grafica computerizzata".

Parole forti, e si è persino spinto a chiamare questo il "momento GPT per la grafica", dove GPT è stato indubbiamente un punto di svolta per il mondo intero in molti modi. Non c'è dubbio che l'IA abbia molte potenzialità, ma quando si chiede di creare cose, i risultati sono spesso stati molto poco fantasivi, privi di vita e generici, cosa che ha portato al termine ormai abbastanza accettato "AI slop".

Quindi, cos'è esattamente questo DLSS 5? Secondo la stessa Nvidia, "combina rendering artigianale con un'IA generativa per ottenere una svolta drammatica nel realismo visivo", con i volti in particolare che sembrano essere un grande richiamo di riferimento, cosa chiaramente evidente nel video pubblicato dove i volti sono il fulcro principale. Ho iniziato a guardare con curiosità, pronto a rimanere sbalordito dopo tutto l'hype, e ho visto Grace Ashcroft di Resident Evil Requiem, prima senza DLSS 5 e poi con esso...

Nvidia ha sviluppato una tecnologia che trasforma tutti i personaggi del gioco in avatar AI (immagine da Starfield con DLSS 5 abilitato).

Il video è passato rapidamente a Leon, a quel punto il mio cervello ha preso il meglio. Aspetta un attimo... Ho messo in pausa il video brevemente e l'ho riavvolto indietro. Grace ha improvvisamente ricevuto labbra imbronciate, zigomi pronunciati da modella, molta fondinotinta, occhi a mandorla e un naso più raffinato, tra le altre cose. La Grace, un po' innocente, pensata come un personaggio timido con cui possiamo identificarci, diventa improvvisamente una femme fatale con aspirazioni da modello, non molto lontana da come di solito sono i mod nerd per PC dove le donne devono essere "migliorate".

Sorpreso, ho ricominciato il video e l'ho guardato fino alla fine. Mi grattai la testa e lo guardai ancora una volta. Quindi, Nvidia ha sviluppato una tecnologia che sostituisce ciò che gli sviluppatori avevano in mente, e ciò che hanno creato un art designer e un character designer, con qualcosa che sembra un disastro di IA - un po' come i filtri Snapchat in tempo reale nei nostri giochi - e proprio come appare di solito quando chiedi all'IA di progettare qualcosa: generico, la parola giusta per descriverlo.

In un batter d'occhio, Grace si trasforma dalla ragazza comune con cui dovremmo identificarci a una ragazza che ha sicuramente 'modella' nella sua bio di Instagram, clinicamente priva di personalità.

Ho dato un'occhiata veloce alla sezione commenti su YouTube, curioso di vedere se la gente ci sta davvero credendo. Ma... Non lo sono. Praticamente nessun commento è soddisfatto del filtro AI di Nvidia, e le critiche a volte sono davvero acerbe. Basta dare un'occhiata veloce a Resetera, seguita dai social media (in particolare Bluesky, Instagram, Threads e X), e è chiaro che a malapena si trovano qualcuno a cui piaccia questo approccio. Nel frattempo, Nvidia ha preso nota delle massicce critiche e si è affrettata a lasciare un commento sulla questione in una FAQ ufficiale riguardante DLSS 5. Ed eccoci qui ora. Se questo spingerà Nvidia a apportare cambiamenti resta da vedere, così come quanto gli sviluppatori di giochi saranno desiderosi di supportare questo dopo tutte le critiche negative.

Da parte mia, sono deluso e un po' sorpreso. Il fatto che anche la grafica pre-renderizzata dei nostri giochi venga sostituita da una tecnologia AI che rende tutto insipido e impersonale è semplicemente troppo tragico. Non credo che lo stesso approccio sarebbe stato possibile in nessun'altra forma d'arte.

I social media sono attualmente pieni di meme che evidenziano quanto sia assurdo sostituire l'arte degli sviluppatori di giochi con interpretazioni generate dall'IA (credito immagine: Nintengamersng).

Immagina se Spotify vendesse cuffie che prendano la musica che ami in tempo reale e la rielaborano con ciò che Spotify considera miglioramenti. Come rimuovere ogni imperfezione, rendere le voci rock rauche in qualcosa di più melodioso, rendere gli assoli di chitarra più sofisticati, e così via. Il fatto che le voci iconiche non suonerebbero più come loro stesse e che le band amate avrebbero un sound AI più rifinito non avrebbe davvero importanza. Gli ascoltatori di musica di tutto il mondo probabilmente sarebbero impazziti, e questo è del tutto impensabile.

Applica la stessa idea al mondo dell'arte. Immagina se fossi andato al Louvre e ti avessero dato un paio di occhiali AI che ti permettessero di vedere opere migliorate. Tutto sarebbe stato illuminato, i colori modificati, la Monconda "babe-izzata", i contrasti regolati e saremmo passati da una stanza all'altra a guardare arte potenziata dall'IA. Potremmo continuare così con forma d'arte dopo arte, quindi perché non libri? Leggi su un tablet con e-ink che modifica i contenuti in modo che sia un'IA a controllare cosa vedi, oppure guarda film o serie TV in cui tutto è migliorato in tempo reale. Se pensi che Sarah Chalke sembri più vecchia nel nuovo Scrubs, un po' di DLSS 5 non farà male, e se Liam Neeson si sente un po' stanco nel reboot di Naked Gun, è la stessa storia.

Immagina solo di girare per il Louvre e guardare opere d'arte interpretate dall'IA. È fondamentalmente quello che Nvidia pensa che dovremmo accettare nel mondo dei videogiochi. Generico e noioso.

Purtroppo, però, il mondo dei videogiochi non ha nemmeno lontanamente lo stesso rispetto per la nostra forma d'arte come hanno altri media, il che porta e ha portato a una massiccia erosione di ciò che credo i giocatori più accaniti spesso desiderino. C'è una domanda significativamente maggiore di avventure single-player lussuose e cooperativa, e una domanda molto inferiore di negozi che si spacciano da giochi rispetto a quanto gli editori siano disposti ad ammettere.

Quindi, ora si sta facendo un altro passo per rendere i giochi più automatizzati e generici, e mentirei se dicessi che non sono entusiasta delle proteste nelle sezioni commenti in tutto il mondo, perché anche se le aziende vedono i videogiochi come una mucca da soldi e una forma d'arte che assolutamente non ha bisogno di amore, i fan lo vedono subito.

Intelligenza artificiale: un salvavita?

joel@gamereactor.it (Joel Petterson) — Wed, 18 Mar 2026 12:00:00 +0100

Intelligenza artificiale. La tecnologia apocalittica e Skynet che non solo ci costringe a pagare un occhio della testa se vogliamo aggiornare la RAM del nostro computer, ma è anche la tecnologia che rischia di distruggere completamente la bellezza del mondo del gaming. Ma è davvero così nella realtà? Abbiamo paura di qualcosa che in realtà è più un fastidio che un vero pericolo? Non lo so e non ho le risposte, perché quello che faccio è più una forma di speculazione sui videogiochi che una ricerca di alta qualità basata su statistiche. Ma non dovresti ignorare tutta la faccenda dei tipi che speculano su certe cose.

E no, so di non essere il primo a sollevare questo argomento, e che ormai questo argomento è praticamente stato discusso troppo. Questo però non cambia il fatto che è più attuale che mai, considerando tutto ciò che riguarda Asha Sharma, Xbox Helix e i prezzi dei componenti che stanno schizzando alle stelle (sul serio).

Credo che l'IA sia qui per restare. Ora dovremo conviverci; Non c'è davvero dubbio. Se riesci a incorporare un'IA che faccia il lavoro bene o meglio di un umano, quella decisione sarà presa finché ti farà risparmiare denaro. Tutto va bene sull'innovazione e su urrà, ma alla fine è l'economia a contare per i pezzi grossi intorno ai tavoli del consiglio. Purtroppo sembra un fatto da cui non possiamo sfuggire, e anche se credo assolutamente che la bolla dell'IA scoppierà, è una realtà a cui dovremo abituarci.

Asha Sharma ha suscitato preoccupazioni all'unisono nel mondo dei videogiochi a causa del suo background nell'industria dell'IA.

La bolla, sì! Probabilmente si sgonfierà un po' quando la domanda inizierà a calare. Così come il settore IT ha superato un periodo difficile, lo farà anche il settore dell'IA. Spero però che questo porti a meno hype e a componenti più economici. Dopotutto, l'intelligenza artificiale è un settore di cui TUTTI vogliono una fetta, ma alla fine la torta semplicemente non sarà abbastanza grande, e allora probabilmente vedremo una manciata di attori dominare il mercato invece di troppe start-up e vecchi giganti che cercano di entrare nel mercato. Si stabilizzerà e raggiungerà una sorta di status quo in cui non batteremo più ciglio alla sua presenza nelle nostre vite.

Ma cosa significa questo per lo sviluppo dei giochi e, in ultima analisi, per noi giocatori? Per i grandi sviluppatori AAA e AAAA, probabilmente significherà che i personaggi umani verranno gradualmente eliminati a favore di soluzioni basate sull'IA. Il dilemma morale posto da questo numero diventerà, col tempo, più confuso, più diffuso e difficile da interpretare, e puoi pensare quello che vuoi, ma sospetto che gli oppositori più vocali alla fine finiranno per perdere slancio. E i giganti del settore, ovviamente, ne approfitteranno. Un piccolo passo alla volta finché non ci siamo abituati completamente al fatto che non è un dialogo umano che scrive per personaggi minori, ma un'IA che li gestisce, proprio come gestisce asset e codice.

Questo sicuramente andrà fuori controllo in alcuni ambienti, dove i giochi che oggi chiamiamo senza anima e privi di identità saranno visti come capolavori assoluti in termini di merito artistico. Giochi ad alto budget guidati dall'IA, in un certo senso. Anche se non sono affatto spirituale - per niente - sono sicuro che un gioco non sviluppato dagli umani mancherà di ciò che noi abbiamo davvero e che un'IA non possiede - un'anima e la propria identità unica.

Possiamo aspettarci di vedere molta intelligenza artificiale nel nuovo dispositivo tutto-in-uno di Microsoft.

Il vantaggio, ovviamente, è che i giochi saranno sviluppati più rapidamente e, con l'aiuto dell'IA, potranno girare su hardware meno potente. In termini di hardware, vedo più vantaggi che svantaggi, dato che quel campo non si basa né si basa sulla volontà e sullo spirito umano. L'accelerazione AI e tutte le soluzioni DLSS danno nuova vita a configurazioni più vecchie, e le CPU potranno eseguire calcoli a livello quantistico più velocemente grazie agli strumenti di IA. Non sono un esperto in materia, ma da esperto nel divinare, direi sicuramente che dovremmo, almeno, accogliere l'IA qui.

Ma mentre Tencent, Electronic Arts, Activision Blizzard e altri giganti assetati di denaro abbracciano sempre più IA e mandano a casa sempre più sviluppatori umani, c'è qualcosa che brillerà più forte e più forte che mai: le grandi forze dell'umanità: arte, innovazione e identità. E dove sarà più evidente questo mentre il prossimo Call of Duty sarà generico all'estremo? Beh, nel mondo indie, ovviamente. Amato mondo indie.

L'industria dei videogiochi - forse - subirà un duro colpo all'inizio, ma gli sviluppatori e gli editori indie più piccoli vorranno senza dubbio mostrare come dovrebbero essere sviluppati i giochi e quanto sia grande la differenza quando qualcuno con una vera passione mette cuore e anima nel proprio lavoro. Qualcosa che l'intelligenza artificiale avanzata non potrà mai raggiungere. Assisteremo a una rinascita di giochi che sembrano vivi. Giochi in cui un singolo sviluppatore, con macchie di caffè sulla tastiera e tre anni di relativa insonnia, ha riversato la propria anima in ogni pixel, ogni loop sonoro e ogni battuta di dialogo a mezza scalda (ma commovente).

Larian Studios ha sperimentato un po' con l'IA ma ha dovuto tornare indietro, dato che i fan chiaramente non sono stati molto entusiasti di queste funzioni.

Pensaci: quando il prossimo titolo AAA sembrerà un guscio ben rifinito ma completamente vuoto - proprio come quelle mappe open-world generate proceduralmente che sembrano fantastiche nel trailer ma sono coinvolgenti quanto sfogliare un catalogo fai-da-te - è allora che la gente inizierà a desiderare qualcosa di diverso. E che qualcosa di diverso non verrà da Tencent o EA. Verrà da un tizio in un seminterrato a Skövde, da un duo in Polonia o da un trio in Giappone che si rifiutano di usare l'IA per qualcosa di più che forse una breve texture provvisoria.

Noi gamer diventeremo più bravi a distinguere la differenza. Proprio come ora percepiamo quando un gioco è stato creato con passione e amore, rispetto a quando è stato realizzato per massimizzare i 'guadagni trimestrali'. E quella sensazione? Non può essere addestrato come modello. È umano. È caotico e a volte persino terribilmente brutto, ma è vivo e infonde al gioco anima e umanità.

Quindi no, personalmente non ho paura che l'IA uccida del tutto l'arte del videogioco. Credo davvero che a lungo termine farà il contrario, affinando e chiarendo cosa vale la pena preoccuparsi. I grandi studi possono produrre produzioni AI ad alto budget con ray tracing di percorso e 240 fps. E noi altri riavremo la sensazione di suonare qualcosa che in realtà è stato creato da qualcuno che ci teneva - un lusso che dovremmo smettere di dare per scontato. Giochi fatti da qualcuno che piangeva, imprecava, rideva e forse odiava il proprio gioco a un certo punto nel cuore della notte. Debolezze che alla fine diventeranno la nostra forza e la ragione per cui usciremo vittoriosi da questa battaglia.

Cosa ne pensi? Sei d'accordo con il ragionamento di Joel?

La comodità uccide il piacere del gioco

jonas@gamereactor.it (Jonas Mäki) — Tue, 17 Mar 2026 14:00:00 +0100

Quando ho recentemente scritto il mio articolo sul Virtual Boy, ho tirato fuori la mia vecchia e fidata macchina, che gentilmente si è accesa e ha iniziato a mostrare la sua caratteristica grafica rossa. Ho giocato per rinfrescare la memoria prima della recensione del nuovo accessorio per Switch, e ho scelto di concentrarmi principalmente su Mario Clash e Wario Land.

Nintendo sta rapidamente aggiungendo i classici al suo servizio in abbonamento.

Era solo una ricerca veloce, soprattutto perché il dispositivo è incredibilmente poco ergonomico, ma alla fine sono rimasto seduto per ore a giocare, con Wario Land in particolare che si è rivelato una sfida. Anche se entrambi questi titoli sono buoni giochi, ci sono giochi migliori con cui passare la serata, quindi perché mi sono appassionato a questi? Ho una teoria.

In realtà ho notato qualcosa di interessante in passato. Quando gioco a uno dei tanti giochi classici disponibili su Switch e Switch 2 tramite Switch Online + Expansion Pack, il mio coinvolgimento tende a essere poco convinto. Posso passare da un gioco all'altro quando voglio, e tutta la sfida sparisce perché posso riavvolgere il tempo e annullare gli errori.

Amo il retro gaming e sono felice di rivivere i momenti più belli e oscuri della storia del gaming per vivere la magia di un tempo. I miei vecchi pilastri a 16 bit sono ancora alla grande, e ogni tanto compro un gioco nuovo-vecchio che non avevo mai provato prima. Spesso sto a letto a giocare quando ho voglia di retrò, e riesco a giocare per ore mentre uso le cartucce. Ma non sono le cartucce a renderlo possibile.

Ho anche un Mega Everdrive Pro così posso giocare ai titoli emulati quando non voglio aprire una scatola, avere a che fare con una cartuccia rotta o comprare una ROM Kickstarter. È anche una cartuccia che assomiglia a una cartuccia Mega Drive sotto ogni aspetto, ma permette i Save State e simili. Quando gioco a questi titoli, uso naturalmente queste funzionalità e improvvisamente mi sembra meno interessante e un po' più soporifico.

Ci sono molti modi per usare gli stati di salvataggio su Super Nintendo, come FXPAK Pro.

Siete lettori esperti (leggete Gamereactor, vero?) e potete immaginare dove voglio arrivare con questa linea di ragionamento, cioè che il valore di intrattenimento del retro gaming diminuisce in parte se lo rendi troppo facile da accedere e aggiungi stati di salvataggio. Penso sia l'equivalente di accendere Netflix di venerdì sera e decidere cosa guardare. La scelta è così vasta che la rende più difficile e un po' meno coinvolgente. Finisci per scegliere qualcosa d'impulsivo, mentre chi di voi era presente durante l'era del noleggio video ricorderà sicuramente come sceglievate il vostro film e tornavate a casa, per poi godertelo in modo quasi cerimoniale.

Gli stati di salvataggio, da parte loro, sono stati descritti come qualcosa che rende i vecchi giochi divertenti ancora oggi. C'è un fondo di verità in questo, ma tolgono anche il valore di intrattenimento. I vecchi giochi non erano difficili perché erano impossibili da superare; Erano impegnative perché spesso duravano solo circa un'ora. Se elimini la sfida, ciò che resta è un'avventura che affronti di fretta senza doverci mettere cuore e anima.

Giocando senza pensieri a titoli come Mega Man, Castlevania o Contra, il loro entusiasmo e spirito si perdono completamente.

Spesso significa che ti perdi dettagli brillanti di gameplay, come quanto siano ingegnosamente progettati i movimenti del Diavolo Giallo nel primo Mega Man, quando la bestia si muove avanti e indietro nella stanza. È sicuramente progettato per essere abbastanza facile da battere, ma richiede concentrazione e concentrazione di primissimo livello, seguite da una scarica di adrenalina ed endorfine quando ci riesci. Chiunque usi i salvataggi e elimini completamente questo non capirà mai la sua grandezza.

È esattamente per lo stesso motivo per cui i titoli di FromSoftware sono così popolari oggi. Non sono giochi che si possono giocare a malapena; Devi essere completamente coinvolto. Nessuno ti dirà dove andare; Devi capirlo da solo, e nessuno ti dirà come battere i boss, perché, ancora una volta, devi capirlo da solo. La sensazione di successo è euforica; Ti senti competente e di aver raggiunto qualcosa di importante.

Giochi come (da sinistra a destra) The Adventures of Bayou Billy, Fester's Quest, Ikari Warriors e Ghost 'n Goblins sono tutti giochi NES che direi impossibili da completare senza l'aiuto di trucchi.

Quindi sto dichiarando guerra agli stati di salvataggio? No, per niente. Ovviamente, ci sono vecchi giochi completamente impossibili, non ultimi Battletoads e Trojan, e questi richiedono davvero l'opzione degli stati di salvataggio per essere rigiocati, cosa che è quasi impossibile con aiuti come questi. Inoltre, i giochi vecchi sono proprio questo, vecchi, ed è facile commettere errori così da perdere qualcosa e, nel peggiore dei casi, potresti nemmeno riuscire a progredire. Inoltre, non puoi salvare (e se puoi, è solo in punti selezionati, il che comporta lunghe distanze di viaggio).

Ma durante l'era NES, i giochi erano fatti principalmente per bambini; Anch'io ero un bambino in quell'epoca, e abbiamo superato i giochi uno dopo l'altro. Non sono stati così difficili, ma come ho detto, richiedono un po' di coinvolgimento emotivo. La serie Mega Man è spesso considerata incredibilmente difficile, ma da uomo che si avvicina ai 50 anni, riesco comunque a superarle senza troppi problemi. Non è perché sia un dannatamente bravo giocatore (perché in realtà non lo sono, tranne forse nei picchiaduro dove di solito riesco a cavarmela abbastanza bene in compagnia giusta), ma perché ci ho giocato molto e mi sono esercitato.

Titoli come Ori and the Will of the Wisps, Hades II e Hollow Knight: Silksong sono essenzialmente giochi retrò in una nuova versione e sarebbero stati piuttosto insipidi se avessero incluso gli stati di salvataggio.

Per me, che spesso ho console retrò in mostra e so quali giochi più vecchi giocare su PlayStation 5, Switch 2 o Xbox Series S/X, quando vengono a trovarci giovani e aspiranti giocatori ricevo spesso la conferma che si tratta di classici senza tempo. Anche i bambini abituati a giochi più moderni tendono a catturarsi se offro loro una partita di Ice Hockey su NES, Sonic the Hedgehog su Mega Drive o Goof Troop su Super Nintendo. I buoni giochi sono senza tempo se li giochi come previsto.

Come ho detto, ci sono giochi che semplicemente non si possono godere senza stati di salvataggio, ma ciò che quasi tutti questi titoli hanno in comune è che non sono particolarmente divertenti nemmeno con loro – anche se almeno si possono giocare. Tuttavia, ci sono anche generi in cui i salvataggi aggiungono effettivamente valore, e questo riguarda principalmente avventure più lunghe e giochi di ruolo. Dover ricominciare dall'inizio in un'avventura che dura diverse ore non è divertente, e scrivere password irragionevolmente lunghe in realtà non aggiunge nulla. Inoltre, come detto sopra, è bello non dover tornare indietro nei giochi di ruolo solo per salvare in uno dei pochissimi luoghi che lo permettono.

FromSoftware crea giochi che vanno apprezzati allo stesso modo dei classici e sono incredibilmente popolari. Se gli stati salvati fossero esistiti, probabilmente non sarebbero mai diventati così grandi come sono.

Ma scegliere pigramente un gioco da una libreria infinita di ROM dove usi i salvataggi significa quasi certamente che non riuscirai mai a cogliere la grandezza di qualunque cosa tu stia giocando. Per questo motivo, è bello trovare una gemma del Mega Drive (il formato che sto collezionando di più in questo momento) e inserire la cartuccia a casa. Tre vite e di solito nessun continuo. Se muoio, muoio. Iniziare un gioco epico e retrò come Alisia Dragoon, Ranger-X o Shadow Dancer: The Secret of Shinobi sembra magico come quando erano nuovi. Devo lottare per superare la situazione, cercare di capire cosa sta andando male quando inevitabilmente muoio, e poi riprovare. Se diventa davvero difficile, è una rage stop, una passeggiata all'aria aperta con i cani, dopodiché, armato di una tazza di caffè o di una birra fredda e un po' di mango secco, ci riprovo e spesso ci riesco.

La soddisfazione è immensa, e quella sensazione di sfogliare distrattamente una pila di giochi solo per provarci qualche minuto prima di decidere che sembrano irrimediabilmente datati svanisce all'istante. Fino allo scorso fine settimana, ho comprato la raccolta di remake Mega Man: The Wily Wars per Mega Drive da un negozio di giochi ben fornito e ancora una volta ero incollato allo schermo in un modo che non si capita usando gli ausili.

I giochi più vecchi possono essere impegnativi, ma se li gestivamo da bambini, possiamo gestirli anche ora. Giochi come Sonic e i momenti migliori di Mario dell'era 16-bit non sembreranno mai superati.

Non tutti i classici sono invecchiati bene, ma molti sì. Se dai loro una possibilità equa, c'è una miniera d'oro di grandi titoli da scoprire. Se i bambini riuscivano a gestire questi giochi negli anni '80 e '90, anche tu potevi farlo e ci sono persino studi che dimostrano che questi giochi sono un ottimo esercizio per il cervello perché devi essere completamente coinvolto, stimolato e non puoi semplicemente giocare in modalità pilota automatica. C'è un motivo se i classici si chiamano classici, e non è perché sono giochi vecchi, ma perché sono giochi vecchi e buoni. È una differenza enorme. Goditeli davvero e guardate un nuovo-vecchio mondo aprirsi, il che spiega perché ci siamo innamorati così tanto di questi giochi ai tempi.

Parlando di AI e Lovecraft con il direttore del gioco Tommaso Nuti Cthulhu: The Cosmic Abyss

alex@gamereactor.it (Alex Hopley) — Tue, 17 Mar 2026 11:00:00 +0100

Recentemente, abbiamo avuto l'opportunità di giocare a una buona parte di Cthulhu: The Cosmic Abyss. Dopo aver assaporato il nuovo gioco d'avventura di Big Bad Wolf, siamo rimasti catturati come un archeologo da un artefatto che avrebbero decisamente dovuto lasciare invariato. E così, quando si è presentata l'opportunità di parlare con il direttore del gioco, Tommaso Nuti, ovviamente abbiamo colto al volo l'occasione. Qui sotto puoi leggere la nostra intervista completa con Nuti, che parla di IA, storie lovecraftiane, di come puoi affrontare gli orrori che affronterai in Cthulhu: The Cosmic Abyss e di quanto tempo ci vuole per sfuggirne.

D: Quali storie lovecraftiane sono state le principali ispirazioni per il gioco?

Nuti: "Abbiamo tratto ispirazione da molti racconti lovecraftiani adattando il mito. Il nostro obiettivo era meno raccontare una storia specifica e più usare il lore più ampio per costruire un senso di continuità all'interno di questo universo. Naturalmente riconoscerete elementi da Il richiamo di Cthulhu, così come da L'ombra sopra Innsmouth e L'Inquietante dell'Oscurità. C'è anche un altro racconto di culto che ci ha ispirati, anche se preferirei non rivelarlo ancora per mantenerlo una sorpresa!"

D: Come possono i giocatori affrontare gli orrori che affronteranno nel gioco?

Nuti: "Vogliamo metterti nei panni di un investigatore occulto che esplora un universo completamente al di là della sua comprensione. Per questo motivo, abbiamo escluso il combattimento fin dall'inizio. Tuttavia, l'assenza di combattimento non significa l'assenza di pericolo.

Molte cose possono ucciderti in R'lyeh, che siano le rovine stesse o le creature che le abitano. Nessuna arma convenzionale sarà d'aiuto qui. Solo i tuoi strumenti e la tua intelligenza ti permetteranno di andare avanti e portare a termine l'avventura. Per sopravvivere, dovrai comprendere le regole che governano questo mondo, sia accettandole sia trovando modi per ingannarle.

Così, l'orrore è presente in ogni aspetto dell'esperienza, creando un'atmosfera che a volte può risultare cupa e affascinante in altre volte, ma sempre intrisa di mistero e ignoto. Il nostro obiettivo era avvicinarci all'orrore cosmico nel suo senso più puro, dove il terrore nasce dall'affrontare un mondo che supera l'umanità in ogni possibile modo."

D: Il modo in cui l'IA viene rappresentata nel gioco è come speri di vederla usata in futuro?

Nuti: "È una domanda affascinante. Devo precisare che questa è un'opinione molto personale, che va oltre il mio ruolo di Game Director a Big Bad Wolf.
La mia speranza principale è che l'IA aiuti ad accelerare grandi scoperte in medicina e scienza, contribuendo infine a preservare sia la nostra salute che il nostro mondo.

Per fare un esempio concreto legato al gioco, l'IA è integrata direttamente nel cervello del personaggio. Noah lo usa per 'ping-pong' idee, estrarre informazioni e analizzare le prove. In questo senso, rappresenta un'evoluzione logica dei suoi strumenti investigativi. Tuttavia, quando si tratta di rapportarsi con le persone, è importante preservare il proprio giudizio e agire di conseguenza. A mio avviso, ci sono norme di base che l'IA può sostenere, ma il buon senso dovrebbe rimanere umano.

Da un punto di vista professionale, vedo l'IA come uno strumento potente che deve sempre essere bilanciato con la supervisione umana. Lo stesso vale nei campi creativi, dove gli esseri umani dovrebbero rimanere al centro di ogni progetto. L'IA può aiutare a dare vita a concetti ambiziosi, ma le questioni relative al copyright devono ancora essere risolte per evitare un'industrializzazione dell'arte senza anima.
Più in generale, la società dovrebbe affrontare l'IA con cura e attenzione. È importante imparare le basi prima di affidarsi allo strumento, proprio come imparare a contare prima di usare una calcolatrice. Alla fine, avere un 'super-cervello' a disposizione non dovrebbe portarci a spegnere il nostro."

D: Quanto dura in media una run di Cthulhu: The Cosmic Abyss ?

Nuti: "In media, completare l'avventura richiederà tra le 12 e le 15 ore, a seconda della modalità di difficoltà scelta e di quanto profondamente ogni giocatore decida di coinvolgersi nell'indagine. Per darti un po' più di dettagli, il nostro gioco premia la curiosità sopra ogni cosa. La profondità della tua indagine determina in ultima analisi la durata dell'esperienza.

In ogni capitolo, i giocatori sono liberi di investigare in aree aperte. Se decidi di seguire una pista ignorando certi indizi o parti della mappa, progredirai più velocemente. Tuttavia, questo può portare a conclusioni affrettate, che possono portare a decisioni sbagliate e aumentare il livello di corruzione.

D'altra parte, prendersi il tempo per esplorare ogni angolo e scoprire i tanti misteri nascosti in ogni livello ti permetterà di fare scelte più informate e proteggerti meglio. Questo è il nostro modo principale per estendere l'esperienza. Parallelamente, i giocatori possono cercare componenti di potenziamento per il proprio equipaggiamento. Questi componenti sono accuratamente nascosti in tutto l'ambiente, aggiungendo una dimensione di caccia al tesoro all'avventura."

D: Quanti finali ci sono per i giocatori da trovare?

Nuti: "Il gioco presenta sei diversi epiloghi da scoprire per i giocatori, oltre ai vari modi in cui le indagini possono essere risolte durante l'avventura."

LEGO Pokémon 72152 Pikachu e Poké Ball

marie@gamereactor.it (Marie Liljegren) — Tue, 17 Mar 2026 09:00:00 +0100

Quando Pokémon è apparso per la prima volta nei giochi e nei programmi per bambini alla fine degli anni '90, ero impegnato a uscire e a ragazzi; dopotutto, avevo 19 anni e divertirmi era praticamente l'unica cosa a cui pensavo il mio io più giovane, quindi si può dire che la mania per i giochi, le carte collezionabili e la serie mi ha superato senza lasciare molta impressione. Certo, sapevo quasi tutto su Blaziken e Typhlosion, chiunque abbia figli intorno sa che viene lavato il cervello da queste cose ed è praticamente l'unica cosa di cui parlano tutto il giorno. Mio nipote Oscar amava così tanto i Pokémon che il giorno dopo il suo compleanno, quando gli era stato dato un tanto atteso Gameboy SP argento, lo sostituì con una semplice carta Pokémon nella sabbiera con il figlio del vicino, con grande sorpresa di sua madre e suo padre, che portò a un livello otto sulla scala della rabbia.

Una scatola davvero grande piena di snack e dolcetti.

Ma per me, è stato tutto il limite. Conoscendo i nomi e ogni tanto costretto a guardare programmi per bambini con un piccolo sbavato e snoboso tra le braccia. Ma c'è un personaggio che tutti conoscono, e soprattutto, tutti riconoscono, ed è Pikachu, e ho avuto l'onore di metterlo insieme in forma di Lego. Pika pika, più o meno! La scatola in sé è un vero sacco, e l'ho portata a casa come un grande bambino tra le braccia, passando vicino e bambini che guardavano con stupore il mio prezioso, che tenevo con una presa salda per proteggerlo da mani avide e immaginarie.

Appena iniziato. Rilassamento totale.

Come al solito, il set Lego include un grosso libretto di istruzioni, e questa volta è arrivato in 16 diverse piccole borse bianche contenenti un totale di 2.050 mattoni - il che mi ha fatto venire un brivido di emozione, sapendo che ci vorrà un po' di tempo. Perché se c'è una cosa che ho capito dall'ultima costruzione, è che i Lego mi rendono felice. Mi fa diventare un vero maestro di yoga che dimentica tempo e spazio e costruisce semplicemente. Il rilassamento è reale, e direi che tutti dovrebbero costruire. Noi adulti abbiamo menti che non si spengono mai davvero, perché siamo pieni di preoccupazioni per le finanze, gli eventi mondiali dall'altra parte del mondo, i bambini e la casa, ma se c'è una cosa che ti permette di spegnere i pensieri, sono quei piccolissimi mattoncini da costruzione chiamati Lego. Mentre costruivamo, non potevo fare a meno di essere colpito da quanto sia cresciuto il lavoro con i mattoni da costruire, dato che ero lì con il mio baule dei giocattoli nella camera d'infanzia, costruendo città e auto su grandi piastre verdi che non erano affatto piacevoli alla vista.

Sta iniziando a prendere forma. Finalmente, il pannello posteriore si abbinava al corpo! Ero al settimo cielo.

L'immaginazione era l'unica cosa che fissava i limiti, e la mia era davvero illimitata. I pezzi splendidamente arrotondati di oggi fanno davvero sembrare ogni creazione il più realistica possibile quando tutte le piccole sezioni sono premute insieme. I pezzi di questo set sono in tutti i colori dell'arcobaleno, molte tonalità pastello, e ti ritrovi a chiederti più e più volte: "Non è quel piccolo giallo topo?" Perché sì, è il nostro amato piccolo Pikachu. Dovrei dire poco? Di certo è diventato tutt'altro che piccolo una volta finito. Ma finirlo si è rivelato più facile a dirsi che a farsi. Perché da qualche parte nella mia costruzione è stato commesso un errore microscopico. In tutto il resto della vita, un piccolo errore di solito non conta, ma nei Lego è un grande NO.

Forse un'immagine un po' grottesca. Mi sembra quasi di aver tagliato la testa al povero animale.

Perché, voi non costruttori vi chiederete? Come tutti i costruttori sanno, che tu stia costruendo un muro di mattoni o una struttura Lego, tutti i pezzi devono incastrarsi; altrimenti, alla lunga tutto andrà a rotoli. Purtroppo, mi sono reso conto del mio errore dopo diverse ore di costruzione, proprio mentre stavo per attaccare la parte posteriore al corpo. Per quanto premessi, semplicemente non si fondeva con gli altri. Mi fissavo a occhio scoperto su tutte le parti e tutto sembrava come doveva, finché finalmente il mio caro amico non mi ha detto di provare a riprendere la mia build passo dopo passo finché non avessero trovato il problema. Ma qualche strattone qua e là, e pezzi cominciarono a cadere; Il disordine era un dato di fatto, e sì, mi sono arrabbiato. Così arrabbiato che ho smontato tutto quello che avevo costruito, tranne il pannello posteriore, che almeno sapevo fosse corretto.

Guarda quanto è felice con la sua palla.

Ora sono un esperto di Pikachu, avendolo costruito non una sola ma due volte. E alla fine, ho trovato l'errore: due minuscoli pezzi che erano finiti nello slot sbagliato. Ed è con questa esperienza alle spalle che vorrei consigliare di non usare la guida alla costruzione che viene fornita con il set, ma di scaricare invece l'app incredibilmente utile 'Lego Builder', che l'ultima volta ho usato per trovare effettivamente il mio errore di costruzione. L'app assomiglia esattamente al catalogo edilizio, ma la differenza è che puoi ruotarla in 3D così puoi vedere bene sia la parte superiore che quella inferiore, il che significa che non puoi perdere quanti montanti devi contare quando monti i pezzi. Ed è stato una salvezza, posso dirtelo, perché solo un'ora dopo ero di nuovo nel punto in cui tutto è andato a rotoli, e sai una cosa? Il pannello posteriore si sistemò in un attimo. Ecco quindi una storia che mostra che le cose non vanno sempre secondo i piani.

Quel Pikachu è davvero carino.

Anche una dea come me a volte commette errori. Ma di solito è colpa di qualcun altro. In questo caso, il catalogo Lego. Nota il sarcasmo qui, prima che i fan di Lego mi mandino Duplo in risposta a questa blasfemia. È un po' difficile stimare quanto tempo richieda la costruzione effettiva, dato che ho dovuto costruirla due volte, ma avrai qualche serata accogliente davanti a te se investirai in questo set. Ma se dovessi stimare, circa sei ore a seconda della velocità. Il set è in realtà composto da tre diverse costruzioni. Per prima cosa, costruisci Pikachu, che è un tipo piuttosto impressionante con i suoi 35 centimetri. Poi c'è la piccola Poké Ball da assemblare, che si monta abbastanza rapidamente perché non ha molte parti. Ultimo ma non meno importante c'è la piastra di base stessa, che tiene tutto insieme, e ci ha messo parecchio tempo.

È davvero un bel pezzo.

Tutto sommato, è un pezzo grande che occupa parecchio spazio, e presto mi sono reso conto che, quando si è trattato di posizionarlo nella mia stanza, dovevo optare per una versione ridotta. Quindi per fortuna c'è il piccolo supporto che puoi usare, mentre quello gigante poteva essere nascosto nella scatola in cui è arrivato. Pikachu era incredibilmente carino quando ha finito, e devo dire che è stato un po' difficile metterlo nel suo stand per la prima volta, dato che forse il posizionamento non era stato così ben pensato dai nostri inventori danesi. Il bastone su cui dovresti montare la nostra salsiccia gialla, soffice e simile a un porcellino d'India deve andare proprio su per il sedere del poverino. O meglio, il sedere. Il posteriore. La coda. Non c'è da stupirsi se mi è venuta una lacrima quando è stato infilzato sulla saliva del barbecue come un agnello per il macello.

Per farti un'idea delle sue dimensioni, puoi confrontarla con una bottiglia di plastica da 1,5 litri.

In ogni caso, è molto dettagliato nel suo design e sicuramente sarà un'aggiunta elegante alla mia piccola vetrina, dove ora si siede tra Leon S. Kennedy e Jill Valentine. Tuttavia, la coda doveva essere tagliata perché era un po' troppo grande. A proposito della coda, esiste in due versioni: una per un maschio e una per una femmina. Puoi anche muovere le orecchie, le braccia e i piedi della figura, ma per qualche motivo questa sembra un po' più fragile rispetto alla mia ultima build, che era Marvel's Iron Man, che era un po' più compatta e resistente. Lo dico perché in diverse occasioni ho trasformato il povero Pikachu in un bandito con un braccio solo e in un tipo un po' meno speranzoso quando uno dei suoi piedi è caduto.

Tutto sommato, è stata una costruzione davvero divertente e, come ho già detto, sei sempre incredibilmente impressionato da tutti i piccoli pezzi che assembli senza sapere cosa stai assemblando, e all'improvviso ti ritrovi semplicemente seduto con una testa o un braccio. Le persone che le creano sono davvero ingegneri di altissimo livello. Potrebbe essere questo il miglior e più intelligente "giocattolo" del mondo? Sei curioso di mettere le mani su questa piccola gemma? Beh, potrebbe essere tua per tra £179,99. È stato davvero un modo meraviglioso per celebrare il 30° anniversario di Pokémon.

Lego Venusaur, Charizard e Blastoise

fredrik@gamereactor.it (Fredrik Malmquist) — Sun, 15 Mar 2026 11:00:00 +0100

Rosso o blu? Qual è stata la tua scelta? Bulbasaur, Charmander o Squirtle? Prima di intraprendere il mio primo viaggio nella regione del Kanto, ho dovuto fare diverse scelte, decisioni che ho ripetuto più volte da allora: Red e Charmander. Se avessi detto a Fredrik, tredicenne, che sarebbe seduto con i suoi due figli, a passare una settimana a costruire tre Pokémon Lego giganti, non ti avrebbe mai creduto. Charmander sarà sempre il mio primo Pokémon e il primo che ho addestrato a evolvere nella sua forma finale, Charizard.

Se acquisti il grande set Pokémon di Lego, non devi scegliere un Pokémon iniziale. In questo enorme set Lego da 6.838 pezzi, ottieni Venusaur, Charizard, Blastoise e una base interessante su cui posizionare le creature. L'unica scelta che devi fare è quale dei tre giganti costruire per primo. Nella grande scatola ricevi tre scatole stampate come Poké Ball. Sul retro ci sono icone che rivelano quale tipo di Pokémon è nascosto nella scatola. Le scatole sono numerate, ma nulla ti impedisce di costruire le tre figure nell'ordine che preferisci. Se segui la numerazione delle scatole, Venusaur è il primo, seguito da Blastonese e infine Charizard.

Ho deciso di facilitarmi le cose e ho iniziato a costruire mentre i miei figli dormivano. Dopo due ore e dieci minuti, era ora di andare a letto. Quanto sono arrivato? Sei sacchi e una base finita e fresca coperta di piante su cui Venusaur può stare sopra. Il giorno dopo, il mio bambino di 8 e il mio bambino di 6 anni si sono uniti a questo, e insieme abbiamo passato quasi sette ore a completare Venusaur. È del tutto possibile che avrei potuto costruire il tipo Erba più velocemente da solo, ma ogni volta che io e i miei figli guardiamo il set Lego d'ora in poi, sapremo che la costruzione è stata un lavoro di squadra.

Venusaur era infatti il numero uno nell'ordine quando abbiamo seguito i numeri sulle scatole e le istruzioni del set Lego. Quando io e i miei figli finemmo Venusaur, entrambi insistettero che Charizard sarebbe stato il prossimo. Non è stato troppo difficile convincermi, dato il mio favoritismo. La base di Charizard è un vulcano con una montatura in cima dove il gigante arancione deve essere attaccato. Mio figlio maggiore mi ha aiutato a costruire la base, che ci ha richiesto altre quattro ore. Poi ci vollero altre tre o quattro ore per completare Charizard. Dopo di che, abbiamo perso il conto, ma probabilmente ci sono volute altre sette-otto ore per costruire la base e Blastoise per completare il modello Lego, esattamente una settimana dopo che avevo portato la scatola in casa.

Venusaur, Charizard e Blastoise è il set Lego più grande che abbia costruito dai tempi dell'Ultimate Collector's Edition del Millennium Falcon nel 2017. Ho scoperto Star Wars prima di Pokémon, ma entrambi gli universi mi stanno molto a cuore e, anche se ho potuto costruire il Falcon da solo, questa volta l'ho fatto con la mia famiglia, il che è stato ancora più speciale. A differenza del Millennium Falcon, questo è un set 18+ che contiene significativamente meno parti Lego Technic e questo mi è piaciuto bene e anche per i miei figli.

Com'è stato costruire il set? Vario, impegnativo, divertente e che richiede tempo. Per chi è? Fan di Pokémon e appassionati di Lego. Venusaur e Blastoise sono entrambi compatti e più simili nel design. Charizard è più snello e ha due ali in tessuto stampato. Le tre basi differiscono molto nel design, mentre la sesta busta della base di Venusaur era come un normale set Lego Botanico da costruire. Il vulcano di Charizard sembrava la parte della costruzione che conteneva più parti Technic e per i bambini la sfida più grande era restare concentrati a lungo. Dopo tre ore di costruzione, mio figlio più piccolo disse: "Papà, questa è la cosa più divertente che conosca. Costruire grandi set di Lego!" È stato allora che ho capito che ha molti progetti di costruzione davanti a sé.

I set Lego sono disponibili in tutte le fasce di prezzo e questo è tra i più costosi. È un pezzo che si fa notare, qualcosa che costruisci perché ami Lego e Pokémon. È un set che ha bisogno di un posto in casa dove possa essere visto, con una base larga 54 centimetri e un trio che raggiunge un'altezza di 50 centimetri, puoi immaginare quanto spazio sia necessario. Molti creatori di contenuti e scrittori hanno menzionato il prezzo e suggerito che Lego avrebbe potuto rimuovere la base per rendere il set più economico. Mi chiedo perché? Quando Pokémon festeggerà il suo 30° anniversario e verrà rilasciato per la prima volta come set Lego, dovrebbe avere spazio. Se dovessi menzionare qualcosa che avrebbe potuto essere migliore, sarebbe la forma del volto di Charizard e le fessure su Venusaur. Nel complesso, però, questo è un modello premium degno di celebrare tre decenni di un universo che intrattiene milioni di persone ogni anno.

Nota: Il set Lego è venduto esclusivamente da Lego stesso ed è stato estremamente popolare. Il set è in arretrato fino ad aprile.

Top 10 copertine Nintendo 64 più sorprendenti

kenny@gamereactor.it (Kenny Nordgren) — Sat, 14 Mar 2026 11:00:00 +0100

Probabilmente è l'era Nintendo 64 di cui ho più ricordi. Avevo 10 anni quando il grande e pesante pacco della vigilia di Natale del 1997 conteneva la nuova console Nintendo, il che mi ha portato a essere felice e soddisfatto fino all'arrivo della PlayStation 2 alla fine del 2000. In altre parole, era il momento perfetto per plasmare le abitudini di videogioco di una persona.

In questa lista, le mie "copertine preferite" sono fortemente influenzate dalla nostalgia. Era impossibile evitare questo mentre preparavo questo testo, dove dopo un'attenta riflessione e un secchio di nostalgia, sono arrivato alla seguente lista:

10. Castlevania: L'eredità dell'oscurità (Nintendo 64)

In generale, Castlevania ha copertine incredibili, soprattutto per NES. È lì che parliamo di magia. Legacy of Darkness non è ancora al livello, ma si distingue comunque nel catalogo Nintendo 64 per quanto riguarda le copertine. È un po' insolito che una copertina ispirata al manga mi piaccia così tanto come Legacy of Darkness, dato che il manga è un'estetica che generalmente non mi piace affatto, ma il mistero di Dracula, il castello, i pipistrelli e la grande luna sullo sfondo è qualcos'altro, in senso positivo.

9. Super Mario 64

Non posso togliermi il pensiero che questo gioco debba essere in questa lista. Ma d'altronde, è una copertina minimalista e stilosa che mi piace molto, anche se non è nella mia top 10 dei giochi preferiti per console. Ma, non siamo qui per discutere di una lista così importante. In ogni caso, Mario vola con il suo berretto alare, simbolo della libertà che esiste nel gioco grazie al suo mondo 3D, e molto a sinistra si vede il castello con un Goomba che lo protegge. Semplice, ma con stile.

8. Bambini dello snowboard

Questa è una copertina giocosa che mi rende felice solo a guardarla. Ho giocato molto a questo gioco ai tempi, e la copertura va di pari passo con il gioco stesso. Penso che questa copertina racchiuda la giocosa che rappresenta Nintendo 64. È una "copertina di Mario Kart", ma con snowboard. Stavo anche per scrivere "nasi grandi" quando ho capito che nemmeno i nasi di Mario e Wario sono così piccoli.

7. Turok: Cacciatore di dinosauri

Non c'è niente di più difficile di così; un guerriero in piedi con il suo coltello Rambo pronto a combattere ravvicinato un velociraptor. Da bambino, pensavo fosse sia figo che spaventoso allo stesso tempo. Grida azione, e il gioco ha sicuramente mantenuto le promesse. Non ho mai posseduto il gioco, ma ogni tanto lo prendevo in prestito dal mio amico d'infanzia. Anche se la copertina era forse più bella allora, rientra comunque in questa lista.

6. The Legend of Zelda: Majora's Mask

La seconda uscita di The Legend of Zelda su Nintendo 64 entra in questa lista. Secondo me, c'è un certo mistero intorno a questa copertina. Naturalmente, questo dipende molto dal fatto che il gioco stesso è molto misterioso, dove lo sfondo verde scuro e il testo viola hanno un certo fascino, soprattutto in combinazione con la maschera di Majora che ti fissa malevolamente dritto negli occhi. Relativamente minimalista, come Super Mario 64.

5. Mario Kart 64

Ho tantissimi ricordi dell'era Nintendo 64 impressi nella mia mente e molti di essi provengono da Mario Kart 64, che è forse anche la copertina di Mario Kart più elegante. Ancora una volta, parliamo di minimalismo e velocità e adoro anche che il mio preferito della banda di Mario, Wario, abbia un ruolo così importante sulla copertina. In altre parole, non deve sempre essere dedicato a Mario e Donkey Kong.

4. Il Giorno del Pelo Sbagliato di Conker

Questo gioco quasi leggendario appare in ogni tipo di lista dei più chiusi. Il motivo per cui appare in questo caso è che Conker tiene una birra in una mano. Questo da solo è motivo sufficiente per consolidare il suo posto nel mio libro delle copertine più belle. Il fatto che sia uno scoiattolo a tenere la birra non peggiora la situazione. È la prima birra della giornata? Il settimo? Chi lo sa. Riesco anche a immaginare i bambini che parlano con i genitori quando il gioco è uscito nel 2001: "Mamma e papà, voglio il gioco con lo scoiattolo che beve birra sulla copertina per Natale".

3. Banjo Kazooie

Faccio parte di quel gruppo di persone che, o forse non è nemmeno un gruppo se ci penso, non pensano che Super Mario 64 sia il miglior gioco 3D per Nintendo 64. Secondo me, sono i giochi Banjo Kazooie a essere in cima al podio. Banjo e il suo compagno uccello super-arrogante hanno anch'essi un posto in quella lista. Una copertina veloce in cui il nostro orso non solo ha Kazooie nello zaino, ma tiene anche un Jinjo viola con il braccio sinistro mentre afferra un pezzo del puzzle con il destro. Dietro di lui, il boss finale del gioco, Gruntilda, si erge come un gigante. Mi piace anche che Mumbo Jambo sia visibile sul lato sinistro della copertina, uno dei miei preferiti personali.

2. La storia di Yoshi

Una copertina super carina con il drago preferito di tutti. Yoshi's Story non era il mio gioco preferito all'epoca, ma che copertina colorata e piacevole. Avevo quasi dimenticato questo gioco finché non ho fatto qualche ricerca per questo articolo, ma quando l'ho visto, ho provato una tale emozione di nostalgia che la copertina si è guadagnata un posto nella lista senza molte discussioni.

1. The Legend of Zelda: Ocarina of Time

Forse è il miglior gioco al mondo, e ha una copertura in cui meno è meglio. Mi riferisco principalmente alla versione PAL, anche se le altre copertine sono quasi altrettanto belle. Ma lo sfondo nero e il testo dorato, insieme alla spada e allo scudo, sono davvero, davvero bellissimi. Non ho mai posseduto questo gioco durante l'era Nintendo 64, ma appena ho visto la copertina a casa di amici e conoscenti, ero entusiasta ogni volta, anche se l'avevo già preso in prestito più volte.

Qual è la tua copertina Nintendo 64 preferita?

Friday the 13th: Dal peggiore al meglio

kenny@gamereactor.it (Kenny Nordgren) — Fri, 13 Mar 2026 10:00:00 +0100

Di certo non è sfuggito a nessuno finora che i film slasher sono il mio punto forte. Tempo fa, ho classificato i film di Scream secondo i miei gusti personali, e ora, il secondo (di tre!) Venerdì 13 dell'anno è arrivato. Naturalmente ho pensato di cogliere l'occasione per classificare tutti i film Friday the 13th. Dal peggiore al migliore!

12. Jason X (2002)

Jason Voorhees nello spazio? Sulla carta, potrebbe sembrare... No, anche sulla carta, questa idea non sembra affatto divertente. Anzi, tutt'altro. Come osa qualcuno proporre un'idea del genere? Inizia in modo piuttosto promettente con Jason, che sembra piuttosto in forma, incatenato in un grande hangar. Non è chiaro come sia finito lì se hai visto i film precedenti. Poi le cose vanno a rotoli molto rapidamente quando Jason viene congelato e si risveglia a bordo di un'astronave qualche anno dopo. Vediamo di tutto, dagli androidi a Super-Jason. Dietro la macchina da presa c'è il compianto James Isaac, che ha lavorato agli effetti speciali per Il ritorno dello Jedi (1983) e Gremlins (1984), mentre Noel J. Cunningham, figlio di Sean S. Cunningham, che era dietro il primo Friday the 13th, ha lavorato come produttore. Si potrebbe pensare che abbia ereditato il buon gusto dei genitori, ma qui è chiaro che il buon gusto salta una generazione.

11. Jason va all'inferno: L'ultimo venerdì (1993)

Il mio caro amico e amico d'infanzia non piacerà leggere questo, ma questo non è un buon film. Inizia brillantemente con un Jason grottesco (interpretato da Kane Hodder per la terza volta, Jason X era la quarta e ultima), grande e pesante, con abiti consumati e una maschera da hockey quasi fusa al suo viso. Poi viene fatto a pezzi da un gruppo di agenti dell'FBI. Ma, sorpresa, sorpresa, l'anima malvagia di Jason non è benvenuta all'inferno e vive in varie forme umane. Alla fine, quando Jason era finalmente tornato al suo vero corpo per circa due minuti, un paio di demoni arrivarono e trascinarono Jason all'inferno. È un po' divertente, o in realtà molto divertente, che la mano di Freddy Krueger, armata di coltello, appaia negli ultimi secondi del film e abbassi la maschera di Jason. Questa è una transizione perfetta a...

10. Freddy contro Jason (2003)

... il film successivo della lista, che all'inizio era un film che aspettavo con ansia da molto tempo. Anche io l'ho trovato bello la prima volta che l'ho visto. Poi ho capito che in realtà non era affatto bello. Comunque, penso che chiuda un po' le cose, con Freddy che abbassa la maschera di Jason quasi esattamente dieci anni dopo, anche se alla fine non funziona particolarmente bene. Né Jason né Freddy dovrebbero essere in una specie di incontro mortale tra loro; Non è lì che risiede il fascino di questi due personaggi. Non sono Godzilla o Kong, per così dire. Sean S. Cunningham è in realtà il produttore di quel film...

9. Friday the 13th (2009)

... di cui ha anche prodotto il remake. Come remake, non è buono come The Texas Chainsaw Massacre (2003) o The Hills Have Eyes (2006), ma nel complesso è comunque piuttosto valido. Tuttavia, devi confrontarlo con gli altri film del franchise e poi non si posiziona oltre il nono posto. Jason cattura donne e le tiene imprigionate per diverse settimane? Che diavolo significa tutto questo? Ma poi mi piace che usi sia una federa come maschera, come nella Parte 2, sia la leggendaria maschera da hockey. Il regista tedesco Marcus Nispel è dietro la macchina da presa, e ha anche diretto il già citato remake de Il massacro della motosega.

8. Friday the 13th Parte VI: Jason vive (1986)

La prima volta che Jason torna dalla tomba, letteralmente. Il personaggio Tommy Jarvis, che uccide (per il momento) Jason nella quarta parte, ha vissuto una vita nella paura, senza sapere se Jason sia davvero morto. Per scoprire davvero, davvero, davvero se Jason è morto, Tommy dissotterra il corpo di Jason e lo trafigge con una punta di ferro più volte. Per quanto stupido sia, Tommy lascia la punta di ferro nel corpo di Jason durante il temporale che sta infuriando in quel momento, e come tutti sappiamo, il fulmine può riportare in vita un corpo morto da molti anni (NOTA: ironia). In questo modo, Jason inizia di nuovo il suo massacro. Il film ha una certa sfumatura comica che non ho ancora apprezzato, ma sembra che ci sia qualcosa che non va in me, visto che molte persone lo classificano in alto o in alto nella loro lista dei migliori film della serie. Comunque, è divertente che He's Back (The Man Behind the Mask) di Alice Cooper venga usata come sigla.

7. Friday the 13th Parte VIII: Jason prende Manhattan (1989)

Grazie alla sfumatura comica del film precedente, l'ottavo capitolo della serie finisce al settimo posto, e ancora una volta Jason torna dalla morte con una potente scossa elettrica. La casa di produzione della serie, Paramount, riteneva che la concorrenza si fosse intensificata, sia nel 1988 che nel 1989, quando Friday the 13th, Halloween e Un incubo in Elm Street pubblicarono tutti dei sequel. Quest'ultima serie era chiaramente più popolare all'epoca perché era più fantasiosa, con Freddy Krueger che inseguiva le persone nei loro sogni (e sappiamo tutti quanto possano essere spaventose le sogni...), mentre Jason correva ancora tra gli alberi a Crystal Lake, facendo sempre le solite cose. Cosa fare? Beh, lascialo libero a New York, ovviamente. Tuttavia, il 75% del film si svolge su una nave diretta a New York. Non fu accolto calorosamente dal pubblico e la somma di denaro guadagnata fu considerata una delusione per la Paramount. Anche se non mi interessa particolarmente vedere Jason abbattere persone a New York, il film avrebbe sicuramente beneficiato di più scene nella grande città.

6. Friday the 13th Parte VII: Il Nuovo Sangue (1988)

Come ho scritto nel film precedente, è stato un anno difficile in termini di concorrenza e quando c'è concorrenza, devi distinguersi. Così, nell'ottavo capitolo, Jason è stato mandato a New York, e nel settimo è stata inserita una ragazza con poteri telecinetici. Quell'episodio ricorda fortemente, sotto molti aspetti, Un incubo su Elm Street e a mio parere avrebbe potuto essere completamente omesso. Per fortuna, i suoi poteri non vengono usati troppo. Tuttavia, i poteri contribuiscono alla deplorevole scena finale in cui il padre della ragazza, morto da molti anni, improvvisamente emerge dal Lago di Cristallo e trascina Jason giù nelle "profondità". È così stupido e brutto che sto per cadere dalla sedia mentre scrivo questo. A parte questi poteri, è un buon film slasher con un aspetto incredibilmente cool per Jason (interpretato da Kane Hodder), dove si vede la sua spina dorsale perché indossava abiti molto consumati e perché era sdraiato sul fondo del lago fin dalla Parte VI. Ah, e qualche omicidio interessante.

5. Friday the 13th: Un nuovo inizio (1985)

Il quinto capitolo della serie è stato, a mio avviso, il peggiore degli ultimi anni (va aggiunto che ho visto questi film per la prima volta qualche anno prima di diventare adolescente). Perché? Beh, perché Jason non c'è. Parla di un autista di ambulanza che si traveste da Jason per vendicarsi dei detenuti di un centro di detenzione minorile dove suo figlio è stato ucciso da uno dei detenuti. Come film slasher, va benissimo e, considerando che non ha gli eccessi del film precedente nella mia lista (sottili sottili molto comici, poteri telecinetici e un viaggio a New York), si guadagna il quinto posto.

4. Friday the 13th (1980)

Qui abbiamo l'originale stesso, il film che ha dato inizio alla mania degli slasher nel 1980. Soffre dello stesso problema della Parte 5, ovvero che Jason non è l'assassino. Come fa notare Ghostface in Scream (1996), quando il personaggio di Drew Barrymore risponde a "Jason" alla domanda su chi sia l'assassino in Friday the 13th, Jason non appare fino al sequel, perché nel film originale è la madre Pamela Voorhees l'assassina. Un ottimo film slasher, ma per me perde un po' di fascino perché Jason non è l'assassino, che è sinonimo di questa serie. È divertente vedere Kevin Bacon in uno dei suoi primissimi ruoli cinematografici e dietro la macchina da presa c'è il già citato Sean S. Cunningham, e Tom Savini, il maestro del trucco e degli effetti speciali nei film horror, fa una comparsa. Il film è costato poco più di poco e ha incassato una cifra enorme al botteghino.

3. Friday the 13th Parte 2 (1981)

Il predecessore fu un successo al botteghino di proporzioni rare ed è qui che ebbe inizio l'età d'oro degli slasher. Qui, le cose iniziano a farsi davvero serie quando Jason debutta come assassino (con una federa sul viso). È anche molto umano rispetto ai film successivi della serie (il che non sorprende, ovviamente). Molti degli omicidi sono davvero interessanti e il film ha un'atmosfera meravigliosa da slasher. Steve Miner ha assunto la direzione e, oltre a questo e alla Parte 3, ha anche diretto Halloween H20: 20 Years Later (1998). In poche parole, è un tipo che sa fare (tornerò alla costellazione di Halloween già citata in futuro).

2. Friday the 13th: Il Capitolo Finale (1984)

Brutale e aggressivo, ecco due aggettivi che descrivono il quarto capitolo della serie di film (che, come suggerisce il nome, doveva essere l'ultimo). Jason entra con un potere grezzo non visto nei primi due capitoli e uccide tutto ciò che vede. Un omicidio memorabile è quando distrugge la doccia e schiaccia il cranio del personaggio che si sta facendo la doccia contro il muro. Jason è completamente inarrestabile. Quasi, comunque... Alla fine, è un giovane Corey Feldman ad avere l'ultima parola quando taglia il cranio di Jason in mille pezzi. Questo è lo stereotipo di un dannatamente buon film slasher di cui ho poche lamentele.

1. Friday the 13th Parte III (1983)

Col senno di poi, è il terzo capitolo della serie cinematografica che è il mio preferito in assoluto. Non è brutale e aggressivo come il film sopra, ma ci sono così tanti momenti memorabili e iconici che giustificano la mia scelta di classifica. Tra le altre cose, in questo film ottiene la sua leggendaria maschera da hockey, con una scena interessante in cui noi spettatori lo vediamo per la prima volta (dimenticheremo che spara a una vittima con un arpione, perché le armi da fuoco non appartengono ai film slasher), e alla fine del film si ritrova il suo iconico segno d'ascia sulla maschera. Tra l'altro, è una sequenza finale in cui viene prima impiccato e poi, un minuto dopo, riceve un'ascia in testa. Ho ormai dimenticato che il film è un "film 3D".

Discutiamo di durata, finali, collezionabili e altro ancora con gli sviluppatori di Life is Strange: Reunion

ben@gamereactor.it (Ben Lyons) — Thu, 12 Mar 2026 13:00:00 +0100

È quasi ora che Life is Strange: Reunion debutti su PC, PS5 e Xbox Series X/S. Il 26 marzo arriverà questa attesa avventura ricca di narrazione e sembrerà concludere la saga di Max Caulfield e Chloe Price.

Se siete rimasti aggiornati su Reunion da quando è stato presentato all'inizio di quest'anno, anche leggendo la nostra recente anteprima pratica, potreste avere qualche domanda sul progetto, tra cui quanto sia grande il gioco rispetto agli ultimi capitoli di Life is Strange: Double Exposure e Life is Strange: True Colors, Che tipo di collezionabili saranno disponibili, come vengono incorporati i finali e persino cosa aspettarsi dalla colonna sonora. Se così fosse, abbiamo risposte su molti di questi fronti.

Abbiamo contattato lo sviluppatore Deck Nine e l'editore Square Enix per saperne di più su Life is Strange: Reunion e potete vedere tutto questo qui sotto nella nostra intervista dedicata e affascinante.

Life is Strange: Reunion è considerato il finale della saga tra Max e Chloe. Detto questo, per chi sta appena iniziando, ci sarà un riepilogo degli eventi completi che hanno preceduto la partita e quanto è fondamentale giocare i capitoli precedenti prima di vivere Reunion?

Life is Strange: Reunion è stato pensato per accogliere sia i fan di lunga data che i giocatori che vivono questo gioco come il loro primo capitolo della storia di Max e Chloe.

All'inizio di un nuovo salvataggio, ai giocatori viene presentato un riassunto "Storia finora", narrato da Max e Chloe in inglese, francese, tedesco e giapponese, con sottotitoli disponibili in tutte le lingue supportate. Il video copre gli eventi chiave di Life is Strange, tocca elementi importanti di Life is Strange: Before the Storm e aggiorna i giocatori sugli eventi di Life is Strange: Double Exposure, concentrandosi su tutto ciò che serve sapere per godersi appieno questo capitolo finale.

Dopo il riassunto, i giocatori possono definire le relazioni di Max con quattro personaggi chiave Amanda, Chloe, Safi e Vinh, stabilendo di fatto il loro stato di mondo preferito prima di iniziare. Non è necessario importare salvataggi! Questo sistema non serve solo come ripasso della storia, ma dà anche ai giocatori il pieno controllo sul contesto narrativo della loro partita. Rende il rigioco del gioco più fluido, permettendo ai giocatori di esplorare scelte e risultati diversi fin dall'inizio.

Con chi giochi di più tempo in Life is Strange: Reunion ? Inoltre, i collezionabili vengono condivisi tra i due o ognuno colleziona oggetti unici?

All'inizio del gioco, passerai diverse scene nei panni di Max, stabilendo la crisi di Caledon e ritrovando volti familiari. Ma non passa molto tempo prima che tu prenda in mano Chloe, come si vede nel gameplay Hands-On, e inizi a dirigerti verso Max, con scene giocabili che si alternano tra i loro diversi punti di vista. Questa struttura dinamica e alternata dei personaggi – che include sequenze condivise in cui farai delle scelte come entrambi i personaggi – continua fino al finale.

Questa è molto una storia di Max e Chloe. Chloe è una partecipante attiva e alla pari per tutto il tempo, e le scelte che i giocatori fanno come entrambi i personaggi influenzano direttamente lo sviluppo della storia e quale finale raggiungono.

Ogni personaggio ha anche i propri oggetti da collezione unici:

Max colleziona fotografie.

Chloe crea schizzi ispirati a momenti e ambienti chiave.

Ogni set di collezionabili ha il proprio obiettivo/trofeo dedicato.

Come nei precedenti titoli Life is Strange, i giocatori possono rivisitare le scene completate tramite Selezione Scena per trovare eventuali collezionabili persi senza riavviare il gioco o sovrascrivere il salvataggio attuale. Le scene contenenti collezionabili sono chiaramente segnalate, rendendo più facile per i completisti raggiungere il 100%.

Cosa succede se fallisci un incontro Backtalk? C'è la possibilità di, diciamo, 'riavvolgere' come Chloe e correggere eventuali errori?

'Fallire' un incontro Backtalk non è mai un ostacolo alla progressione. Al contrario, apre percorsi di dialogo alternativi, conseguenze e momenti tra i personaggi. In modo vero in stile Life is Stranger, non esiste un semplice "stato di fallimento", solo risultati diversi.

Chloe non ha la capacità di Max di riavvolgere il tempo, e quel contrasto è voluto. Meccanicamente e narrativamente, rafforza un tema centrale della storia: il contrasto tra qualcuno con il potere di rivedere all'infinito le sue scelte e che spesso dubita di aver fatto quella giusta, e qualcuno con la sicurezza nata dall'impegnarsi sempre nella sua scelta d'azione... ora scopre che la sua storia personale non è quella che pensava.

A livello meta, i giocatori possono rigiocare le scene dopo il completamento se vogliono esplorare diversi risultati, ovviamente. Ma all'interno della storia, le scelte di Chloe, proprio come quelle di Max, hanno peso. Le loro decisioni si influenzano a vicenda in modo significativo, aumentando tensione e tensione emotiva per tutto il tempo.

Quanti finali ci sono in Life is Strange: Reunion ?

Come capitolo conclusivo della saga di Max e Chloe, Life is Strange: Reunion presenta molteplici finali.

Senza entrare in spoiler, non esiste una singola scelta finale binaria. L'intero atto finale è plasmato da una serie di decisioni e ricompense che riflettono le scelte fatte dai giocatori durante il gioco. I risultati riguardano Max, Chloe, la gente di Caledon e la stessa Caledon:

Chi vive. Chi muore. Quello che resta indietro.

Ogni scelta ha delle conseguenze, e a volte le decisioni più intime sono le più potenti.

I giochi Life is Strange hanno sempre colonne sonore memorabili. Hai mai lavorato con volti noti per la colonna sonora Life is Strange: Reunion ?

La musica rimane centrale nell'identità di Life is Strange. Siamo lieti di confermare di aver nuovamente collaborato con Feel For Music, specializzata nel trovare artisti perfettamente adatti a singoli giochi e che hanno contribuito a formare l'identità musicale del franchise fin dall'inizio.

La colonna sonora presenterà tracce con licenza commerciale, brani originali completamente nuovi e una colonna sonora strumentale completa. I giocatori hanno già ascoltato la traccia originale di Tessa Rose Jackson "Past Life" nel trailer di annuncio e nei contenuti di anteprima.

Non vediamo l'ora di rivelare presto la tracklist completa e altri contributori.

Rispetto a Life is Strange: Double Exposure, quanto è grande Reunion e allo stesso modo quanto ti aspetti che durerà una partita?

Life is Strange: Reunion è paragonabile a Life is Strange: Double Exposure o Life is Strange: True Colors.

Anche se il tempo di gioco varierà a seconda delle scelte e dell'esplorazione, prevediamo che molti giocatori vorranno vivere la storia più volte.

A seconda che inizi il gioco con Chloe viva o morta, sperimenterai contenuti diversi su Chloe fin dall'inizio e variazioni narrative lungo il gioco, quindi ci sono incentivi significativi a rigiocare il gioco completo, non solo il finale.

Ci saranno modalità Grafica/Performance su console?

Sì. Su console, i giocatori potranno scegliere tra modalità grafica e performance, permettendo loro di dare priorità alla fedeltà visiva o al frame rate in base alle loro preferenze.
Informazioni più dettagliate e specifiche per piattaforma saranno condivise più vicino al lancio.

Grazie per aver dedicato tempo, Deck Nine! Life is Strange: Reunion verrà lanciato su PC, PS5 e Xbox Series X/S il 26 marzo.

Le 10 copertine PlayStation più sorprendenti

martin@gamereactor.it (Martin Carlsson) — Sat, 07 Mar 2026 11:00:00 +0100

Quando ho deciso di scegliere dieci cover per PlayStation, ho provato un senso di gioia, dato che è una console di gioco particolarmente a me e, a mio parere, una delle macchine retrò più importanti ancora oggi; un gadget elegante con un catalogo di giochi leggendario. Le regole sono state riscritte con nuove tecnologie rivoluzionarie e poligoni, personaggi 3D, un suono superiore tramite CD, impressionanti cutscene prerenderizzate e, ultimo ma non meno importante, innumerevoli titoli che consideriamo senza tempo.

Ma la maggior parte delle copertine dei giochi PlayStation, col senno di poi, non erano particolarmente belle. La maggior parte di loro non ha davvero resistito alla prova del tempo né è invecchiata con dignità, anche se molti sono sia brutti che nostalgici. Le copertine erano generalmente decorate con i tipici rendering in plastica di gioco dei personaggi principali, veicoli appariscenti, esplosioni e loghi assurdi; ognuno più appariscente e "in faccia" rispetto al precedente. Molto di questo testimoniava come Sony volesse confrontarsi con Sega e Nintendo, con la PlayStation che era l'adolescente più "matura" con un atteggiamento arrogante nella stanza. Ho dovuto cercare nella mia anima e ciò che all'inizio sembrava ovvio è diventato una vera sfida, eppure, nonostante ciò, sono riuscito a trovare alcune copertine che ho trovato spiccate in diversi modi.

10. Destino finale

Questa copertina spiccava sullo scaffale del mio negozio di noleggio locale, dove non potevo noleggiarla perché non ero abbastanza grande (a seconda di chi fosse dietro il bancone quel giorno, aggiungerei). Avevo anche alcuni amici più grandi che sono riusciti a superare queste restrizioni per me. Tuttavia, sono stato attratto dalla copertina nera in stile militare con un logo che suonava sia definitivo che violento, promettendo di più di tutto. "La bellezza sta nella semplicità", come si dice spesso, e questo ha creato un luogo dove i demoni vengono abbattuti con motoseghe o ridotti a pugni quando le munizioni finiscono di sfinimento.

9. Silent Hill

Ho sempre apprezzato quanto sia depravato. È sporco e grezzo, con una palette di colori arrugginita e decadente e un logo che è sia sgradevole che confusamente rotto. Qualcosa non va... In effetti, è stato così, poiché l'orrore psicologico e fisico regnava sovrano, con la fitta nebbia dell'epoca usata principalmente per nascondere difetti e limitazioni hardware durante la progettazione degli ambienti, cosa tanto intelligente quanto efficace, ma che da allora è diventata un tratto distintivo della serie di videogiochi, ancora oggi molto attuale.

8. Tekken 3

Avevo l'intera trilogia dei picchiaduro di Namco e ho giocato i primi due giorno e notte, sia da solo che contro i miei amici dopo la scuola, o nei fine settimana e nelle vacanze estive quando facevamo pigiama party. Le copertine dei primi due erano terribilmente brutte, ma la terza volta è stata fortunata, perché hanno creato qualcosa che considero sia iconico che interessante. Potrebbe essere solo una rappresentazione del nuovo combattente introdotto Jin Kazama che ti fissa con rabbia e si mette il guanto con cui ti colpirà, ma lo fa emanando potenza e sicurezza, dove l'aspetto generale e la combinazione di colori hanno sempre funzionato per me, a parte il tatuaggio tribale.

7. Wipeout 2097

Wipeout è esploso sulla scena con le sue corse futuristiche, dove le copertine hanno attirato l'attenzione con un concetto futuristico e linee rettiline, polarizzando un approccio leggermente sterile, essenziale e molto pulito senza fronzoli. Ha catturato l'attenzione proprio perché si distingueva per la sua semplicità, ma che definiva molto bene il profilo Sony quando il disco veniva caricato e gli hovercraft avanzavano a 1.000 km/h. 2097, con il suo tunnel a filo sulla copertina, potrebbe anche essere uno di quei lampeggianti add-on di equalizzazione per Winamp, per chi se lo ricordasse.

6. Storia vagabondo

Squaresoft, come veniva chiamata allora, avrebbe potuto occupare metà dei posti in questa lista con le loro copertine, anche quelle più semplici come Final Fantasy VII. Gli illustratori giapponesi, in questo caso Akihiko Yoshida (ancora attivo oggi presso Square Enix), furono dietro questa piccola opera d'arte. C'era una mentalità completamente diversa rispetto agli studi giapponesi; con un'enfasi su più orgoglio, finezza e artigianalità, qualcosa che faceva distinguere molti giochi di ruolo giapponesi sia per i bellissimi dipinti che adornavano le scatole, sia per i giochi. Vagrant Story era sicuramente uno di questi, su entrambi i fronti.

5. Gran Turismo

Il nome di questo gioco da solo merita un premio. È intransigente e trasmette classe in un segmento più raffinato, costoso e lussuoso. La decisione di Polyphony Digital di stampare il suo logo appropriato come un modello del battistrada degli pneumatici è stata geniale. "Il vero simulatore di guida". Non c'era alcun dubbio su cosa trattasse il gioco quando è arrivato in scena, tuttavia, non mi è piaciuto particolarmente questo titolo all'epoca. L'ho comprato per l'hype quando ero in vacanza con la mia famiglia lo stesso anno in cui è uscito, e semplicemente ero troppo giovane per avere la patente e preferivo giochi di corse arcade più leggeri come Ridge Racer.

4. Crisi dei dinosauri

Capcom ha fatto proprio il segno qui, in particolare cavalcando l'onda del celebre Jurassic Park di Steven Spielberg, che aveva conquistato il mondo intero qualche anno prima. Dopo che Shinji Mikami si è affermato come il maestro dei giochi horror con Resident Evil e ha deciso di concentrarsi sui dinosauri in un progetto secondario, hanno anche scelto una copertina che chiaramente flirtava con qualcosa di spiacevole e familiare che molti riconoscevano. La zampa del velociraptor accanto a una pozza di sangue era tanto terrificante quanto efficace, e sì... Ha lasciato un'impressione.

3. Metal Gear Solid

Adoro Yoji Shinkawa come illustratore e designer. Senza di lui, tutti i giochi di Hideo Kojima sarebbero probabilmente stati radicalmente diversi. Per Solid Snake... Non è un debutto, ma sicuramente un grande successo globale, la copertina è eccitante, subdola, accurata ed eseguita con stile come sempre. La silhouette con elementi che ricordano una telecamera termica in bianco e nero è una copertina che è passata alla storia. È stato uno dei migliori giochi per PlayStation, e sogno ancora un remake sontuoso che gli renda giustizia, a differenza dell'abominio che era The Twin Snakes per Gamecube.

2. Resident Evil

Cosa stiamo esattamente guardando qui? È un test delle macchie d'inchiostro di Rorschach e che arma ha in mano Chris Redfield (che suppongo dovrebbe essere)? È caotico ed è confuso, ma per me è una di quelle copertine che hanno definito l'era PlayStation. Vedo zampe di ragno e ombre che sospetto appartengano a quei maledetti mostri rana che ti hanno decapitato da un'angolazione che non ti aspettavi. L'orrore nell'occhio spalancato che fissa dritto nel terrore è passato alla storia e adoro la composizione. Resident Evil compie 30 anni quest'anno, e cos'altro c'è da dire se non congratulazioni e un brindisi ai prossimi 30!

1. Castlevania: Sinfonia della Notte

Ecco qui, la copertina che si aggiunge la torta, secondo la mia opinione soggettiva. Alucard, conosciuto anche come il figlio di Dracula, è ancora presente nel gioco Castlevania di Konami, ancora oggi senza pari, che è un vero piacere agli occhi. La ricchezza dei dettagli non lascia nulla a desiderare, con il castello sullo sfondo e i candelabri bruciati in primo piano, dove lo splendore gotico della serie di giochi e il reboot distintivo dello stile del marchio hanno rivoluzionato il genere. Il termine "Metroidvania" è stato coniato dopo aver preso in prestito senza vergogna dalla serie Metroid di Nintendo in termini di layout e meccaniche di design. Per caso possiedi questo gioco? Se sì, sei su una vera pepita d'oro che dovresti mettere su uno scaffale e magari incorniciarla anche tu, ma guardala comunque ogni giorno. Oggi vale soldi, molti soldi, quindi tienilo stretto.

Quali copertine ricordi con più affetto dalla PlayStation di Sony, il rullo compressore che ha sorpreso il mondo?

La nuova console Xbox ridefinisce il concetto di console da gioco

jonas@gamereactor.it (Jonas Mäki) — Fri, 06 Mar 2026 15:00:00 +0100

La maggior parte delle persone aveva già capito da tempo che tutto questo era in arrivo. I tempi in cui le console potevano essere tenute segrete sono ormai lontani, e oggi decine di migliaia di persone sono coinvolte in questi progetti, rendendo impossibile tenerli nascosti. Ma... non si può dire che Microsoft abbia provato a farlo nemmeno con la nuova console Xbox. Al contrario, hanno ripetutamente detto di avere un nuovo progetto in lavorazione e non si sono tirati indietro riguardo all'hype che ne ha parlato.

Come sarà la nuova console Xbox (immagine creata con l'IA)? Non lo sapremo ancora per un po', ma si potrebbe sospettare che Microsoft sceglierà un design diverso da Xbox Series X per prendere le distanze.

Forse la cosa più notevole è l'affermazione dell'ex responsabile di Xbox Sarah Bond secondo cui possiamo aspettarci "il più grande salto tecnico che abbiate mai visto", ma solo pochi mesi fa ha anche detto che "la console next-gen sarà un'esperienza molto premium, curata di fascia alta". Siamo ovviamente abituati a dichiarazioni audaci, ma queste sono così evidenti che Microsoft sarà severamente punita se non consegna almeno vicino a questo. Una marcia di vittoria sarà poi sostituita da meme beffardo, e loro lo sanno, ovviamente.

Ma il fatto è che è supportato da esperti della tecnologia. Il rinomato e altamente esperto di AMD KeplerL2 ha detto, tra le altre cose, che tutti i giochi, al 100%, appariranno meglio sulla prossima Xbox rispetto a PlayStation 6:

"Non vedo come PS6 possa eguagliare Magnus, ha meno core CPU, frequenza CPU più bassa, meno CU, meno ROP, frequenza GPU più bassa, cache e banda di memoria inferiori. Non è una differenza enorme ma Magnus dovrebbe avere prestazioni migliori nel 100% dei giochi, a differenza di questa generazione dove è più un 50/50."

Asha Sharma ha avuto l'onore di presentare la nuova console Xbox, ma ovviamente non ha realizzato tutto durante i suoi dieci giorni da capo; Quello che vediamo ora è interamente opera di Phil Spencer.

Ecco perché è entusiasmante che Microsoft abbia ora iniziato a davvero esagerare. Giovedì sera, la nuova responsabile di Xbox Asha Sharma ha annunciato tramite i social media che il nome provvisorio della nuova console è Project Helix, e abbiamo anche ricevuto un logo. Non è chiaro se Helix sarà effettivamente il nome definitivo; finora, Microsoft ha scelto altri nomi per il prodotto finito - il che è un peccato perché hanno sempre scelto un'opzione peggiore (non riesco a decidere se One o Series S/X sia la peggiore). Personalmente, penso che Helix sia perfetto, combinato con un filamento di DNA che collega PC, console e giochi.

https://www.threads.com/@xbox/post/DVg-fF9j33S

Il breve post di Sharma consiste principalmente in cinque dettagli entusiasmanti, uno dei quali è il nome Helix, ma analizziamo gli altri quattro: "Project Helix guiderà le prestazioni e giocherà ai tuoi giochi Xbox e PC. Non vedo l'ora di parlarne ancora con partner e studi al mio primo GDC la prossima settimana!"

Prima di tutto, afferma che la nuova console "guiderà nelle prestazioni", salendo così sul treno dell'hype che Sarah Bond, così come Phil Spencer, hanno contribuito a costruire. Sarà davvero una console potente; Non si può tirare indietro.

L'idea di rilasciare una nuova console molto prima che Sony sia pronta a sostituire la propria ricorda la strategia che Microsoft ha scelto con successo con la Xbox 360, quando Sony ha continuato con la PlayStation 2 per un altro anno.

La seconda cosa è, ovviamente, che conferma direttamente le voci secondo cui sarà una console ibrida che girerà anche giochi per PC. Non dice che potrà far girare giochi dall'Epic Games Store e da Steam, ma possiamo quasi presumere che lo farà, e ROG Xbox Ally funziona così. Questo è incredibilmente entusiasmante, perché significa molte cose. Ad esempio, probabilmente sarà gratuito online su Helix. Il multiplayer su PC è gratuito. Sarà anche possibile scaricare giochi gratuiti dall'Epic Games Store ogni settimana, oppure acquistare alcuni dei giochi molto più economici offerti su Steam che non sono nemmeno disponibili su altre console.

Forse la cosa più strana, che penso molti giocatori su console troveranno difficile da comprendere davvero, è che significa fondamentalmente che non importa più quanto venderà la prossima Xbox. È "solo" un PC, anche se nascosto in un telaio leggermente più piccolo con dettagli verdi. Uno dei tanti modelli computerizzati. Se vende peggio del Virtual Boy, non influirà significativamente su questa piattaforma; se venderà meglio della PlayStation 2, paradossalmente, non influirà significativamente, dato che è ancora solo un modello PC e si stima che ci siano circa due miliardi di giocatori PC nel mondo. Potrebbe influenzare la domanda per il servizio che trasforma Windows in una piattaforma di gioco basata su controller, ma anche questo non è certo, poiché probabilmente sarà una soluzione software che più persone potranno utilizzare.

Durante l'acquisizione da parte di Activision Blizzard, è trapelato sapere che Microsoft stava lavorando a un nuovo controller, e abbiamo sentito voci a riguardo in diverse occasioni nell'ultimo anno. Probabilmente verrà rilasciato per Helix.

La terza cosa che traggo da lei è che potremo giocare ai nostri giochi su Xbox. Suppongo che significhi retrocompatibilità. Microsoft è stata incredibilmente brava in questo, e poter continuare a giocare ai miei vecchi giochi è ovviamente un grande vantaggio. Forse le prestazioni extra contribuiranno a una retrocompatibilità ancora migliore (proprio come con Xbox Series X), ma questo resta da vedere. Ma... significa anche che in futuro verranno rilasciati giochi dedicati per Xbox? Forse, ma la mia reazione spontanea è dire di no.

Infine, abbiamo la quarta cosa rimasta, ovvero che vedremo di più alla Game Developers Concerence, che si terrà tra il 9 e il 13 marzo, ovvero già la prossima settimana. Un evento normalmente tranquillo è quindi destinato a essere davvero entusiasmante quest'anno, e se guardiamo al programma di Microsoft, hanno molto in programma (tanto che, col senno di poi, forse avremmo dovuto capire che qualcosa stava succedendo), non ultimo Costruire per il futuro con Xbox, premi Start: Prepara il tuo gioco PC per Xbox in un giorno e Costruisci una volta, Gioca ovunque: PlayFab alimenta i servizi di gioco cross-platform Xbox. Quindi aspettatevi molte notizie sul futuro di Xbox, su come funzionerà l'ecosistema, nuove funzionalità e altro ancora.

I giochi usciti diversi anni dopo per PlayStation 5, come Sea of Thieves e Forza Horizon 5, hanno venduto altrettanto bene, quindi forse Microsoft può avere la botte piena e la moglie ubriaca, lasciando andare Helix prima che altri si riprendano una parte degli avanzi?

Detto questo, ci sono ancora molte cose che non sappiamo. Non ultimo il costo in questi tempi di carenza di componenti, come sarà il nuovo controller, se sarà possibile aggiornare l'hardware, se altre aziende potranno produrre Helix e quando sarà rilasciato.

Inoltre, c'è l'elefante nella stanza: che dire dei giochi esclusivi? Non c'è dubbio che il marchio Xbox abbia sofferto per la mancanza di esclusive, ma non c'è dubbio che Microsoft abbia guadagnato con le uscite PlayStation. Asha Sharma ha rilasciato dichiarazioni che hanno portato i fan a credere che potrebbero esserci cambiamenti nella strategia multi-formato, e anche Sony sembra desiderosa di tornare un po' indietro su questo concetto. Sembra improbabile che lasceranno di nuovo PlayStation, ma non sarebbe del tutto irragionevole che iniziassero a lavorare di più con esclusive temporali. Consideriamo, ad esempio, l'idea che The Elder Scrolls VI sarebbe stato un titolo di lancio per la console e non sarebbe disponibile in altri formati per un anno.

Un effetto collaterale interessante dell'approccio ibrido è che Xbox Play Anywhere diventa ancora più allettante. I giochi che acquisterai oggi per Xbox saranno giocabili come titoli PC con notevoli miglioramenti grafici grazie a Helix.

Aspettatevi altre risposte sul futuro la prossima settimana, anche se ovviamente non sapremo tutto. Come al solito, qui a Gamereactor parleremo di tutto, e sarà molto interessante sentire cosa si dice su Xbox Helix. Il fatto che Microsoft sia disposta a investire in questo modo è un buon segno, e sarà entusiasmante vedere come Asha Sharma intenda aumentare nuovamente le vendite di Xbox dopo alcuni anni davvero difficili per il team verde.

Parliamo di lunghezza, difficoltà e ispirazione con le persone dietro The Eternal Life of Goldman

magnus@gamereactor.it (Magnus Groth-Andersen) — Mon, 02 Mar 2026 17:00:00 +0100

Non molto tempo fa, abbiamo pubblicato le nostre impressioni sull'ultima demo di The Eternal Life of Goldman, un platform disegnato a mano che è stato sviluppato da molti anni su Weappy e che si avvicina rapidamente al rilascio quest'anno.

Per Weappy, la strada verso il lancio è stata lunga e tortuosa, ma ora che la luce si vede alla fine del tunnel di sviluppo, abbiamo parlato con il produttore Andreas Schmiedecker per ottenere risposte alle ultime domande rimaste, così sarai ben preparato quando il gioco arriverà finalmente. Parliamo di strumenti di intelligenza artificiale, della durata media del gioco e molto altro.

Ok, cominciamo!

Prima di tutto, potresti spiegare un po' meglio la dimensione specifica del gioco; Quanto pensi che duri una partita media e ci sono motivi per giocare più volte?

"C'è un po' di varietà, considerando i diversi stili di gioco (guardare appunti, trovare segreti, leggere tutti i dialoghi), ma una partita probabilmente durerà tra le 12 e le 16 ore.
Il gioco non è davvero pensato per molte partite, è un'esperienza abbastanza diretta con una storia completa e autonoma. Detto ciò, alcuni segreti, comprese le aree opzionali, richiedono un po' di ingegno e sequenze di azioni piuttosto elaborate per essere sbloccate. Quindi, per chi sceglie di rigiocare il gioco ed esplorarlo al 100%, ci saranno sicuramente cose da scoprire."

Forse l'aspetto più attraente del gioco per molti è la grafica. Potresti raccontarci qualcosa delle fonti di ispirazione dietro questo look? Come sei arrivato a questo stile specifico e ci sono voluti diversi 'tentativi' per arrivarci?

"Esiste una gamma di influenze da fonti diverse - non solo da uno stile. Tecnicamente, è stato fatto per lo più come si facevano i film d'animazione. Le opere sono realizzate a mano e per lo più digitalmente. Tuttavia, e a seconda del risorso specifico, molte opere d'arte passano attraverso la fase di "schizzo fisico" prima di essere finalizzate digitalmente.

"Esteticamente, l'influenza più costante sono probabilmente i fumetti franco-belgi, soprattutto Hergé e lo stile artistico "ligne claire". Quindi fondamentalmente ci atteniamo a un lavoro di linea molto tradizionale e rigoroso. Dato che lo sviluppo ha richiesto circa nove anni (finora), sì, molti elementi hanno attraversato varie iterazioni. Quello che è successo soprattutto è che l'asticella della qualità è stata alzata aggiungendo più dettagli, animazioni e così via, quindi anche altre parti del gioco hanno dovuto migliorare!"

Difficoltà e bilanciamento sono argomenti importanti tra i giocatori di oggi. Come affronta Weappy questa sfida? Ci sono diversi livelli di difficoltà o stai lavorando con una modalità bilanciata?

"Attualmente puntiamo a una modalità bilanciata, ma stiamo anche raccogliendo attivamente i feedback dei giocatori sulla difficoltà della demo e prenderemo una decisione per l'intero gioco."

Se ora ci spostiamo un po' sul settore più ampio, come la vedi come studio riguardo agli strumenti di IA nello sviluppo di giochi? Create distanza tra i diversi tipi di utilizzo e ci sono principi guida per voi come gruppo?

"Usare strumenti di IA per la produzione artistica in questo gioco sarebbe praticamente contrario all'idea di farlo in questo modo fin dall'inizio. Quindi, non era davvero un'opzione per noi. Non importa come la tecnologia si sviluppi oggi, c'è un posto e un pubblico per l'arte fatta a mano."

Puoi riportarci alla fase più iniziale di sviluppo? Quanto tempo ci è voluto per arrivare fin qui e che tipo di percorso è stato per lo studio?

"I primi prototipi sono iniziati già intorno al 2016, ma il gioco è entrato in produzione completa nel 2019. Quindi ci è voluto molto tempo. Quando la squadra ha deciso che l'unico modo per realizzare un gioco del genere era impegnarsi completamente, senza tagliare angoli o fare troppi compromessi, è diventato chiaro a cosa ci siamo impegnati."

Che tipo di esperienza speri che The Eternal Life of Goldman possa offrire ai giocatori? Cosa speri di farli sentire?

"È una domanda ottima, ma anche difficile. Potremmo immaginare che il gameplay sia a tratti un po' impegnativo, ma anche piuttosto soddisfacente. Stiamo realizzando il side-scroller dei nostri sogni, e il nostro approccio è stato quello di utilizzare gli elementi che sembrano adatti a questo gioco specifico, provenienti da una vasta gamma di direzioni e sottogeneri. Quindi speriamo che i giocatori che apprezzano quei generi e gli elementi dei classici side-scroller e Metroidvania reagiscano positivamente a questi elementi. Dato che c'è qualcosa di molto puro nel gameplay side-scroller, speriamo che la gente apprezzi questo. Allo stesso tempo, la storia può andare in luoghi oscuri, e capiamo che questo suscita anche emozioni complesse. In sintesi, siamo davvero entusiasti che i giocatori possano vivere questo mondo."

Quali sono state le sfide più grandi nella creazione del gioco e quali consideri le questioni chiave che gli studi come il vostro affrontano oggi?

"Come studio indipendente, qualsiasi progetto di quelle dimensioni è un grande rischio da correre. Le tendenze cambiano rapidamente al giorno d'oggi, quindi impegnarsi così a lungo in un progetto come questo è una grande scommessa che alla fine funzioni."

The Eternal Life of Goldman si spera arriverà presto su PC, PS5, Xbox Series e Nintendo Switch/Switch 2.

Intervistiamo quello che probabilmente è lo studio indie più divertente di Svezia

jonas@gamereactor.it (Jonas Mäki) — Mon, 02 Mar 2026 11:00:00 +0100

L'acclamato Cuphead e il prossimo Mouse: P.I. For Hire non sono gli unici giochi animati con tubi di gomma che possiamo godere nel mondo del gaming. Lo sviluppatore svedese She Was Such A Good Horse (con sede a Malmö) sta attualmente lavorando al sorprendente e affascinante Into the Unwell, un roguelite in terza persona in cui fino a tre persone assumono i ruoli di quelli che gli sviluppatori definiscono "problematici e pesantemente medicati emarginati".

Questo sembra ovviamente entusiasmante, quindi abbiamo deciso di parlare un po' di più con loro di questo progetto promettente e abbiamo avuto l'opportunità di fare domande a Mårten Stockhaus, direttore creativo di Into the Unwell.

Mårten Stockhaus è il direttore creativo di Into the Unwell e la persona che ha risposto alle nostre domande.

Into the Unwell sembra allo stesso tempo divertente e scomodo. Come bilanciate il tono tra l'assurdo e l'oscuro senza che uno prenda il sopravvento sull'altro?

Stockhaus: Il tono umoristico ci permette di avventurarci in zone oscure senza che diventi troppo difficile da assimilare, un po' come quando nascondi medicine nel gelato o versi Fanta negli alcolici.

Secondo te, cosa reagiranno i giocatori prima quando inizieranno a giocare?

Stockhaus: Spero che reagiranno al fatto che abbiamo un buon ciclo di combattimento e un gioco divertente, ma probabilmente reagiranno a un personaggio rosa che fissa il giocatore dal bordo della mappa o che beve moonshine che ti rende più forte.

Into the Unwell uscirà nel 2026.

Quanto presto nel progetto sapevi che tipo di gioco sarebbe stato meccanicamente, e quanto hai scoperto lungo il percorso?

Stockhaus: Sapevamo fin dall'inizio che volevamo creare un roguelite e che sarebbe stato in terza persona e in cooperativa. Tutto questo rimane, ma prima avevamo combattimenti molto più strategici con la resistenza, come in un gioco Soulslike. Col tempo, abbiamo reso il ritmo più veloce. La sensazione del gioco è sempre stata importante per noi, e vogliamo che la grafica e le meccaniche funzionino bene insieme.

Lo stile visivo del gioco spicca subito. Quali limiti creativi hai stabilito fin dall'inizio per evitare di cadere nella "solita estetica indie" e cosa hai deciso attivamente di tralasciare fuori?

Stockhaus: Abbiamo sempre voluto realizzare il gioco in 3D, cosa che molti studi indie non fanno, quindi penso che fossimo un po' diversi sotto questo aspetto. Ma poi Felix, il nostro direttore artistico, era entusiasta di fare qualcosa con i tubi di gomma fin dall'inizio, e noi altri abbiamo trovato davvero entusiasmante la cosa! Apre molte idee creative che altri stili grafici non permettono.

Non devi giocare da solo; Puoi giocare in cooperativa fino a tre persone.

Come avete progettato la cooperativa in modo che tutti i giocatori si sentissero importanti, anche se hanno livelli di abilità diversi?

Stockhaus: Non esistono davvero sistemi che controllano quanto sia bravo qualcuno, ma ci sono altri sistemi, come i nemici che reagiscono al giocatore più attivo, il che significa che un giocatore potrebbe attirare più attenzione del nemico. Il gioco avrà anche diversi livelli di difficoltà sotto forma di "ricadute", il che significa che il gioco introduce gradualmente più difficoltà e altri elementi. Il gioco è difficile. La vita è più difficile. Entrambe le cose diventano più facili con un amico!

Qual è stato il più grande errore di design durante lo sviluppo che hai dovuto abbandonare, e cosa hai imparato da questo?

Stockhaus: Ce ne sono alcuni. Volevamo davvero che i personaggi vomitassero se bevevano troppo "moonshine"... È comunque un'ottima idea che non mi è mai sembrata del tutto giusta. Significava che i giocatori dovevano tenere troppo traccia delle loro pile, e il gioco perdeva gran parte del suo slancio. Anche oggi, un anno dopo averlo rimosso dal gioco, riflettiamo su come riportarlo nel gioco. Forse lo risolveremo domani!

Finora è stata annunciata solo una versione PC, ma incrociamo le dita affinché venga rilasciata anche su console.

Quale parte del gioco pensi che rappresenti meglio ciò che Into the Unwell cerca di trasmettere?

Stockhaus: Ogni personaggio possiede talenti unici che possono essere sbloccati durante il gioco, e rappresentano quel personaggio; Prendiamo le loro debolezze e le trasformiamo in punti di forza. Il nostro personaggio gallo, ad esempio, ha un rapporto malsano con il gioco d'azzardo, e i suoi talenti ti danno poteri casuali o gli permettono di evocare una slot machine, che è la sua migliore amica.

Se Into the Unwell avrà successo, sembra l'inizio di una serie di giochi e di un universo, o è un'opera che reggerà completamente da sola?

Stockhaus: Non credo che nessuno di noi si sia stancato di questo mondo, e stiamo continuamente inventando nuove idee divertenti che vorremmo includere. Quindi, se c'è interesse a vedere altri di Into the Unwell, abbiamo ancora molto da raccontare!

Tempo davanti allo schermo - marzo 2026

ben@gamereactor.it (Ben Lyons) — Mon, 02 Mar 2026 09:00:00 +0100

Marzo è finalmente arrivato e la primavera è quasi arrivata. Mentre salutiamo con passo certo i monotoni mesi invernali, potresti cercare qualcosa di nuovo da guardare per riempire le notti buie finché restano. Se così fosse, abbiamo buone notizie: marzo è ricco di ottime opzioni nei cinema e su tutte le piattaforme di streaming.

Come sempre, abbiamo basato le nostre scelte su un calendario di uscite del Regno Unito, quindi assicurati di controllare localmente per annunci e informazioni accurate.

Peaky Blinders: L'Uomo Immortale [Netflix] - 6 marzo

Per iniziare il mese c'è il primo di molti progetti Netflix che abbiamo scelto di mettere in evidenza. Anche se questo film arriverà effettivamente sul video prima del 20 marzo, avrà prima una proiezione cinematografica di due settimane, durante la quale vedremo come Cillian Murphy tornerà nel ruolo di Tommy Shelby e riuscirà a prendere il controllo della sua ex gang e dell'impero di Birmingham a un gruppo di giovani indisciplinati e violenti.

La Sposa - 6 marzo

Hai visto la storia di Frankenstein, ma ora è il momento di incontrare l'amante del mostro. The Bride è l'ultimo film della regista Maggie Gyllenhaal, un film che segue il famoso mostro mentre chiede a un medico di creargli un partner, una mossa che porta a più domande e problemi di quanto si aspettassero, mentre la dinamica sociale degli anni '30 viene messa in discussione e la coppia si ritrova in fuga in modo simile a Bonnie e Clyde.

War Machine [Netflix] - 6 marzo

Un altro progetto Netflix che potrebbe attirare la tua attenzione. War Machine è un film d'azione fantascientifico che segue il duro apprendista militare interpretato da Alan Ritchson mentre deve sopravvivere a una minaccia futuristica di robot persistente e mortale, il tutto mentre è isolato in una foresta lontana. Con un setup simile a Terminator, questo film mostra come un gruppo di coraggiosi reclute delle forze speciali superi una sfida in cui qualsiasi errore potrebbe significare l'annientamento totale.

Hoppers - 6 marzo

Pixar torna con un altro film d'animazione che non vorrai perderti. Hoppers è una premessa esilarante e deliziosa che esplora come una single amante degli animali di 19 anni si impegni a scoprire i segreti più grandi del mondo animale, il tutto inserendo la sua coscienza nella mente di un castoro robotico. Sì, aspettatevi buffonate e adatte alle famiglie in questo film teatrale imperdibile.

One Piece: Stagione 2 [Netflix] - 10 marzo

Abbiamo dovuto aspettare tre anni per il ritorno della serie live-action di Netflix su One Piece, ma per fortuna questa attesa è quasi finita. Monkey D. Luffy e i pirati dei Pappella prosegueranno presto il loro epico viaggio verso la Grand Line, con un secondo giro di episodi che introduce volti e personaggi ancora più iconici, oltre a villain e minacce con cui non si può prendere alla leggera.

Come fare un affare - 13 marzo

Glen Powell è uno dei nomi più importanti del cinema di oggi e A24 è uno studio con cui tutti vogliono lavorare, quindi sicuramente i due sono una coppia perfetta? Come protagonista di How To Make a Killing, Powell interpreta il figlio disconosciuto di una famiglia molto ricca, che ha deciso di prendersi la sua fetta di torta eliminando semplicemente tutti i parenti che gli si presentano davanti secondo l'ordine di diritto e volontà di proprietà della famiglia.

Sottotono - 13 marzo

È un momento eccellente per essere un appassionato di horror cinematografico. A24 torna con il suo secondo film del mese, chiamato Undertone, un progetto sorprendente e promettente che mostra come una conduttrice di podcast si trova ad essere infestata dopo aver ascoltato registrazioni terrificanti come parte della sua serie di misteri soprannaturali. Inutile dire che questo non è per i deboli di cuore, quindi dai un'occhiata se hai il coraggio.

Invincible: Stagione 4 [Prime Video] - 18 marzo

La promessa di stagioni annuali di Invincible è stata mantenuta da Prime Video negli ultimi due anni e il 2026 non cambierà questo. La attesa quarta stagione dell'adattamento animato sta per arrivare, dove possiamo aspettarci di vedere esplorare alcune trame importanti, tra cui il ritorno di Omni-Man sulla Terra, cosa è successo a Conquest e persino come la grande guerra Viltrumita-Coalizione dei Pianeti finisca... almeno per un po'.

Progetto Ave Maria - 20 marzo

Già acclamato da molti come film imperdibile quest'anno, il grandioso e ambizioso adattamento di Project Hail Mary punta a diventare il film cinematografico fantascientifico dell'anno. Con Ryan Gosling al timone, questo film esplora come un insegnante di scienze venga inviato nello spazio profondo nel tentativo di trovare una soluzione a una sostanza che sta uccidendo il sole del nostro sistema solare, sebbene con la complicazione aggiuntiva di perdere la memoria lungo il percorso e diventare amico di un alleato improbabile.

Daredevil: Born Again: Stagione 2 [Disney+] - 25 marzo

Dopo il debutto della prima stagione lo scorso anno, è il momento che Charlie Cox torni a indossare il costume come l'uomo senza paura, darei daredevil: Born Again continua questo marzo. Riprendendo qualche mese dopo la prima stagione e portandoci in una New York sotto il controllo del Kingpin, dove i vigilanti sono trattati come il nemico pubblico numero uno, questa nuova serie di episodi vedrà il ritorno di un gruppo di volti familiari, tra cui Krysten Ritter nei panni di Jessica Jones.

Ti uccideranno - 27 marzo

Amiamo un film con un esercito di una sola persona, e se anche a voi piace, non vorrete perdervi They Will Kill You. Questo film violento segue la protagonista di Zazie Beetz, che, dopo aver accettato un lavoro come governante in un grattacielo a New York, si ritrova braccata e attaccata dai residenti e dai dipendenti, in un gioco molto oscuro e contorto del gatto col topo. Riuscirà a scappare e arrivare al mattino? Dovremo sintonizzarci per scoprirlo.

Ecco fatto, un altro Screen Time è tra le serie. Assicuratevi di tornare tra qualche settimana, quando cercheremo di esplorare le grandi novità per gli spettatori di cinema e gli utenti dei servizi di streaming nel mese di aprile 2026.

Le 10 copertine Super Nintendo più sorprendenti

conny@gamereactor.it (Conny Andersson) — Sun, 01 Mar 2026 11:00:00 +0100

Il Super Nintendo Entertainment System, meglio conosciuto come SNES, è cambiato tantissimo. I giochi sono passati dall'essere abbastanza semplici con pochi pixel sullo schermo a fiorire in qualcosa di davvero spettacolare. La maggior parte delle principali serie di videogiochi di Nintendo ha avuto sequel fantastici, e anche se ho scelto nuovi giochi basandomi su criteri diversi dalla grafica delle scatole cool, c'era qualcosa in una scatola di cartone e in un manuale che sembrava una parte fantastica dell'infanzia.

In passato abbiamo elencato i nostri preferiti per PC, e anche per Xbox. Ora tocca a elencare i nostri dieci preferiti per il fantastico Super Nintendo. Va anche aggiunto che, poiché i giochi SNES erano disponibili in scatole di cartone, che si consumavano col tempo, alcuni giochi potevano essere difficili da trovare in buone condizioni o anche con immagini ad alta risoluzione. Perciò, a volte devo "barare" con le versioni americane o scattare una foto di una scatola (leggermente consumata) che qualcuno ha scansionato. Dovrai accontentarti di quello che ho trovato.

10. The Legend of Zelda: Un legame con il passato

A prima vista, questa può sembrare una scelta piuttosto noiosa. Potrebbe anche sembrare una scelta fatta solo perché amo Zelda, dato che penso che questo capitolo sia uno dei migliori giochi al mondo. Certo, questo ha un ruolo. Eppure, non posso fare a meno di amare quella custodia dorata, adornata solo dal titolo del gioco e da uno scudo e una spada davvero belli. È davvero un caso di "lascia che il titolo parli da solo" al massimo livello, fidandoti che ti attirerà, manterrà tutto misterioso e creerà aspettative per qualcosa di epico. Se avessi fatto questa lista basandomi solo su connessioni personali con qualcosa, sicuramente sarei finito più in alto, ma la cosa principale è che sia incluso.

9. F-Zero

Quello che mi piace di più è il logo del gioco. Poi guardi gli hovercraft, la grande città sullo sfondo, e lentamente inizi a vedere la scelta stilistica. Tende un po' verso qualcosa di puramente artistico, un po' come un dipinto, in un certo senso. Senza davvero rivelare la velocità enorme o la grafica pixelata piuttosto grezze del gioco, si ha comunque la sensazione di un gioco di corse futuristico che promette qualcosa di particolarmente speciale.

8. Lemmings

Quando ho iniziato a mettere insieme questa lista, non volevo puntare solo ai giochi con cui ho un legame personale. Detto questo, ho giocato molto a Lemmings, ma non lo considererei uno dei titoli a cui ripenso. Come molte altre copertine di questa lista, è principalmente il titolo del gioco che mi piace, perché è molto giocoso nel suo design, così come tutti i carini piccoli Lemming che arrampicano e giocano. Poi c'è l'immagine stessa, che è molto significativa, dato che i Lemming sembrano saltare verso la morte se non li aiuti. È divertente e appropriato.

7. Mario Kart

Puoi guardare ogni personaggio su questa copertina e sentirti felice. Hanno tutti così tanto carattere, e quando riunisci alcuni dei personaggi più famosi e unici del mondo videoludico su una copertina vivace, è difficile non sorridere. Mi piace come abbiano aggiunto oggetti come monete, bucce di banana e il guscio che colpisce Bowser, e a parte un angolo leggermente poco lusinghiero su Yoshi, adoro le espressioni facciali dei personaggi. C'è così tanta energia e gioia qui, ed è sicuramente una copertina che suggerisce l'intrattenimento che il gioco ha da offrire.

6. Paese di Donkey Kong

Questa è stata complicata. Non penso che le versioni renderizzate in 3D di Asino e Diddy siano particolarmente attraenti. Sembrano di plastica. Ma allo stesso tempo, è molto appropriato per il design visivo che Rare ha poi ricreato nel gioco. Mi piacciono anche dettagli come il serpente che striscia fuori dalla scatola stessa, e il fatto che così tanti personaggi e l'ambiente siano inclusi. Capisco davvero come qualcuno possa prendere in mano questa copertina e essere affascinato e curioso di come potrebbe essere il gioco e poi soddisfare tutte le aspettative che la copertina stessa crea.

5. Mario Paint

Capisco che dal punto di vista del marketing volessero includere la mano per dimostrare che viene fornita con mouse e mouse pad. Questa è davvero l'unica cosa che non mi piace di questa copertina. Ma Mario e la sua tela sono perfetti. I colori riescono a trasmettere ciò che contiene il gioco, così come le note musicali. Soprattutto, c'è una cosa che la copertina riesce a fare: dimostrare la creatività che il gioco offre. Per chi di noi si è seduto a dipingere, creare musica e sfruttare i vari strumenti disponibili, Mario Paint è stato qualcosa di davvero fantastico negli anni '90. Era un gioco completamente diverso da qualsiasi altro che avessimo, qualcosa senza uno scopo (tranne forse finire il proprio lavoro), ma qualcosa che faceva emergere il pittore o il musicista che è in te, anche se con strumenti abbastanza semplici. Mi sento anche molto felice ogni volta che guardo questa copertina.

4. Super Mario World 2: L'isola di Yoshi

Come per la maggior parte delle copertine di questa lista, non so davvero perché mi piaccia. Beh, mi piace Yoshi, mi piace Baby Mario, e mi piace il grande mostro blu. Mi piace che lo sfondo dipinga un po' lo stesso stile visivo dell'avventura stessa. Anche se non succede molto, risulta comunque frenetico ed emozionante. Offre lo stesso tipo di fascino che spesso hanno i giochi Nintendo, cosa importante di per sé quando la copertina è pensata per completare e spiegare il gioco.

3. Segreto del Mana

C'erano copertine che fissavo a lungo da bambino. Questa era una di queste. I personaggi in primo piano. L'albero gigante sullo sfondo. Non serve molto per creare la magia se fatta bene. È una copertina che usa principalmente una combinazione di colori ed è per questo che sia il titolo che i personaggi si distinguono così tanto. Poi c'è il fatto che l'albero e il resto dell'ambiente forestale sullo sfondo sono realizzati in modo incredibilmente efficace. È una copertina che in molti modi invita all'immaginazione e ai sogni, che sono proprio le sensazioni associate a Secret of Mana.

2. Ascia

Selezionare le scelte in cima alle classifiche è difficile. Probabilmente potrei valutare i primi tre in modo completamente diverso a seconda del mio umore, ma per quanto questo gioco sparatutto sia visivamente attraente, la copertina è altrettanto attraente. Il titolo attraversa direttamente un'astronave e un mostro di fuoco. La composizione è perfetta, i dettagli sono incredibili ed è sicuramente una copertina per cui comprerei il gioco. Come praticamente per tutte le altre cover SNES, mi sarebbe piaciuto vedere l'intera superficie utilizzata. Invece, otteniamo queste aree nere con loghi diversi e altro disordine. Ma se ti concentri solo sull'immagine stessa, la adoro.

1. Super Castlevania IV

Qualunque sia la lista che si faccia, il primo posto è difficile. Proprio come ho scritto della copertina sopra, Secret of Mana, Axelay o questo avrebbero certamente potuto scambiarsi il posto. Ma devi scegliere. La copertina di Super Castlevania IV è incredibilmente bella. È un'altra di quelle copertine che potrebbero farmi comprare il gioco solo guardandolo. Forse il titolo avrebbe potuto essere un po' più elegante, ma l'immagine stessa è quasi perfetta. Tutti i mostri e lo stile gotico sono catturati così bene. Mi piacciono in particolare le doppie teste di drago e lo scheletro che si erge sopra Simon, e mi piace anche che si distingua per colore rispetto alla copertina altrimenti blu-grigia. Se avessi visto qualcosa del genere oggi (e non sapessi nulla della serie), mi aspetterei quasi un epico gioco open-world. Semplicemente fantastico.

Partite da cercare - marzo 2026

ben@gamereactor.it (Ben Lyons) — Sat, 28 Feb 2026 12:00:00 +0100

Le giornate buie e grigie dell'inverno stanno lentamente finendo e siamo ora proprio sull'orlo dell'arrivo della primavera. Solo perché le giornate sono più lunghe e il tempo più mite, non significa che tu debba allontanarti dal PC o dalla console, dato che questo marzo è pieno zeppo di nuovi promettenti giochi di una vasta gamma di generi. Si preannuncia un mese molto intenso, quindi detto questo, immergiamoci nell'ultima edizione di Games To Look.

World of Warcraft: Midnight (PC) - 2 marzo

A dare il via è il ritorno nel continente fantasy di Azeroth per la seconda espansione della più ampia Worldsoul Saga per l'MMORPG di Blizzard. World of Warcraft: Midnight ci riporterà nel regno elfico di Quel'Thalas alla vigilia della grande invasione delle forze di Xal'atath, un momento chiave e cruciale nella narrazione più ampia di questo gioco che esplora come la Tempesta del Vuoto minacci di travolgere e avvolgere il mondo in completa oscurità.

Scott Pilgrim EX (PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S, Switch) - 3 marzo

Non serve alcuna presentazione a questa leggenda dei videogiochi. L'iconico Scott Pilgrim torna alle sue radici pixelate da beat 'em up in questo nuovissimo titolo che esplora cosa succede quando i compagni di band dell'eroe titolare vengono rapiti da forze oscure. Portando la storia in una nuova direzione e vedendo Scott affrontare tre nuove fazioni nemiche, questa evoluzione della formula porta meccaniche di combattimento fresche, personaggi migliorabili e molti segreti.

Marathon (PC, PS5, Xbox Series X/S) - 5 marzo

Dopo ben oltre un decennio conosciuto come lo sviluppatore di Destiny, Bungie sta nuovamente mostrando le sue capacità creative e tornando a uno dei suoi franchise più antichi. Marathon è questo grande lancio, uno sparatutto di estrazione ambientato in un mondo di fantascienza freddo e oscuro dove i giocatori devono cacciare, saccheggiare, saccheggiare e assemblare build più forti nel tentativo di ripetere e accedere a missioni ancora più ricche e rischiose. Hai quello che serve?

Pokémon Pokopia (Switch 2) - 5 marzo

Il lancio principale del mese per Nintendo Switch 2 arriva poco dopo il Pokémon Day annuale e offre un'esperienza molto unica rispetto a ciò che abbiamo visto in passato dalla serie. Pokémon Pokopia è un'avventura in stile Animal Crossing che incontra Viva Pinata, dove i giocatori assumono il ruolo di un curioso Ditto incaricato di riportare vita e carisma da mostro tascabile in un terreno altrimenti piuttosto desolato.

Planet of Lana II: Children of the Leaf (PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S, Switch 2) - 5 marzo

A questo punto, abbiamo già visto arrivare alcuni grandi titoli triple AAA questo marzo, quindi perché non fare un po' di pulizia della palette ed esplorare lo spazio indie per qualche ora. La squadra di Wishfully è pronta a tornare presentando il tanto atteso Planet of Lana II: Children of the Leaf, un'avventura coinvolgente e colorata che vede una ragazza e il suo insolito alleato felino attraversare vari biomi alla ricerca di una cura per la malattia della sorella.

John Carpenter's Toxic Commando (PC, PS5, Xbox Series X/S) - 12 marzo

Mostri, camion, armi e azione cooperativa. Dobbiamo dire altro per convincerti di Toxic Commando di John Carpenter? Questo titolo FPS debutterà offrendo un'esperienza simile a Back 4 Blood, dove un gruppo di fino a quattro giocatori dovrà attraversare un livello pericoloso, completare compiti, trovare potenziamenti e tutto affrontando orde di mostri attaccanti. Aspettatevi caos frenetico in questo titolo d'azione.

Greedfall II: Il mondo morente (PC, PS5, Xbox Series X/S) - 12 marzo

Un seguito che, in senso narrativo, è in realtà un prequel. È proprio questo che lo sviluppatore Spiders ha offerto con Greedfall II: The Dying World, un capitolo successivo che, dopo anni di miglioramenti in Early Access, è ora pronto per un lancio su larga scala anche su console. Ancora una volta, questo capitolo esplora come l'Impero Deutano si trovò originariamente sulle coste di Uxantis e formò una forza che avrebbe limitato e soggiogato i nativi della terra.

1348 Ex Voto (PC, PS5) - 12 marzo

Se stai cercando un'altra rappresentazione cupa e più autentica dell'Europa medievale, lascia che rivolgiamo la tua attenzione a 1348 Ex Voto, un gioco d'avventura che segue una giovane cavaliere errante che parte per un viaggio brutale attraverso l'Italia per salvare la persona a cui tiene di più. Non aspettatevi un fantasy scintillante in questo titolo estenuante e fangoso che vede la partecipazione delle voci di Jennifer English, tra gli altri.

Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection (PC, PS5, Xbox Series X/S, Switch 2) - 13 marzo

Capcom ha fatto un lavoro ammirevole nel proporre ogni anno una nuova avventura di Monster Hunter ultimamente, e dopo Wilds del 2025, ora abbiamo il prossimo capitolo della serie Stories nel 2026, un gioco noto come Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection. Seguendo un Rathalos Rider, questo RPG esplora il rapporto che gli esseri umani possono instaurare con i mostri e vede come un eroe tenti di prevenire una guerra civile scioccante.

Crimson Desert (PC, PS5, Xbox Series X/S) - 19 marzo

Quello che inizialmente era stato lodato come un gioco molto ambizioso si è poi trasformato in uno dei titoli più attesi dell'anno. Crimson Desert di Pearl Abyss debutta questo marzo e porta con sé un'avventura RPG straordinaria e immensamente ampia che segue un eroe nel regno fantasy di Pywel, abitato da uomini, mostri e poteri soprannaturali. Con il pericolo dietro ogni angolo, avrai ciò che serve per ritagliare la tua leggenda e abbracciare il tuo destino?

Screamer (PC, PS5, Xbox Series X/S) - 26 marzo

I team di Milestone sono tradizionalmente conosciuti per tutto ciò che riguarda le corse di simulazione, ma hanno anche esperienza nel segmento delle corse arcade, cosa che metteranno ancora più in mostra con il prossimo arrivo di Screamer. Questo gioco di corse ispirato agli anime ci porta in un mondo distopico immaginario dove ogni personaggio prende la strada alla ricerca di gloria o vendetta e dove ogni auto è un'arma destinata alla distruzione.

Life is Strange: Reunion (PC, PS5, Xbox Series X/S) - 26 marzo

L'ultimo capitolo della amata serie d'avventure narrativa ricca di Square Enix debutterà alla fine di marzo e offrirà una storia che cercherà di concludere la saga in corso di due dei suoi protagonisti più famosi. Max Caulfield torna al comando in questo atteso capitolo, dove è affiancata dalla ritornata Chloe Price, entrambe che cercano di capire come quest'ultima sia tornata nella vita di Max, mentre danno la caccia ai colpevoli di un incendio altamente distruttivo.

Mega Man Star Force: Legacy Collection (PC, PS4, PS5, Xbox Series X/S, Switch) - 27 marzo

Con così tante raccolte di giochi nostalgiche che stanno arrivando oggi e si stanno rivelando un grande successo tra i fan, è sembrato naturale concludere il GTLF di questo mese mettendo in luce Mega Man Star Force: Legacy Collection. Disponibile su tutte le piattaforme, questo pacchetto riunisce tutti e sette i giochi della serie Mega Man Star Force in un insieme imperdibile che dovrebbe placare la fame anche dei giocatori arcade e retrò più affamati.

Questo conclude il GTLF di questo mese. Assicuratevi di tornare tra qualche settimana quando approfondiremo cosa aprile 2026 riserva agli appassionati di videogiochi di tutto il mondo.

OutRun compie 40 anni: Classifichiamo i cinque migliori giochi della serie

marcus@gamereactor.it (Marcus Persson) — Fri, 27 Feb 2026 14:00:00 +0100

Ricordo ancora chiaramente il mio primissimo incontro con quella macchina rossa di prova. Sfrecciava lungo strade tortuose a velocità impossibili, schivando camion e auto con uno strano disprezzo per la morte, e sul sedile accanto al guidatore più figo del mondo sedeva quella bionda anonima ma iconica, con i capelli pixelati che svolazzavano al vento.

Il gioco arcade di Sega, illuminato dal sole, era impossibile da staccare dagli occhi, e trovarlo in una stanza fumosa e sporca a bordo di uno dei traghetti TT-Line per Trelleborg-Travemünde non era proprio ciò che mini-Marcus si aspettava. Ovviamente, i miei genitori si rifiutarono di darmi monete da "sprecare" sulla macchina, così dovevo accontentarmi di restare lì, tenendo il piccolo volante di plastica dura e facendo finta.

È stato un ricordo che mi è rimasto impresso a lungo, e in effetti ha persino seminato il seme che poi è sbocciato in un amore sfacciato per le corse arcade in tutte le sue forme. Il capolavoro di Yu Suzuki non solo ha cambiato me, ma anche l'intero genere delle corse, e allo stesso tempo è riuscito a creare un'estetica completamente unica. Era tanto una questione estetica quanto dell'atmosfera.

Outrun era quasi troppo cool per il suo bene, gettando le basi per tutto, dalla serie Ridge Racer e Cruis'n alla cultura synthwave odierna e al retro wave. Sì, persino il genere musicale "OutRun" porta il suo nome come monumento digitale alla nostalgia dai colori al neon, e senza il gioco forse non avremmo mai sentito la fantastica musica di Kavinsky.

Per quattro decenni, la serie è passata da una sala giochi a una console domestica, con risultati contrastanti. La strada non è stata del tutto priva di buche, per così dire, ma il cuore è sempre stato nel posto giusto. Il sogno è sempre vissuto, anche nei periodi più bui in cui il futuro di Sega era in gioco: la strada aperta, la libertà, l'avventura e una sensazione estiva che ti stupisce sempre. Quindi, per celebrare 40 anni di magia, cogliamo l'occasione per classificare i cinque migliori giochi della saga.

5. OutRun Online Arcade (2009)

Purtroppo, si è rivelato essere l'ultimo gioco OutRun che avremmo mai avuto. O almeno finché Sega non deciderà di ridare vita al franchise. E anche se i contenuti erano un po' ridotti rispetto alle versioni precedenti, e problemi di licenza hanno fatto sì che il gioco scomparisse poi dai negozi digitali, il ricordo è ancora vivo ancora oggi. Perché, accidenti, è stato incredibilmente divertente sedersi online e scivolare contro altri OutRunner felici alla ricerca di quegli ultimi millisecondi. L'anima di OutRun 2 era intatta, completa di fisica arcade giocosa, strade tortuose e paesaggi che sfrecciavano a velocità folle e (ovviamente) quella musica magica. La modalità online offriva anche qualcosa che la serie non aveva mai avuto prima: l'opportunità di condividere il viaggio su strada con altri giocatori di tutto il mondo.

4. Turbo OutRun (1989)

Come si crea effettivamente un seguito di quello che, all'epoca, era un vero e proprio fenomeno? Con turbo, ovviamente - più di tutto - più veloce, più aggressivo e con un focus più chiaro sulla competizione e sull'adrenalina. Qui, la guida durante le vacanze fu in parte sostituita dalla pura corsa. Affronti rivali sulle strade degli Stati Uniti, migliori la tua auto tra una fase e l'altra e percepisci una sensazione di progressione che all'originale mancava. Era quasi proto-Need for Speed prima ancora che la serie esistesse. I puristi sbuffarono e l'atmosfera rilassata sparì, ma dimostrò anche che il concetto di OutRun aveva molto spazio per crescere, e Sega osò provare molte nuove idee. Oggi, il gioco sembra il cugino indisciplinato e leggermente birichino della saga. Rumoroso, ribelle e un po' tagliente, ma anche altrettanto affascinante e audace - un passo importante nello sviluppo della serie, anche se non è certo il più iconico.

3. OutRun 2006: Coast 2 Coast (2006)

Sega e AM2 erano di ottimo umore a metà degli anni 2000, e con Coast 2 Coast non solo hanno costruito sull'incredibilmente affascinante OutRun 2, ma hanno quasi sovradosato i contenuti. C'erano tantissimi circuiti, modalità di gioco, sfide e stalloni rossi con licenza da sbloccare - per chi fosse pronto alla sfida. La modalità Coast 2 Coast ha dato al gioco una struttura completamente diversa rispetto a prima, e la varietà è qualcosa che piace. Era giocoso ed equilibrato, con un sistema di drifting che ha scosso anche i piloti più inesperti, ma ha anche offerto molta profondità per il veterano segnato. Molti considerano questo il gioco più completo della serie, ed è facile capire il perché. Era OutRun al suo massimo splendore: più grande, più bello e più sicuro di sé che mai.

2. OutRun 2 (2003)

Dopo dieci anni di silenzio, Sega fece ciò che sembrava impossibile: rilanciò OutRun — e riuscì davvero a superare le aspettative. OutRun 2 è stata una perfetta reinterpretazione. La grafica era splendida per l'epoca, la sensazione di velocità fenomenale, e il nuovo sistema operativo aggiungeva un nuovo livello alla zuppa estiva. Era comunque un viaggio romantico in macchina, solo aggiornato alla tecnologia del XXI secolo. I brani si snodano tra strade costiere europee, deserti e paesaggi alpini, tutti al ritmo di canzoni classiche remixate — nostalgici ma moderni. La cosa più importante, però, è stata quanto bene OutRun 2 abbia gestito il tono, e Sega è stata abbastanza intelligente da abbracciare davvero il fascino distintivo della serie invece di tentare una "figa" cinica. Il risultato è stato forse uno dei giochi di corse arcade più amati di sempre.

1. OutRun (1986)

Probabilmente non c'è nulla che batta quella sensazione incantevole di sistemarsi in una di quelle cabine idrauliche. Afferra quel volante di plastica duro come una roccia, inserisci una moneta e accelera verso l'orizzonte pixelato. E nonostante siano passati tanti anni, quella macchina rossa di prova brilla ancora splendidamente come sempre. OutRun è videogioco nella sua forma più pura. Gioia sfrenata e una sensazione di sole, libertà e romanticismo digitale. Dall'incredibile scala degli sprite (all'epoca) a quei toni bip. Magical Sound Shower, Passing Breeze e Splash Wave - che ancora oggi vivono e prosperano come parte del DNA che plasma l'estetica Synthwave, indie e retrò in tutto il mondo. Che ci pensi o no. OutRun non è solo il miglior gioco della serie. È una delle esperienze più grandi nella storia delle arcade.

Sei d'accordo con la lista e quali sono i tuoi ricordi più cari di OutRun?